Между прошлым и будущим. Современное ювелирное, декоративно-прикладное и православное искусство. Декоративно прикладное искусство ювелирное искусство


Виды изобразительного искусства. Декоративно-прикладное искусство.

Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство (от. лат. decoro — украшаю) — раздел декоративного искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное назначение.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Батик, ручная роспись по ткани с использованием резервирующих составов. На ткань — шелк, хлопок, шерсть, синтетеку — наносится соответствующая ткани краска. Для получения чётких границ на стыке красок используется специальный закрепитель, называемый резерв. Различает несколько видов, например голодный и горячий.

_____________________________________________________________________________________________________

Гобелен, стенной безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей.

«Предложение сердца». Аррас. Ок. 1410. Музей Клюни

_____________________________________________________________________________________________________

Нитяна́я гра́фика (варианты названия: изонить, изображение нитью, ниточный дизайн), техника, получения изображения нитками на картоне или другом твёрдом основании.

_____________________________________________________________________________________________________

Художественная резьба:

по камню:

Акролит — смешанная техника, использовавшаяся в античной скульптуре, при которой обнажённые части статуи изготавливались из мрамора, а одежда— из раскрашенного или позолоченного дерева. Туловище (основной скрытый каркас статуи) также могло быть деревянным.

Гли́птика  — искусство резьбы на цветных и  драгоценных камнях, геммах. Одно из наиболее древних искусств. Также относиться к ювелирному искусству.

_____________________________________________________________________________________________________

Художественная резьба:по дереву:

Один из древнейших и наиболее распространенных видов художественной обработки дерева, при котором узор наносится на изделие при помощи топора, ножа, резцов, долот, стамесок и других подобных инструментов. С совершенствованием технологий появилась токарная обработка дерева и фрезерование, значительно упростившие труд резчика. Резьба применяется в домовом декоре, при украшении бытовой утвари и предметов мебели, для изготовления мелкой деревянной пластики и игрушек.

Сквозная резьба подразделяется на собственно сквозную и накладную, имеет два подвида:

Прорезная резьба — (сквозные участки прорезаются стамесками и резцами).Пропильная резьба (фактически то же самое, но такие участки выпиливаютсяпилой  или лобзиком).Прорезную или пропильную резьбу с рельефным орнаментом называют ажурной.

Плосковыемчатая резьба резьба характерна тем, что её основой служит плоский фон, а элементы резьбы углубляются в него, то есть нижний уровень резных элементов лежит ниже уровня фона. Выделяют несколько подвидов такой резьбы:

Контурная резьба — самая простая, единственным её элементом является канавка. Такие канавки-желобки и создают рисунок на плоском фоне. В зависимости от выбранной стамески канавка может быть полукруглой или треугольной.

Скобчатая (ногтевидная) резьба — основным элементом является скобка (внешне похожа на след, оставляемый ногтем при надавливании на любой мягкий материал, отсюда и пошло название ногтевидная) — полукруглая насечка на плоском фоне.  Множество таких скобок разных размеров и направлений и создаёт рисунок или его отдельные элементы.

Геометрическая (трёхгранная, трёхгранновыемчатая) резьба — имеет два основных элемента: колышек и пирамиду (заглубленная внутрь трёхгранная пирамидка). Выполняется резьба в два этапа: наколка и подрезка. Сначала резцом накалывают (намечают) сектора, которые необходимо срезать, а затем подрезают их. Многократное использование пирамид и колышком на разных расстояниях и под разными углами даёт великое множество геометрических фигур, среди которых различают: ромбы, витейки, соты, цепочки, сияния и т. д.

Чернолаковая резьба — фоном служит плоская поверхность покрытая чёрным лаком или краской. Как в контурной резьбе прорезаются канавки на фоне, из которых и строится рисунок. Различная глубина канавок и их разный профиль дают интересную игру светотени и контраста чёрного фона и светлых прорезанных канавок.

Рельефная резьба характерна тем, что элементы резьбы находятся выше фона или на одном уровне с ним. Как правило, в этой технике выполняются все резные панно. Выделяют несколько подвидов такой резьбы:

Плоскорельефная резьба с подушечным фоном — можно сравнить с контурной резьбой, но все края бороздок заоваливаются, причём порой с разной степенью крутизны (со стороны рисунка более резко, со стороны фона постепенно, отлого). За счёт таких заоваленных контуров фон кажется сделанным из подушек, отсюда и пошло название. Фон находится на одном уровне с рисунком.

Плоскорельефная резьба с выбранным фоном — та же резьба, но только фон выбирается стамесками на уровень ниже. Контуры рисунка заоваливаются также.

Абрамцево-кудринская(кудринская) — зародилась в усадьбе Абрамцево под Москвой, в деревне Кудрино. Автором считают Василия Ворноскова. Резьба отличается характерным «кудреватым» орнаментом — вьющимися гирляндами лепестков, цветов. Часто используются такие же характерные изображения птиц и животных. Как и плоскорельефная, бывает с подушечным и выбранным фоном.

Резьба «Татьянка» — этот вид резьбы появился в 90-х годах XX века. Автор (Шамиль Сасыков) назвал этот сформировавшийся стиль в честь своей жены и запатентовал его. Как правило, такая резьба содержит растительный орнамент. Характерной особенностью является отсутствие фона как такового — один резной элемент постепенно переходит в другой или накладывается на него, таким образом заполняется все пространство.

Художественная резьба:по кости:

Нэ́цкэ — миниатюрная скульптура, произведение японского ДПИ, представляющее собой небольшой резной  брелок.

Керамика, изделия из глины, изготовляемые под воздействием высокой температуры с последующим охлаждением.

Вышивка, общеизвестное и распространенное рукодельное искусство украшать самыми разными узорами всевозможные ткани и материалы бывает гладью, крестом, древнерусское лицевое шитье.

Вязание, процесс изготовления изделий из непрерывных нитей путём изгибания их в петли и соединения петель друг с другом с помощью несложных инструментов вручную (вязальный крючок, спицы, игла) или на специальной машине (механическое вязание).

Макраме, техника узелкового плетения.

Ювелирное искусство.

(от нем. Juwel или голл. juweel - драгоценный камень), изготовление художественных изделий (личных украшений, предметов быта, культа, вооружения и др.) преимущественно из драгоценных (золото, серебро, платина), а также некоторых драгоценных цветных металлов, часто в сочетании с драгоценными и поделочными камнями, жемчугом, стеклом, янтарём, перламутром, костью и т. д. В ювелирном искусстве применяются ковка, литьё, художественная чеканка и канфаренье (придание поверхности металла зернистости и матовости при помощи чекана в виде тупого шила или трубочки), тиснение, резьба или гравировка, оброн (техника, при которой фон вокруг рисунка вырезается), филигрань, зернь, чернь, эмали (финифть), инкрустация, травление, полировка и др., механические приёмы обработки - штамповка, вальцовка и др..

Художественная обработка кожи.

Приемы художественной обработки кожи.

Тиснение. Различают несколько видов тиснение. В промышленном производстве применяются различные способы штамповки, когда рисунок на коже выдавливается при помощи пресс-форм. При изготовлении художественных изделий также применяют штамповку, но используют наборные штампы и чеканы. Другой способ — тиснение с наполнением — вырезание из картона (лигнина) или кусочков шоры элементов будущего рельефа и подкладывание под слой предварительно увлажненной юфти,которую затем обжимают по контуру рельефа. Мелкие детали выдавливают без подкладки за счет толщины самой кожи. При высыхании она твердеет и «запоминает» рельефный декор. Термотиснение — выдавливание декора на поверхности кожи при помощи разогретых металлических штампов.

Перфорация или высечка — один из древнейших приемов. Собственно он сводится к тому, что при помощи пробойников различной формы в коже высекаются отверстия расположенные в виде орнамента.

Плетение — один из способов обработки, заключающийся в соединении при помощи специальной техники нескольких полосок кожи. В ювелирных изделиях часто применяют элементы макрамэ, выполненные из «цилиндрического» шнурка. В сочетании с перфорацией плетение применяется для оплётки края изделий (используется для отделки одежды, обуви, сумок).

Пирография (выжигание) — приём новый, но с древней родословной. Видимо, первоначально выжигание по коже явилось побочным эффектом при термо-тиснении, но затем широко применялось как самостоятельный прием. При помощи пирографии можно наносить на кожу очень тонкие и сложные рисунки. Часто применяется в сочетании с гравировкой, росписью, тиснением при создании панно, украшений, изготовлении сувениров.

Гравировка (резьбу) применяют при работе с тяжелыми, плотными кожами. На лицевую поверхность размоченной кожи с помощью резака наносят рисунок. Затем любым металлическим предметом продолговатой формы прорези расширяют и заполняют акриловой краской. При высыхании контурный рисунок сохраняет свою чёткость, а линии — толщину.

Аппликация в кожевенном деле — наклеивание или пришивание кусочков кож на изделие. В зависимости от того, какое изделие декорируется, несколько различаются способы аппликации.

Интарсия — по сути, то же, что инкрустация и мозаика: фрагменты изображения монтируются «стык-в-стык». Интарсию выполняют на текстильной или деревянной основе. В зависимости от этого выбирают сорта кож. Для достижения надлежащего качества по предварительному эскизу выполняют точные лекала всех фрагментов композиции. Затем по этим лекалам из предварительно окрашенных кож вырезают элементы и наклеивают на основу при помощи костного клея или эмульсии ПВА. Техника интарсии применяется в основном для создания настенных панно, но в сочетании с другими приемами может использоваться при изготовлении бутылей, сувениров, декорировании мебели.

Кроме того, кожу можно расписывать, её можно формовать, придавая любую форму и рельеф (при помощи размачивания, проклеивания, наполнения).

Художественная обработка металла:

Работа в технике Филигрань

Литье. Золото, серебро, бронза обладают высокой плавкостью и легко разливаются в формы. Отливки хорошо повторяют модель. Перед литьем мастер изготовляет модель из воска. Те части предмета, которые должны быть особенно прочными, например, ручки сосудов, рукоятки или защелки, а также орнаменты и фигуры, отливаются в формах из песка. Для сложных предметов требуется изготовление нескольких моделей, поскольку разные части отливаются раздельно, а затем соединяются посредством спайки или привинчивания.

Художественная ковка — один из древнейших способов обработки металлов. Она осуществляется ударами молотка по заготовке. Под его ударами заготовка деформируется и принимает желаемую форму, но такая деформация без разрывов и трещин свойственна в основном только драгоценным металлам, которые обладают достаточной пластичностью, вязкостью, тягучестью.

Чеканка — это очень своеобразная, наиболее артистическая и одновременно трудоемкая техника производства. Драгоценные металлы поддаются прокатке в тонкий лист, затем форма предмета приобретает свои очертания в холодном состоянии с помощью разгонных молотков. Часто художественное изделие обрабатывается на основе (свинцовой или смоляной подушке), которая избирается в зависимости от степени ковкости металла. Короткими и частыми ударами молотка при постоянном прижиме и вращении металл выстукивается до тех пор, пока не получится желаемая форма. Затем переходят к чеканке (выбивке декора). Декор выбивается с помощью чеканов (стальных стержней определенного профиля). Изделия, откованные из цельного куска заготовки, представляют собой наивысшие художественные произведения. Легче работать с двумя или более кусками заготовки, которые затем припаивают друг к другу.

1. Чеканка из листа.2. Чеканка по литью или оброну.В первом случае из листовой заготовки средствами чеканки создают новое художественное произведение, во втором — только выявляют и завершают художественную форму, ранее уже отлитую в металле (или вырезанную из металла техникой оброна).

Металлопластика. Художественные произведения, выполненные в этой технике, напоминают по виду чеканку из листа, а по существу они значительно отличаются, прежде всего толщиной листового металла.Для чеканки идут листы толщиной от 0,5 мм и больше, а для металлопластики применяется фольга до 0,5 мм. Однако главное отличие металлопластики — в самом технологическом процессе и наборе инструментов. В чеканке форма образуется за счет ударов молотком по чекану, а в металлопластике форма лепится путем плавных деформаций, осуществляемых специальными инструментами, напоминающими собой скульптурные стеки.

Гравирование — один из видов древнейшей художественной обработки металла. Его сущность — нанесение линейного рисунка или рельефа на материал при помощи резца. В технологии художественного граверного мастерства можно различать:— плоскостное гравирование (двух мерное), при котором обрабатываетсятолько поверхность; Его назначение — декорирование поверхности изделия путем нанесения контурного рисунка или узора, сложных портретных, многофигурных или ландшафтных тоновых композиций, а также исполнение различных надписей и шрифтовых работ. Гравированием украшают как плоские, так и объемные изделия.К плоскостной гравировке, называемой также гравировкой по глянцу или гравировкой для вида, относится и гравировка под чернь, которая в технологическом отношении отличается от обычной только тем, что выполняется несколько глубже, а затем выбранный рисунок заполняется чернью.— обронное гравирование (трехмерное ).Обронное гравирование — способ, при котором создается рельеф или даже объемная скульптура из металла. В об-ронном гравировании выделяют два варианта: выпуклое (позитивное) гравирование, когда рисунок рельефа выше фона (фон углублен, снят), углубленное (негативное) гравирование, когда рисунок или рельеф режется внутрь.

Травление . Это еще одна техника, родственная графике. Как и в офорте, предмет покрывался смолой или воском, а затем на нем процарапывался декор. При погружении изделия в кислоту или щелочь процарапанные места протравливались, а поверхность вокруг них, часто поврежденная вмешательством инструмента, тускнела. Так возникал очень неглубокий и мягко проступающий рельеф.

Филигрань — своеобразный вид художественной обработки металла, занимающий с глубокой древности важное место в ювелирном деле.Термин «филигрань» более древний, он произошел от двух латинских слов: «филюм» — нить и «гранум» — зерно. Термин «скань» русского происхождения. Он берет свое начало от древнеславянского глагола «съкати» — ссучивать, свивать. Оба термина отражают технологическую сущность этого искусства. Термин «филигрань» сочетает в себе названия двух основных первичных элементов, из которых производят характерную для сканного производства, а именно то, что проволока применяется в этом виде искусства ссученной, свитой в шнуры.Чем тоньше проволока и чем туже, круче она ссучена, тем красивее изделие, особенно если этот узор дополняет зернь (мельчайшие шарики).

Эмалирование. Эмаль — это образовавшаяся посредством частичного или полного расплавления стекловидная застывшая масса неорганического, главным образом окисного состава, иногда с добавками металлов, нанесенная на металлическую основу.

Декоративная обработкаОписание декоративной отделки изделия должно нести информацию о расположении, индивидуальных размерах, количестве, характеристиках элементов художественной обработки. Типичные элементы, включаемые в общее описание, приводятся ниже.1. Матирование.2. Чернение.3. Оксидирование.МатированиеМатированной, или фактурованной, поверхностью изделий считают поверхность, отличающуюся от полированной, несущую декоративную нагрузку.Фактура поверхности может быть мелкоямочной, мелкоштриховой, матовой. Чаще всего используется эффект комбинированной обработки фактуры с глянцем. Участки фактурной поверхности получают, используя литьевую корку изделий, шлифованную поверхность (предварительно обработав пескоструйной рабочую поверхность штампа), применяя травление в различных кислотных составах, механическое матирование (штихелем, молотой пемзой, крацеванием).ЧернениеЧернь (легкоплавкий сплав состава: серебро, медь, свинец, сера) накладывают на изделие, подготовленное для черни, то есть с углублениями гравированным рисунком. Глубина рисунка в пределах 0,2-0,3 мм зависит от размеров изделия. Поверхность изделия, не покрывающаяся чернью, должна быть полированной, без рисок, царапин и других дефектов.ОксидированиеИзделия из серебра и с серебряным покрытием оксидируют (обрабатывают) как химическим, так и электрохимическим способом. Процессы химического и электрохимического бесцветного оксидирования осуществляются в растворах и электролитах, основным компонентом состава которых является двухромовокислый калий. В процессе цветного оксидирования изделиям придается окраска с самыми различными оттенками: синего, черного, серого, темно-коричневого и т.д. Оксидированные изделия для придания пленкам красивого блеска крацуют мягкими латунными щетками. Оксидированная поверхность должна быть равномерно матовой, без различия в цветовых оттенках.Гальванические покрытияВ ювелирной промышленности в качестве гальванических покрытий используют золото, серебро, родий. На гальванических покрытиях могут быть незначительные следы мест контактов с токопроводящими приспособлениями, не нарушающие слоя покрытия и не ухудшающие внешнего вида изделия.

Пирография, выжигание по дереву, коже, ткани и т.д.

Витраж, произведение декоративного искусства изобразительного характера из цветного стекла, рассчитанное на сквозное освещение и предназначенное для заполнения проёма, чаще всего оконного, в каком-либо архитектурном сооружении.

Верхняя половина Окна Библии Бедняков, Кентерберийский собор, Великобритания 

В настоящее время выделяют несколько разных типов витражей в зависимости от техники изготовления:

Классический (наборный или мозаичный) витраж — образован прозрачными кусками стекла, удерживаемыми перегородками из свинца, меди, латуни. Классический витраж подразделяется на свинцово-паечный (собирается на свинцовый профиль) и витраж по технологии Тиффани (собирается на медную ленту).

Свинцово-паечный (паечный) витраж — классическая техника витража, появившаяся в средние века и послужившая основой для всех других техник. Это витраж, собранный из кусочков стекол в свинцовую оправу, запаянную в стыках. Стекла могут быть цветными и расписанными краской из легкоплавкого стекла и окислов металлов, которая далее обжигается в специально устроенных печах. Краска накрепко вплавляется в стеклянную основу, составляя с ней единое целое.

Фацетный витраж — витраж, выполненный из стекол со снятой по периметру стекла фаской (фацетом, фасцетом) или объемных, шлифованных и полированных стекол, имеющих огранку. Чтобы получить широкую фаску (это усиливает эффект от преломлений света) требуется более толстое стекло, что увеличивает вес витража. Поэтому готовые фацетированные детали собирают в более прочную (латунную или медную) оправу. Подобный витраж лучше размещать в межкомнатных дверях, дверцах мебели, так как такая оправа в состоянии выдержать нагрузки открывания/закрывания, а свинец в этом случае провисает. Золотистый оттенок медной или латунной оправы придает вещам драгоценный вид, будучи видимым не только на просвет, но и в отраженном свете, что особенно важно для мебельных витражей.

Расписной витраж — на поверхность стекла наносится рисунок прозрачными красками.

Комбинированный витраж — образуется сочетанием различных технологий создания витража.

Пескоструйный витраж, созданый с помощью специального оборудования

Спечной витраж (фьюзинг)— витражная техника, в которой рисунок создается путем совместного запекания разноцветных кусочков стекла или путем впекания в стекло инородных элементов (например, проволоки).

Травленый витраж— техника, основанная на способности плавиковой кислоты взаимодействовать с диоксидом кремния (главным компонентом стекла). При таком взаимодействии с кислотой стекло разрушается. Защитные трафареты дают возможность получать рисунок любой сложности и необходимой глубины.

Литой витраж — Каждый модуль стекла отливается вручную либо выдувается. Стеклу, толщина которого варьируется от 5 до 30 мм также придается поверхностная фактура, которая преломляя свет усиливает выразительность. Для скрепления стекол используется цементный раствор и металлическая арматура.

Наборный витраж — простейший вид витража, как правило, без росписи, который создается на наборном столе из кусочков сразу вырезаемых или заранее нарезанных стекол.

Имитация витража.

Плёночный витраж — на поверхность стекла наклеивается свинцовая лента и разноцветная самоклеящаяся пленка (английская технология).

Контурный заливной витраж - на поверхность стекла наносится рисунок акриловыми полимерами в два этапа: контур имитирует жилку классического витража, в образовавшихся, путем нанесения контура, замкнутых областях, выполняется вручную заливка цветных элементов (английская технология).

Накладной витраж— получается наклеиванием элементов на основу.

Мозаика, произведение которое подразумевает формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности (как правило — на плоскости) разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

Символ души — птица — на византийской мозаике православного храма 6 века.Херсонес.

Техника. Способы укладки.

При прямом наборе элементы мозаики вдавливаются в грунт. При обратном наборе мозаика собирается на картоне или ткани, потом переносится на загрунтованную поверхность.

Укладка мозаики: техника похожа на укладку плитки, клей и затирочный раствор для мозаичных швов доступны в каждом строительном супермаркете.

Основание исследуется на прочность, выявляются все дефекты — трещины, каверны, гравийные гнезда, арматура или другие инородные предметы, не включенные в проект, а также проблемные области, например, масляные пятна, рыхлое или недостаточно прочное основание, пустоты. Основание должно быть крепким, несущим, сухим, а также ровным и очищенным от средств, уменьшающих сцепление (например, добавок, уменьшающих адгезию и облегчающих демонтаж опалубки), без следов цементного молока, пыли, грязи, остатков краски, стертой резины и т. п. При необходимости провести механическую очистку основания, например, путем пескоструйной обработки. Перед началом укладки мозаики визуально поверхность должна быть ровной, без наплывов, ямок и трещин, а также сухой и прогрунтованной.

Укладка мозаики на бумаге.Укладка начинается с нанесения на подготовленную поверхность клея, после чего он равномерно распределяется по всей поверхности. В большинстве случаев рекомендуется применять клеевые составы на латексной основе. Мозаика клеится обратной к бумаге стороной. Укладка должна быть аккуратной, поэтому расстояние между листами должно соответствовать расстоянию между плитками, излишнее давление недопустимо. По окончании укладки листы необходимо закрепить легкими ударами площадки с резиновым основанием. Через сутки бумагу можно удалить — смоченная влажной губкой, она отстаёт. Перед затиркой швов мозаичную поверхность необходимо очистить от остатков бумаги и клея, после чего затирку можно выполнить при помощи резиновой тёрки. Для затирки швов целесообразно использовать состав, который рекомендуется производителем мозаики. Когда затирка завершена, можно выполнить очистку мозаики и отполировать мозаичную поверхность.

Укладка мозаики на сетке. В отличие от мозаики на бумажных листах, мозаика, наклеенная на сетку, клеится лицевой поверхностью вверх. Для технологии её укладки характерно то, что после высыхания клея можно приступать сразу же к затирке швов.

В Декоративно-прикладом искусстве, еще много различных видов. С каждым годом открытия новых технологий их становится все больше и больше.

Более подрубную информацию, с наглядным материалом можно найти на страницах известных поисковиков.

Автор статьи: Шанько Ирина.

irina-shanko.com

Что такое декоративное искусство

Человек всегда старался приукрасить свою жизнь, внося в нее элементы эстетики и творчества. Ремесленники, создавая предметы быта – посуду, одежду, мебель, декорировали их орнаментами, узорами, резьбой, инкрустировали драгоценными камнями, превращая в настоящие произведения искусства.

Декоративное искусство, по сути, существовало еще в доисторические времена, когда пещерный человек украшал свое жилище наскальными рисунками, но в академической литературе оно выделено только в 50-х годах 19-го века.

Значение термина

Латинское слово decorare переводится как «украшать». Именно оно является корнем понятия «декоративный», то есть «украшенный». Следовательно, термин «декоративное искусство» дословно значит «умение украшать».

Подразделяется на такие составляющие виды искусства:

  • монументальное – оформление декором, росписью, мозаикой, витражами, резьбой зданий и сооружений;
  • прикладное – касается всех бытовых предметов, в том числе посуды, мебели, одежды, текстиля;
  • оформительское – творческий подход к оформлению праздников, выставок и витрин.

Главным признаком, по которому декоративное изобразительное искусство отличают от изящного, является его практичность, возможность использования в быту, а не просто эстетическое наполнение.

Для примера, картина – это предмет изящного искусства, а украшенный резьбой подсвечник или расписная керамическая тарелка – прикладного.

Классификация

Отрасли этого вида искусства классифицируются по:

  • Материалам, применяемым в процессе работы. Это может быть металл, камень, древесина, стекло, керамика, текстиль.
  • Технике выполнения. Применяются самые различные приемы – резьба, инкрустация, литье, набойка, чеканка, вышивка, батик, роспись, лозоплетение, макраме и прочие.
  • Функциям – предмет мог использоваться по-разному, например, как мебель, посуда или игрушка.

Как видно из классификации, данное понятие имеет очень широкий охват. Тесно связано с художественностью, архитектурой, дизайном. Предметы декоративно-прикладного искусства формируют материальный мир, окружающий человека, делая его прекрасней и богаче в эстетическом и образном плане.

Возникновение

Во все века ремесленники старались украсить плоды своего труда. Они были искусными мастерами, обладали прекрасным вкусом, из поколения в поколение совершенствовали свои умения, тщательно оберегая секреты внутри семьи. Их кубки, знамена, гобелены, одежда, столовые приборы и прочие предметы быта, а также витражи, фрески отличались высокой художественностью.

Почему же определение «декоративное искусство» появилось именно в середине 19-го столетия? Это связано с промышленной революцией, когда в ходе быстрого роста машинного производства изготовление товаров из рук ремесленников перешло на заводы и фабрики. Продукция стала унифицированной, неуникальной и часто непривлекательной. Ее главной задачей стала лишь грубая функциональность. В таких условиях прикладной промысел буквально означал изготовление единичного товара с высокой художественной ценностью. Мастера прикладывали свое искусство, создавая эксклюзивные декорированные предметы быта, которые в условиях промышленного бума стали пользоваться особым спросом в богатых слоях общества. Так и родился термин «декоративно-прикладное искусство».

История развития

Возраст декоративного искусства равен возрасту человечества. Первые найденные предметы творчества относятся к эпохе палеолита и представляют собой наскальные рисунки, украшения, ритуальные статуэтки, костяные или каменные предметы быта. Учитывая примитивность орудий, декоративное искусство в древнем обществе было очень простым и грубым.

Дальнейшее усовершенствование средств труда приводит к тому, что предметы, служащие практическим целям и одновременно украшающие быт, становятся все более изящными и утонченными. Мастера вкладывают в предметы обихода свой талант и вкус, эмоциональное настроение.

Народное декоративное искусство пронизано элементами духовной культуры, традициями и взглядами нации, характером эпохи. Оно охватывает в своем развитии огромные временные и пространственные пласты, материал многих поколений поистине необъятен, поэтому невозможно все жанры и виды его выстроить в одну историческую линию. Этапы развития условно разбиты на самые значимые периоды, в пределах которых выделяются наиболее яркие шедевры декоративно-прикладного искусства.

Древний мир

Декоративное искусство Египта является одной из самых значимых страниц в истории прикладного творчества. Египетские мастера довели до совершенства такие художественные ремесла, как резьба по кости и дереву, обработка металла, ювелирное дело, изготовление цветного стекла и фаянса, тончайших узорчатых тканей. На высоте было кожевное, ткацкое, гончарное ремесла. Художники Египта сотворили чудесные памятники искусства, которыми весь мир восхищается и сегодня.

Не менее значимым в истории прикладного искусства стали достижения древневосточных мастеров Передней Азии (Шумер, Вавилон, Ассирия, Сирия, Финикия, Палестина, Урарту). Декоративное искусство этих государств особенно ярко выразилось в таких ремеслах, как резьба на слоновой кости, чеканка по золоту и серебру, инкрустация драгоценными и полудрагоценными камнями, художественная ковка. Отличительной чертой изделий этих народов была простота форм, любовь в декоре к мелким и подробным деталям и изобилие ярких цветов. Очень высокого уровня достигло производство ковров.

Изделия ремесленников античности украшены изображениями растений и животных, мифических существ и героями легенд. В работе использовался металл, в том числе благородный, фаянс, слоновая кость, стекло, камень, дерево. Высочайшего мастерства достигли критские ювелиры.

Декоративное искусство стран Востока - Ирана, Индии - пронизано глубокой лиричностью, утонченностью образов в сочетании с классической ясностью и чистотой стиля. Спустя столетия вызывают восхищение ткани - муслин, парча и шелк, ковры, золотые и серебряные изделия, чеканка и гравюры, расписная глазурованная керамика. Поражают воображение люстровые и бордюрные изразцы, которыми украшали светские и религиозные строения. Уникальным приемом стала художественная каллиграфия.

Неповторимой самобытностью и эксклюзивными приемами отличается декоративное искусство Китая, которое оказало серьезное влияние на работы мастеров Японии, Кореи, Монголии.

Искусство Европы формировалось под влиянием декоративно-прикладного мастерства Византии, впитавшей в себя дух античного мира.

Самобытность Руси

Народное декоративное искусство Древней Руси испытало на себе влияние скифской культуры. Художественные формы достигли большой изобразительной силы и выразительности. Славяне использовали стекло, горный хрусталь, сердолик, янтарь. Получило развитие ювелирное дело и металлообработка, резьба по кости, керамика, декоративная роспись храмов.

Особое место занимает писанкарство, резьба по дереву, вышивка и плетение. В этих видах искусства славяне достигли больших высот, создавая утонченные изысканные изделия.

Основой декоративного искусства стали национальный орнамент и узоры.

fb.ru

виды, образы, развитие. Музей декоративно-прикладного и народного искусства :: SYL.ru

В отличие от безликих изделий массового производства, вещи, сделанные своими руками, всегда уникальны. Мастерски изготовленная домашняя утварь, одежда, элементы интерьера стоят дорого. И если в старину такие вещи представляли собой предметы утилитарного назначения, то в наши дни они перешли в разряд искусства. Красивая вещь, сделанная хорошим мастером, всегда будет в цене.

В последние годы развитие прикладного искусства получило новый импульс. Эта тенденция не может не радовать. Прекрасная посуда из дерева, металла, стекла и глины, кружева, текстиль, ювелирные украшения, вышивка, игрушки - всё это после нескольких десятилетий забвения вновь стало актуальным, модным и востребованным.

История московского музея народного творчества

В 1981 году в Москве, на Делегатской улице, открылся Музей декоративно-прикладного и народного искусства. Его коллекцию составили уникальные образцы изделий ручной работы отечественных мастеров прошлого, а также лучшие произведения современных художников.

В 1999 году произошло следующее важное событие - Всероссийский Музей декоративно-прикладного и народного искусства принял в своё собрание экспонаты Музея народного искусства имени Саввы Тимофеевича Морозова. Ядро этой коллекции сформировалось ещё до революции 1917 года. Основой для него стали экспонаты самого первого российского этнографического музея. Это был так называемый Кустарный музей декоративно-прикладного искусства, открытый в 1885 году.

При музее работает специализированная библиотека, в которой можно познакомиться с редкими книгами по теории и истории искусства.

Собрание музея

Традиционные виды декоративно-прикладного искусства систематизированы и распределены по отделам. Основные тематические направления - это керамика и фарфор, стекло, ювелирные украшения и металл, резьба по кости и дереву, текстиль, лаковая миниатюра и изобразительные материалы.

Музей декоративно-прикладного искусства в открытом фонде и хранилищах имеет более 120 тысяч экспонатов. Русский модерн представлен работами Врубеля, Конёнкова, Головина, Андреева и Малютина. Обширна коллекция советского агитационного фарфора и тканей второй четверти прошлого века.

В настоящее время этот музей народно-прикладного искусства считается одним из самых значительных в мире. Самые древние экспонаты высокой художественной ценности относятся к 16 веку. Собрание музея всегда активно пополнялось за счёт даров частных лиц, а также стараниями ответственных работников государственного аппарата в годы советской власти.

Так, уникальная экспозиция тканей сложилась во много благодаря щедрости гражданина Франции П. М. Толстого-Милославского, который преподнёс в дар музею большую коллекцию русского, восточного и европейского текстиля, собранную Н. Л. Шабельской.

Две большие коллекции фарфора были подарены музею выдающимися деятелями советского искусства – Леонидом Осиповичем Утёсовым и супругами Марией Мироновой и Александром Менакером.

Музей прикладного искусства города Москвы может похвастаться залами, посвящёнными быту русских людей в разные временные периоды. Здесь можно познакомиться с жилищем представителей всевозможных сословий. Сохранены, отреставрированы и выставлены для обозрения мебель, посуда, одежда крестьян и жителей городов, детские игрушки. Резные украшения наличников и козырьков крыш, изразцовые печки, сундуки, которые служили не только удобными хранилищами для вещей, но и кроватями, так как изготавливались соответствующих размеров, вызывают в воображении картины тихой, размеренной и сытой жизни российской глубинки.

Лаковая миниатюра

Лаковая миниатюра как прикладное искусство наибольшего расцвета достигла в 18-19 веках. Художественными центрами, давшими прописку основным направлениям, стали города, славившиеся своими иконописными мастерскими. Это Палех, Мстёра, Холуй и Федоскино. Шкатулки, броши, панно, ларцы, выполненные из папье-маше, расписывались масляными красками или темперой и покрывались лаком. Рисунки представляли собой стилизованные изображения животных, растений, персонажей сказок и былин. Художники, мастера лаковой миниатюры, писали иконы, делали на заказ портреты, рисовали жанровые сценки. В каждой местности выработалась своя манера письма, но практически все виды прикладного искусства нашей страны объединяют такие качества, как насыщенность и яркость красок. Детальная проработанность рисунков, плавные и округлые линии – вот что отличает русскую миниатюру. Интересно, что образы декоративно прикладного искусства прошлого вдохновляют и современных художников. Старинные рисунки часто используют при создании тканей для коллекций модной одежды.

Художественная роспись по дереву

Хохломская, мезенская и городецкая роспись узнаваемы не только в России, но и за её пределами. Мебель, туеса, короба, ложки, миски и прочая домашняя утварь из дерева, расписанная в одной из этих техник, считается олицетворением России. Легкая деревянная посуда, расписанная красками чёрного, красного и зелёного цвета по золотому фону, выглядит массивной и тяжёлой - это характерная манера хохломы.

Городецкие изделия отличает многоцветная палитра красок и несколько меньшая, по сравнению с хохломскими, округлость форм. В качестве сюжетов используются жанровые сценки, а также всевозможные выдуманные и реальные представители животного и растительного мира.

Декоративно-прикладное искусство Архангельской области, в частности мезенская роспись по дереву, представляет собой предметы утилитарного назначения, декорированные особыми рисунками. Мезенские мастера для своих работ используют только два цвета – чёрный и красный, то есть сажу и охру, дробный схематичный рисунок туесов, шкатулок и сундуков, фризы в виде каёмок из повторяющихся усечённых фигурок коней и оленей. Статичный мелкий, часто повторяющийся рисунок вызывает ощущения движения. Мезенская роспись – одна из наиболее древних. Те рисунки, что используются современными художниками, представляют собой иероглифические надписи, которыми пользовались славянские племена задолго до возникновения русского государства.

Мастера по дереву, прежде чем вытачивать из цельного бруска какой-либо предмет, обрабатывают древесину против растрескивания и усыхания, поэтому их изделия имеют очень большой срок службы.

Жостовские подносы

Металлические подносы, расписанные цветами – прикладное искусство подмосковного Жостово. Некогда имевшие исключительно утилитарное назначение, жостовские подносы уже давно служат украшением интерьера. Яркие букеты из крупных садовых и мелких полевых цветов на чёрном, зелёном, красном, синем или серебряном фоне легко узнаваемы. Характерные жостовские букеты теперь украшают металлические коробки с чаем, печеньем или конфетами.

Финифть

Такое декоративно прикладное искусство, как финифть, также относится к росписи по металлу. Наиболее известны изделия ростовских мастеров. Прозрачные огнеупорные краски наносят на медную, серебряную или золотую пластину, а потом обжигают в печи. В технике горячей эмали, как ещё называют финифть, делают ювелирные украшения, посуду, рукоятки оружия и столовых приборов. Под воздействием высокой температуры краски меняют цвет, поэтому мастера должны разбираться в тонкостях обращения с ними. Чаще всего в качестве сюжетов используются цветочные мотивы. Самые опытные художники делают миниатюры с портретами людей и пейзажами.

Майолика

Московский Музей прикладного искусства даёт возможность увидеть работы признанных мастеров мировой живописи, выполненных в не вполне свойственной им манере. Так, например, в одном из залов находится майолика Врубеля – камин «Микула Селянинович и Вольга».

Майолика представляет собой изделия из красной глины, расписанные по сырой эмали и обожжённые в специальной печи при очень высокой температуре. В Ярославской области художественно-прикладное искусство получило широкое распространение и развитие по причине большого количества месторождений чистой глины. В настоящее время в ярославских школах детей учат работе с этим пластичным материалом. Детское прикладное искусство - это второе дыхание для старинных ремёсел, новый взгляд на народные традиции. Однако это не только дань уважения национальным традициям. Работа с глиной развивает мелкую моторику, расширяет угол зрения, нормализует психосоматическое состояние.

Гжель

Декоративно-прикладное искусство, в отличие от изящного, предполагает утилитарное, хозяйственное применение создаваемых художниками предметов. Фарфоровые чайники, вазы для цветов и фруктов, подсвечники, часы, рукоятки столовых приборов, тарелки и чашки – все они чрезвычайно изящны и декоративны. По мотивам гжельских сувениров делают принты на трикотажных и текстильных материалах. Мы привыкли думать, что гжель – это синий рисунок на белом фоне, однако изначально гжельский фарфор был многоцветным.

Вышивка

Вышивка по ткани – один из самых древних видов рукоделия. Изначально оно было призвано украшать одежду знати, а также ткани, предназначенные для религиозных ритуалов. Данное народное декоративно-прикладное искусство пришло к нам из стран Востока. Одеяния богатых людей расшивали цветным шёлком, золотыми и серебряными нитями, жемчугом, драгоценными камнями и монетами. Наиболее ценной считается вышивка мелкими стежками, при которой возникает ощущение гладкого, словно нарисованного красками рисунка. В России вышивание быстро вошло в обиход. Появились новые техники. Помимо традиционной глади и крестика стали вышивать мережками, то есть прокладывая ажурные дорожки по пустотам, образованным выдернутыми нитями.

В дореволюционной России центры народных промыслов, помимо предметов утилитарного назначения, изготавливали сотни тысяч детских игрушек. Это были куклы, зверюшки, посуда и мебель для детских забав, свистульки. Декоративно-прикладное искусство этого направления до сих пор пользуется большой популярностью.

Символ Вятской земли – дымковская игрушка - не имеет аналогов в мире. Яркие пёстрые барышни, кавалеры, павлины, карусели, козлики узнаются сразу. Ни одна игрушка не повторяется. На белоснежном фоне красными, синими, жёлтыми, зелёными, золотыми красками рисуются узоры в виде кругов, прямых и волнистых линий. Все поделки очень гармоничны. Они излучают настолько мощную положительную энергетику, что это способен ощутить каждый, взявший в руки игрушку. Может быть, и не нужно расставлять по углам квартиры китайские символы благополучия в виде трёхлапых жаб, пластмассовых красных рыбок или денежных деревьев, а лучше украсить жилище изделиями русских мастеров – каргопольскими, тульскими или вятскими глиняными сувенирами, миниатюрными деревянными скульптурами нижегородских умельцев. Не может быть, чтобы они не привлекли в семью любовь, достаток, здоровье и благополучие.

Филимоновская игрушка

В центрах детского творчества многих регионов нашей страны детей учат лепить из глины и расписывать поделки в манере народных промыслов центральной России. Ребятишкам очень нравится работать с таким удобным и пластичным материалом, как глина. Они придумывают новые рисунки в соответствии со старинными традициями. Так отечественное прикладное искусство развивается и остаётся востребованным не только в туристических центрах, но и по всей стране.

Передвижные выставки филимоновской игрушки очень любимы во Франции. Они путешествуют по стране в течение всего года и сопровождаются мастер-классами. Игрушки-свистульки закупают музеи Японии, Германии и других стран. Этому промыслу, имеющему постоянную прописку в Тульской области, около 1000 лет. Примитивно выполненные, но расписанные розово-зелёными красками, они выглядят очень жизнерадостно. Упрощённая форма объясняется тем, что игрушки имеют внутри полости с отверстиями, выходящими наружу. Если в них дуть, попеременно закрывая разные дырочки, то получится незатейливая мелодия.

Павлово-посадские платки

Уютные, женственные и очень яркие шали павлово-посадских ткачей стали известны всему миру благодаря изумительной коллекции модной одежды российского модельера Вячеслава Зайцева. Он использовал традиционные ткани и узоры для пошива женских платьев, мужских рубашек, другой одежды и даже обуви. Павлово-посадский платок – это аксессуар, который можно передавать по наследству, как ювелирное украшение. Долговечность и износостойкость платков хорошо известны. Их делают из высококачественной тонкой шерсти. Рисунки не выгорают на солнце, не бледнеют от стирки и не дают усадки. Бахрома на платках делается специально обученными мастерами – все ячейки ажурной сетки завязываются узелками на одинаковом расстоянии друг от друга. Рисунок представляет собой цветы на красном, синем, белом, чёрном, зелёном фоне.

Вологодское кружево

Знаменитые на весь мир вологодские кружева плетутся при помощи берёзовых или можжевеловых коклюшек из хлопчатобумажных или льняных ниток. Таким способом изготавливают мерную тесьму, покрывала, шали и даже платья. Вологодское кружево представляет собой узкую полоску, которая является основной линией узора. Пустоты заполняются сеточками и жучками. Традиционный цвет – белый.

Прикладное искусство не стоит на месте. Развитие и изменения происходят постоянно. Надо сказать, что к началу прошлого века, под воздействием развивающейся индустрии, появились промышленные мануфактуры, оснащённые скоростными электрическими станками, возникло понятие - массовое производство. Народно-прикладное искусство начало приходить в упадок. Лишь в середине прошлого века были восстановлены традиционные для России ремёсла. В художественных центрах, таких как Тула, Владимир, Гусь-Хрустальный, Архангельск, Ростов, Загорск и др., были построены и открыты профессионально-технические училища, подготовлены квалифицированные преподаватели и обучены новые молодые мастера.

Современные виды рукоделия и творчества

Люди путешествуют, знакомятся с культурами других народов, учатся ремеслу. Время от времени появляются новые виды декоративно-прикладного искусства. Для нашей страны такими новинками стали скрапбукинг, оригами, квиллинг и другие.

Одно время бетонные стены и заборы расцветились самыми разными рисунками и надписями, выполненными в высокохудожественной манере. Граффити, или спрей-арт, – это современное прочтение старинного вида наскальной живописи. Можно сколь угодно смеяться над подростковыми увлечениями, к каковым, безусловно, относится и граффити, однако посмотрите на фотографии в интернете или пройдитесь по собственному городу, и вы обнаружите по-настоящему высокохудожественные работы.

Скрапбукинг

Оформление блокнотов, книг и альбомов, существующих в единственном экземпляре, называется скрапбукингом. Вообще, данное занятие не является совсем новым. Альбомы, призванные сохранить для потомков историю семьи, города или отдельного человека, создавались и раньше. Современное видение данного искусства – это создание художественных книг с иллюстрациями авторов, а также использование компьютеров с различными графическими, музыкальными, фото- и другими редакторами.

Квиллинг и оригами

Квиллинг, в переводе на русский язык "бумагокручение", применяется при создании панно, для оформления открыток, фоторамок и пр. Техника заключается в скручивании тонких полосок бумаги и наклеивании их на основу. Чем мельче фрагмент, тем изящнее и декоративнее поделка.

Оригами, как и квиллинг, – работа с бумагой. Только оригами – это работа с квадратными листами бумаги, из которых складываются всевозможные фигуры.

Как правило, все ремёсла, связанные с бумаготворчеством, имеют китайские корни. Азиатские виды прикладного искусства изначально были развлечением знати. Беднота не занималась созданием красивых вещей. Их удел – земледелие, скотоводство и всевозможная чёрная работа. Европейцы, переняв основы техники, которая исторически представляет собой очень мелкую и тонкую работу с рисовой бумагой, перенесли искусство в удобные им условия.

Китайские изделия отличаются изобилием очень мелких деталей, которые выглядят монолитно и очень изысканно. Такой труд под силу только очень опытным мастерам. К тому же тонкие бумажные ленточки можно скрутить в тугую и ровную катушку только при помощи специальных инструментов. Европейские любители ручного творчества несколько видоизменили и упростили старинное китайское ремесло. Бумага, завитая в спирали разной величины и плотности, стала популярным украшением картонных шкатулок, вазочек для сухоцветов, рамок и панно.

Говоря о декоративно-прикладном искусстве, было бы несправедливо обойти вниманием такие ремёсла, как роспись по шёлку, или батик, набойка, или чеканка, то есть рисование по металлу, ковроткачество, бисероплетение, макраме, вязание. Что-то уходит в прошлое, а иное становится настолько модным и популярным, что даже промышленные предприятия налаживают выпуск оборудования для данного вида творчества.

Сохранение старинных ремёсел и демонстрация в музеях лучших образцов – благое дело, которое всегда будет служить источником вдохновения для людей творческих профессий и поможет приобщиться к прекрасному всем остальным.

www.syl.ru

Ювелирное искусство (1917 - 1945).

В первые годы Советской власти, несмотря на разруху и острую нехватку материалов, было уделено внимание и развитию ювелирного искусства.

В августе 1919 года Подотдел художественной промышленности при Отделе ИЗО Наркомпроса созвал в Москве конференцию заведующих свободными государственными художественно-промышленными мастерскими, образованными во многих областях страны. Одной из тем, обсуждаемых на конференции, была и такая: "Материал, его культура и его требования к художнику". Наряду с другими отраслями художественной промышленности конференция рассмотрела также вопросы развития ювелирного искусства, эмали, литья, бронзы, гранильного дела.

В первые годы после Октябрьской революции Петергофская гранильная фабрика стала единственным в стране государственным предприятием, выпускавшим художественные изделия из камня. Правда, выпуск этих изделий был весьма ограничен, так как основной продукцией фабрик в те годы оставались агатовые компасы, частицы из пород камня высокой твердости для мореходных инструментов и других технических изделий. Однако уже в августе 1919 года на I Всероссийской конференции по художественной промышленности первый директор Петергофской фабрики С. А. Транцеев подчеркивал, что своей задачей коллектив считает распространение камня среди широких масс, для чего в первую очередь требовалось удешевить изделия, совершенствуя производство, улучшая технологию обработки камня.

В те годы было трудно думать о широкой организации подобного производства для нужд населения, так как изделия фабрики в основном предназначались для экспорта за границу, чтобы хоть в какой-то мере восполнить валютный голод в стране.

В 1923 году в результате обследования деятельности Петергофской гранильной фабрики было признано, что в дальнейшем необходимо сосредоточить усилия ее коллектива на выпуске художественных изделий "оригинальных русских форм, преломленных в цветном камне".

Одновременно дирекции фабрики рекомендовали дать заказы на изготовление ряда образцов художественных изделий из камня известным московским скульпторам С. Коненкову, А. Голубкиной и С. Алешину. Еще раньше, в 1918 году, В. Мухина сделала рисунки и в воске проект броши, по-видимому, предназначавшейся к изготовлению в камне; овальный медальон окаймлялся с двух сторон обнаженными женскими фигурами, выполненными с той обобщенностью и пластичностью форм, которые столь характерны для работ этого многогранного мастера.

К сожалению, неизвестно, осуществлялись ли эти заказы и проекты изделий в материале. Ясно одно - в 20-е годы советское ювелирное искусство еще не имело столь ярких успехов, как в агитфарфоре или оформительском искусстве.

С целью борьбы со спекуляцией и контрабандой золотом, драгоценными камнями и изделиями из них начиная с января 1918 года издан ряд специальных постановлений, запрещающих частным лицам, а также предприятиям добычу и торговлю золотом и драгоценными камнями и объявляющих это монополией государства.

В частности, одним из первых мероприятий в этой области было Постановление ВСНХ от 27 июля 1918 года об учреждении при ВСНХ секции благородных металлов и установлении казенной монополии в торговле золотом и платиной. В состав этой секции входили представители профессиональных союзов рабочих золото-серебряного производства и организации приисковых рабочих, союза металлистов и лиц, делегируемых ВСНХ. Исключительное право на добычу драгоценных камней и золота предоставили лишь нескольким крупным государственным организациям, в частности, трестам: "Русские самоцветы", "Алданзолото" и др. Одновременно всячески поощрялось развитие в стране народных художественных кустарных промыслов, в числе которых были и ювелирные.

До революции в Москве и в Петербурге существовали крупные частные ювелирные фабрики Фаберже, П. А. Овчинникова, Г. П. Грачева, К. Н. Шапошникова и другие, обладавшие не только опытнейшими кадрами замечательных мастеров, но и технологией, позволившей достигать виртуозного совершенства в отделке уникальных изделий из золота, серебра, платины и драгоценных камней. Эти фирмы были монополистами на ювелирном рынке страны и успешно конкурировали с иностранными фирмами.

Сразу же после революции все они были закрыты, ценности и оборудование реквизированы, многие их владельцы бежали за границу. Что же касается мастеров, то часть их, чтобы как-то существовать, была вынуждена или переменить профессию, или выполнять отдельные заказы нэпманов, добывая необходимые материалы на черном рынке. Многие мастера-ювелиры были привлечены для реставрации уникальных произведений. Высокое мастерство этих ювелиров было использовано при создании первых советских государственных орденов и медалей, так как их изготовление требовало больших знаний и владения различными техниками ювелирного дела - чеканки, гравировки по золоту, серебру, эмали.

В 30-е годы несколько возрос потенциал государственных предприятий ювелирного производства. Основное внимание направлялось на создание в основном уникальных, выставочных произведений. В те годы система государственной ювелирной промышленности не располагала крупными предприятиями. Несколько артелей и небольших фабрик в Москве, Ленинграде и Свердловске, входивших в общественный трест "Русские самоцветы". Костяк этих предприятий составляло несколько опытных старых мастеров, которые в основном и выполняли специальные задания и заказы.

Единственными учреждениями, где готовились кадры, были так называемые профессионально-технические школы при наиболее крупных предприятиях и промыслах, где старые мастера что называется "с рук" передавали свой опыт молодежи. Но обучая их различным секретам своего ремесла, они не могли привить молодежи необходимые художественно-эстетические критерии, научить ее отличать мещанскую поделку от подлинного произведения искусства. Поэтому на внутренний рынок страны выпускались ювелирные изделия, созданные по дореволюционным образцам и часто мало художественные.

Из наиболее крупных и ответственных ювелирных работ, выполненных на государственных предприятиях в предвоенные годы, следует назвать изготовленные по эскизам Ф. Федоровского первый вариант звезд из позолоченной меди с уральскими самоцветами, предназначенных для башен Московского Кремля. Оригинальное композиционное решение этих звезд, легкие ажурные конструкции которых смотрелись на просвет и хорошо вырисовывались на фоне неба, удачно сочетались с прочим декоративным украшением башен.

В 1937 году по инициативе Г. К. Орджоникидзе мастерами Свердловской и Петергофской гранильных фабрик была выполнена огромная карта "Индустрия социализма". На этой карте площадью в 27 квадратных метров из более чем 45 тысяч кусков лазурита, орлеца, яшм, опалов, рубинов и других самоцветов была воспроизведена схема административного деления СССР, обозначены свыше 450 крупнейших городов, реки, озера и даже рельеф местности. Эта уникальная по своему техническому исполнению карта демонстрировалась на международных выставках в Париже и Нью-Йорке, а в настоящее время помещена в Георгиевском зале Государственного Эрмитажа.

Уровень развития государственной ювелирной промышленности в 30-е годы характеризуют, прежде всего, отдельные заказные произведения. Что же касается массового производства ювелирных изделий, то оно сосредоточивалось, главным образом, в художественных промыслах и артелях систем Всекопромсовета и Главкустпрома. К концу 30-х годов здесь ясно наметились тенденции, сводящие "все задачи бытовой эстетики к максимальному количеству украшений и всевозможных декоративных безделушек в интерьере", как справедливо писал Д. Аркин.

В тяжелые военные годы труд советских мастеров ювелирного искусства также нашел применение. Он понадобился при создании образцов новых орденов и медалей, в частности орденов Александра Невского, Суворова, Нахимова, ордена Победы и многих других знаков отличия воинской доблести и славы.

И. М. Суслов. 1984 г.

art.sovfarfor.com

Ювелирное и декоративно - прикладное искусство в xvii в.

Ювелирное и декоративно - прикладное искусство в XVII в.

Тяжелые последствия Смутного времени испытало на себе и декоративно - прикладное искусство. После освобождения Москвы сюда со всей страны привлекаются лучшие ремесленники, многие из которых остались в столице на долгие годы. Возобновление деятельности кремлевских мастерских совпало с полным истощением государственной и церковной казны. Требовалось время, чтобы обеспечить полнокровную жизнь этих мастерских, создать необходимые условия для работы.

Начиная свои труды, мастера зачастую повторяли лучшие произведения XVI в. Кадило 1616 г. во многом повторяет кадило 1598 г., оклад Евангелия 1631 г., выполненный мастером Гавриилом Овдокимовым, повторяет оклад 1571 г.632 Постепенно проявляются тенденции к усилению декоративного начала в произведениях ювелирного искусства. Этому способствовало и привлечения многих мастеров, в том числе и иностранных. Их творческое содружество привело к оригинальным художественным решениям, открывало новые возможности в использовании выразительных средств.

Таким образом, на протяжении первой трети XVII в. в русском ювелирном искусстве наблюдается четкая направленность мастеров на произведения второй половины прошлого столетия. В этот период в художественной культуре, еще не происходит очевидных качественных изменений.

С 40–х годов XVII в. начинается новый период в работе московских мастеров ювелиров. Большого размаха достигают работы в Оружейной, Золотой, Серебряной, Государевой, Царициной и других палатах. Среди русских мастеров трудились мастера из украинских и белорусских земель, немецкие, голландские, греческие, английские и другие специалисты.633 Формируется своя система обучения. В этих условиях создаются поистине уникальные произведения искусства.

К середине XVII в. обретает популярность техника наложения эмали на чеканку, впервые отмеченная в 20-30-е годы. Очень популярна, становится техника гравировки по серебру на черневом фоне. Пожалуй, самыми популярными, и созвучными общим тенденциям развития искусства в XVII в. были эмальерные техники – эмали по скани, резьбе, рельефу, а также расписные эмали.634

Ярким примером ювелирного искусства середины века является потир 1664 г., вложенный боярыней А.И. Морозовой «во оставление грехов» в кремлевский Чудов монастырь. Это удивительный по красоте потир усыпан десятками драгоценных камней и обильно расцвечен эмалями. На самой чаче в четырех медальонах помещены эмалевые изображения Спасителя, Богородицы, Иоанна Предтечи и Распятие (несколько несовершенные по техническому исполнению). Стоян (ножка) и яблоко потира как бы опутывает перевитая бело-голубая декоративная бечевка. Весь декор сосуда, необычайно пестрый и многослойный, во многом «спорит» с его формами. На данном примере можно видеть усиливающееся декоративное начало в произведениях московских мастеров середины XVII в.

Наивысшего расцвета техника росписи по эмали достигает к исходу XVII в., особенно так называемые усолские эмали, распространение которых было отмечено в г. Сольвычегорске (в то время – Усолье). Но истоки усольских эмалей происходят из московских мастерских. Именно здесь делались богатые оклады для икон строгановских мастерских. Особенностью их является белый эмалевый фон, на которые наносились разнообразные орнаментальные композиции. Мастера в основу многих орнаментальных и изобразительных мотивов заимствовали идеи из книжных гравюр, главным образом, «Библии Пискатора». Несколько упрощая образец и перекладывая его на свой лад, эмальеры добивались принципиально иного художественного решения.

В XVII в. в церковный обиход широко входят дарохранительницы в виде ларца с высокой крышкой, завершенной главкой с крестом. Золотая дарохранительница из Благовещенского собора Московского Кремля (вторая половина XVII в.) имеет форму киота с трехлопастным завершением.635 На верхних углах дарохранительницы поставлены золотые, украшенные чернью главки с литыми херувимами, а в центре главка из крупного турмалина. Распятие с эмалью, эмалевые дробницы, рубины и изумруды на лицевой стороне и прекрасные черневые изображения св. Троицы с четырьмя евангелистами на обороте делают эту дарохранительницу одним из лучших произведений царских ювелиров XVII в.636

В целом, декоративно-прикладное искусство к концу XVII в., достигает своего наивысшего расцвета. Мастера умело пользуются всеми достижениями в этой области искусства, их творческие возможности многократно увеличиваются.

Книжная миниатюра. Печатные книги XVII в.

При Посольском приказе в 60-х годах XVII в. организуется золотописная мастерская, во главе которой стоял художник Григорий Благушин. В этой мастерской помимо оформления государственных грамот выполняются и работы по оформлению рукописных книг.637 Наиболее продуктивный период по созданию замечательных произведений книжного искусства в посольском приказе приходится на 70е годы.

В 1677-1678 гг. в Посольском приказе при участии художников Ивана Максимова638 и Федора Зубова, «строится» роскошное «Толковое Евангелие», украшенное 1200 миниатюрами, орнаментальными рамками, заставками, концовками. При работе над рукописью, которая продолжалась «восемь месяцев днем и ночью», художники использовали в качестве образцов западноевропейские гравюры. Речь идет не о механическом копировании гравюр, а о творческой переработке, приспособлении к традициям русской рукописной книги. В качестве дополнения к текстовым изображениям на полях размещаются маленькие маргинальные миниатюры. Ряд миниатюр близок к жанровым светским картинкам.

Замечательные экземпляры лицевых рукописей создавались не только в Посольском приказе. На рубеже 80-90 годов в мастерской Патриаршего двора пишется грандиозное лицевое напрестольное Евангелие, предназначенное для Антониево-Сийского монастыря.639 Всего в Евангелии насчитывается 2138 миниатюр, одним из исполнителей которых был патриарший мастер Никодим. В миниатюрах этого фолианта сочетаются старые иконописные и новые живописные приемы. Часто евангельские сюжеты трактуются как бытовые жанровые сцены («Месяцеслов» приложение к рукописи). По свидетельству исследователей, главным источником для создания миниатюр стали гравюры нидерландского художника Н. де Брюйна.

Обзор книжной миниатюры второй половины XVII в. наглядно демонстрирует, как в ее недрах формируется новая изобразительная система, в основе которой лежит реалистическое восприятие действительности. Вместо традиционной обратной перспективы художники всё чаще пользуются прямой. Увеличивается внедрение бытового жанра, видовой графики, под воздействием западноевропейской гравюры. Вместе с угасанием рукописной книги и приход ей на смену печатной книги миниатюра, как художественное явление к началу XVIII в. теряет свое прежнее значение.

Успехи книгопечатания в XVII в. становятся особенно очевидными. Почти 500 книг тиражом около 1000 и более экземпляров каждая, выпущенных из типографий за этот период. Таким образом, печатная книга способствует усвоению не только новых знаний, но и новых художественных вкусов, что было связано с иным, нежели в рукописях, характером их оформления. В печатных книгах очень часто допускались заимствования из украинских и западноевропейских изданий.

Основные изменения в художественном решении печатных книг были связаны с использованием, начиная с середины столетия, гравюры на меди, которая к началу 18в. занимает в книгопечатании ведущее место. В технике гравюра не меди работали такие известные художники как, Симон Ушаков и Федр Зубов. По рисункам Симона Ушакова созданы гравюры для книг, подготовленных к печати Симеоном Полоцким в так называемой Верхней типографии (при царском дворе): «Псалтири рифмотворной» (1680 г.), «Истории о Варлааме и Иоасафе», «Обеда душевного (обе 1681 г.) и др. Непосредственным исполнителем гравюр был Афанасий Тухменский (Зверев).

По рисункам Федора Зубова были выполнены гравюры для печатного Евангелия 1677 г. Мелкие форы, детальная проработка изображений, их наполненность движением свидетельствует о появлении барочных тенденций, которые проникли в Россию вместе с образцами западного книжного искусства.

Возможно искусство оформления книг к концу XVII в. ближе вех подошло к принятию новой культуры. Печатная книга становится проводником новых вкусов и направлений в изобразительном искусстве.

Вся художественная деятельность в XVII в., приобретает на Руси невиданный размах. Никогда доселе не создавалось такого количества архитектурных сооружений и стенных росписей, как во второй половине этого столетия. В плане художественном это век приобретений, но и больших утрат. «Утрата большого стиля, утрата глубины образных характеристик, отсутствие в живописи XVII в. выразительности и духовной напряженности, свойственной произведениям XII-XV веков, восполнялось красочностью, яркой декоративностью и обилием узоречья».640 Вопросы в области иконописания обсуждаются и на Большом Московском Соборе. Собор запрещает изображение Бога Отца, требуя соответствия не слову, а смыслу православного вероучения.641

Общий характер искусства XVII в., отмеченный утратой основных свойств великого искусства предыдущих эпох, был результатом того духовного упадка и тех исторических предпосылок, которые зародились еще в XVI в. С отходом от духовной сущности исихазма наступает повсеместное иссякание живой творческой традиции. Падает уровень богословской мысли, появляется разобщенность между молитвенным подвигом и творчеством. Историческая обстановка, при всем разнообразии положений, сложилась так, что не только не способствовала преодолению духовного спада, но, наоборот, создавала благоприятные условия для его углубления, тем самым, открывая инословным исповеданиям широкую дорогу для воздействия на духовную жизнь православия. Особую роль в этом сыграла Юго-Западная Русь, которая первая соприкоснулась с проблемами Запада этого времени. Переживая эти проблемы, сама уже «зараженная» западничеством, она «заразила болезнями» Запада и Русскую Церковь. Постепенно происходит обособление культуры от Церкви, древние традиции вытесняются. Происходит постепенное время разрыва с Преданием. Но все же искусство это, держится еще на достаточно высоком духовном и художественном уровне. Патриаршие и монастырские мастерские, а также основная масса иконописцев продолжают строго следовать традициям.

Лицевое шитье в XVI-XVII вв.

На рубеже XV-XVI вв. особое влияние на лицевое шитье оказало творчество Дионисия. Удлиненные пропорции фигур, тонкость ликов, преимущественно светлые тона доминировали в шитье в первой половине XVI в.

Лицевое шитье в XVI в. достигает своего наивысшего расцвета. Связано это в первую очередь с появления ряда крупных мастерских (светлиц) в столице, под руководством опытных мастеров и с проявлением особого интереса к этому виду декоративно-прикладного искусства. Если сохранившиеся произведения шитья, выполненные в предшествующие эпохи, представляют собой единичные образцы, то произведения XVI в. дают уже достаточно полную картину о развитии этого вида искусства. Достаточно известными в этот период становятся работы мастерских Соломонии Сабуровой, Евфросинии Старицкой, Ирины Годуновой, строгановских домов и др.642

В начале XV в. в Москве работает мастерская Анастасии Овиновой, прибывшей в столицу из Новгорода. Из числа произведений известны: покров на престол 1514 г. вложенный в Троицкий-Сергиев монастырь643, пелена с изображением свт. Иоанна Новгородского и прп. Никиты Новгородского.644 Особенностью всех произведений вышедших из этой мастерской является мастерство рисунка, удлиненность фигур, использование простых прикрепов в сочетании с разноцветным шелком. Особенностью являются цветочные гирлянды и растительные орнаменты встречающиеся даже в литургических текстах. Мастерская прекратила свое существование после смерти Анастасии (между 1516-1519 гг.).

Подчеркнутой декоративностью отличается подвесная пелена 1525 г., выполненная в светлице великой княгини Соломонии Сабуровой (первой жены Василия III ). На пелене в центре изображена композиция «Явление Богородицы прп. Сергию», на полях святые и Праздники. Эта пелена была вложена в Троицкий- Сергиев монастырь и подвешивалась под иконой «Животворящей Троицы» прп. Андрея (Рублёва).645 Пелена вышита золотыми и серебряными нитями в сочетании с многоцветными шелками на красном атласе средника и голубого поля. Эту пелену отличает высокое художественное достоинство, тесно связанное с традициями народного искусства.

К середине века относится деятельность мастерской Анастасии Романовны (первой жены Ивана Грозного). Произведения этой мастерской, благодаря привлечению лучших иконописцев, отличает совершенный рисунок, выразительность композиций. Совершенствуется техника вышивки, она сочетает разнообразные варианты художественных швов.

Изделиями светлицы Анастасии Романовны были надгробные пелены прп. Кирилла Белозерского и прп. Никиты Переяславского,646 а так же вышитая композиция «Голгофа»647 (108 \ 114 см.), вложенная царицей в Троице-Сергиев монастырь. Последний покров особенно выразителен, ибо здесь органично соединились мастерский рисунок знаменщика, удачно подобранные цвета и искусное исполнение вышивки. Исключительным по значимости памятником является катапетасма, подаренная царем Иваном Грозным в Хиландарский монастырь на Афоне в 1555 г. Это одна из самых больших и трудоемких работ этой мастерской.

Заметное место в истории лицевого шитья занимает мастерская Евфросинии Старицкой.648 Для всех произведений вышедших из ее мастерской характерна удивительная самобытность.

Иконописцы готовили для них вышивальщиц варианты композиций, обращая самое пристальное внимание на рисунок, с особой тщательностью подходили к проработке ликов и деталей изображения. В настоящее время известно около 20 плащаниц, созданных в мастерской опальной княгини. Плащаницы «в вечный поминок» рассылались во многие монастыри и храмы. Плащаница 1558 г. была вложена в Иосифо-Волоцкий монастырь (121 \ 183 см.),649 другая 1561 г. вложена в Троице-Сергиев монастырь (174 \ 276 см.)650, трития, самая большая, достигающая трех метров, в том же году – в московский Успенский собор (с 1812г. находится в Успенском соборе г. Смоленска).

Кроме плащаниц из светлицы Ефвросинии Старицкой в 60е годы вышли: пелена «Спас Великий Архиерей» (101 \ 88 см.), палица «Распятие» (51 \ 54 см.), хоругвь «Видение Иоанна Богослова» (66,6 \ 62 см.) и многое другое.651 Все эти произведения отличаются высокими художественными качествами в сочетании с безупречной техникой вышивки. Уже у современников эти произведения пользовались высоким авторитетом и вызвали к жизни их неоднократные повторения в последующие десятилетия.

В последние десятилетия XVI в. наиболее известны, становятся мастерские работавшие при домах бояр Годуновых. Самой яркой фигурой по управлению мастерскими был Дмитрий Иванович Годунов (дядя царя Бориса Федоровича). Из светлиц Дмитрия Годунова вышло много произведений лицевого шитья. Многие из них были вложены в Ипатьевский монастырь, Троице-Сергиев монастырь и кремлевские соборы. Среди них: сударь с изображением св. Дмитрия Солунского (64 \ 63 см.) и пелена «Ветхозаветная Троица с деяниями» (118 \ 133 см.).652

В эти же годы работала мастерская, которой руководила царица Ирина (в монашестве Александра) Годунова. Первые дошедшие произведения этой светлицы датируются 70-и годами XVI в., последние 1604 г. Среди работ интересен покров с изображением прп. Варлаама Хутынского653 (238 \ 97 см.) и покров с образом св. Василия Блаженного654 (250 \ 117 см.). Все произведения этой светлицы во многом продолжают традиции лицевого шитья мастерской Ефвосинии Старицкой.655

Грандиозным творением царицыной светлицы стал вышитый в 1592 г. походный четырехрядный иконостас, в состав которого входило около100 вышитых икон.656Три верхних яруса представляли собой одно полотнище, которое дополняли фигуры местного ряда. До наших дней сохранилось несколько икон из этого иконостаса. В целом иконостас производит очень праздничное богатое произведение. Почти вся поверхность шитых икон покрыта золотно-серебряными нитями с яркими многоцветными прикрепами. О высоком уровне мастерства злотошвей говорит разнообразие видов швов, гораздо большем, чем в иных памятниках светлицы Ирины.

Строгановские мастерские лицевого шитья работали почти полвека, вплоть до 30-х годов XVII в. Первое датированное произведение строгановской мастерской «Успение Богоматери»657 (98 \ 81 см.) относится к 1592 г. Эта пелена была вложена Н.Г. Строгановым для украшения стоявшей в киоте храмовой иконы в соборе Сольвычегорска. Это и другие ранние произведения этой мастерской характеризует достаточно малое количество золотных нитей и некоторая плоскостность в трактовке форм.

Устойчивые признаки школы складываются в изделиях строгановских светлиц только к 30-40-м XVII в. Этот этап представлен сравнительно небольшим количеством памятников. В их числе подвесные пелены «Богоматерь Владимирская»658 (37 \ 25 см.) из Сольвычегорска и «Богоматерь Казанская»659 из Усолья (35 \ 29 см.). В этих произведениях уже достаточно много используется золотных нитей, рисунки строги и выверены. Характерной чертой обоих произведений является условная система светотеневой моделировки, доведенной до схематизма.

В 30-50-е годы XVII в. мастерские срогаоновых возглавляет Татьяна Дмитриевна Сроганова (+ 1639 г.) и Анна Васильевна Стоганова (+ 1649 г.). В это время появились такие произведения как, пелена Московские святители, покров на раку прп. Авраамия Ростовского.

Таким образом, общие тенденции развития лицевого шитья и иконописи практически полностью совпадают. Однако в произведениях лицевого шитья по-прежнему остается главным выявление образа изобразительными средствами. Сложные композиции ставшие с середины 16в. характерными для иконописи не находят продолжения в произведениях лицевого шитья. Для произведений лицевого шитья в XVI-XVII вв. становится характерно применение значительного количества жемчуга660 (кроме мастерских Строгановых) и драгоценных камней661.

Смутное время отложило отпечаток и на работу царских «светлиц», в первой трети XVII в. мастерские Москвы практически прекращают работу.

С начала 50-х годов XVII в. вступает в силу мастерская возглавляемая Анной Ивановной Злобиной (Строгановой + 1680 г.). В произведениях этой мастерской характерной чертой стала декоративность, использование золотых нитей не только в дольчнном, но и в зашивке фона средника. Шитье начинает носить «серийный» характер (выполняется несколько одинаковых экземпляров). В этой мастерской был вышит украшенный композициями праздников сакос для ростовского митрополита Ионы Сысоевича и Казанского митрополита Лаврентия. Интересен и клобук митрополита Ионы (1662 г.) со сложными многофигурными композициями, вышитый полностью золотыми нитями.662 Одним из позднейших произведений вышедших из этой мастерской стала плащаница 1680 г. из Рязани. Для этой работы, характерна попытка совместить традиции русского шитья и заимствования из композиций западных гравюр. После смерти Анны Ивановны мастерская стала увядать и к началу 18в. прекратила свое существование.

Последняя мастерская, работавшая в Москве, была возглавляема Акилиной Петровной Буторлиной (+ 1711 г.). Из произведений этой мастерской известно около 30 произведений. В произведениях мастерской со всей остротой проявились все кризисные течения в иконописи этого времени.

Общий упадок иконописного искусства к концу XVII в. привел к упадку и искусства лицевого шитья. Стремление к подражанию западным образцам (гравюрам) привело к потере древних традиций лицевого шитья, утрате образа. Западные традиции живописи XVIII в. полностью уничтожили искусство лицевого шитья, которое всегда следовало иконописной традиции.

XVII в. в зодчестве, как и во всей русской культуре, признаки наступления нового времени можно заметить со второй половины века. К середине века перемены уже столь значительны, что можно говорить о переходном периоде, характер которого не входит в традиционные рамки древнерусской культуры. Появляется новая стилистическая система, которая условно получила название «русское барокко» или «московское барокко».663

В архитектуре одним из главных элементов принятым от «фрязиноф» стал декоративный карниз. Эти карнизы, не нарушая в целом древних покрытий храмов «по закомарам», в корне изменили значение последних низводя их степень декоративных арок – кокошников. Сплошные перекрытия карнизы отделили фасад от верха храма, давая последним значение декоративного перехода к главам (Знаменский собор в Новгороде 1682 г., Воскресенская церковь в Каргополе конец XVII в.). Не таково было значение закомар в древних русских храмах. Усиливается и становится преобладающим, особенно в московском храмостроительстве, декоративное начало. Храм, от богатых каменных построек этого времени, отличает пожалуй только наличие куполов и колокольней. В остальном храмы становятся архитектурным продолжением богатой каменной застройки города.

Важное место в развитии архитектуры конца XVII в. занимают здания монастырских трапезных. Пространственная структура этих сооружений была одинакова. Таковы: трапезная Новодевичьего монастыря (1685-1687 гг.), самая крупная трапезная храма прп. Сергия в Троице-Сергиевом монастыре (1685-1692 гг.).

Нахлынувшие в середине столетия в Москву, посредством иностранных торговцев, западноевропейские гравюры, стали настоящим открытием для иконописцев XVII в. Этот продукт совершено другого художественного опыта, в силу отхода от своих традиций, был жадно воспринят, переработан и использован в иконописи и монументальной живописи. Бесцветная гравюра менее всего затронула область цветовых исканий русских художников, и во многом цветовая палитра русских мастеров не изменилась. Изменения коснулись передачи композиций, движений, и пространства.

Заключение.

Оценивая многовековой период русского церковного искусства в целом, нельзя не отметить его удивительно высокого нравственного настроя и постоянного стремления к красоте духовной, внутренней.

Определяющую роль в формировании древнерусского искусства сыграл освященный веками уклад жизни восточных славян, их культура и традиции. Благодаря им, после принятия христианства, русское искусство не перестало быть русским и сохранило свою самобытность. По этой причине, ни в коем случае не принижая огромного влияния Византии и других восточнославянских стран на Русь, говорить о полной преемственности древнерусского искусства от византийского не приходится.

Если рассматривать художественные произведения в русле исторического развития, важно отметить, что их создание не ассоциировалось с фактом прошлого. Включенные в контекст повседневности, они были свидетельством непрерывной жизни, со строгим соблюдением традиций освященных веками.

Древнерусское искусство, как неотъемлемая часть русского народа, знало разные времена – взлетов и падений, расцвета и относительного затишья. Этап интенсивного культурного развития, начавшийся после принятия христианства, сменился длительным периодом государственной раздробленности, когда искусство обретает черты ярко выраженного местного своеобразия. Огромным потрясением всех сфер жизни Руси стало монголо-татарское нашествие и последующее более чем двухвековое иго, роковым образом сказавшееся на состоянии художественного творчества южнорусских земель второй половины XIII первой половины XV вв. Однако даже в этих чрезвычайно сложных условиях, под покровом Матери Церкви, возвышается искусство Северо-Восточной Руси. Церковное искусство приходит к своему - «золотому веку».

Восстановление государственности на исходе XV в. способствовало формированию, собиранию общерусской культуры. Москва становится крупнейшим духовным, политическим и культурным центром Руси.

Время внутренней стабильности и благополучия наступившее со второй трети XVII в. привело к новому этапу развития церковного искусства. Особое почитание русскими людьми икон, постепенно привело к появлению огромного количества «богомазов» писавших сотнями дешевые иконы и продававшие их народу. Недаром царский указ 1668 г. запрещает писать иконы подобным мастерам сел Мстеры и Холуя (близь Владимира). В конце века, патриарх Иоаким, горько жаловался на появления огромного количества гравированных изображений, видя в них тлетворное влияние на русскую иконопись: «многие торговые люди, говорил он в приписке к своему духовному завещанию, покупают листы на бумаге печатанные немцами, а продают немцы еретики, лютеры и кальвины, по своему их проклятому мнению и неправде на подобие лиц своя страны и в одеждах своих странных немецких, а не древних подлинников, которые обретаются у православных; а они еретики святых икон не почитают и ради бумажных листов иконное почитание презирают».

С разрушением внутреннего уклада культуры, благодаря внедрению в культуру западных идей, постепенно назревает кризис. Медленно уходят в прошлое основополагающие духовные основы церковного искусства, на их место приходит высокое мастерство и внешнее благолепие. Со всей очевидностью это проявилось в церковном искусстве XVIII в.

refdb.ru

Декоративно-прикладное искусство. Народное искусство.

Поиск Лекций

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

Декоративно-прикладное искусство - вид творческой деятельности по созданию предметов быта, предназначенных для удовлетворения утилитарных и художественно-эстетических потребностей людей.

К декоративно-прикладному искусству относятся изделия, выполняемые из разнообразных материалов и с помощью различных технологий. Материалом для предмета ДПИ может служить металл, дерево, глина, камень, кость. Весьма разнообразны технические и художественные приемы изготовления изделий: резьба, вышивка, роспись, чеканка и др. Основная характерная особенность предмета ДПИ - декоративность, заключающаяся в образности и стремлении украсить, сделать лучше, красивее.

Декоративно-прикладное искусство имеет национальный характер. Так как происходит из обычаев, привычек, верований определенного этноса, приближено к укладу его быта.

Народное декоративно-прикладное искусство – одна из проверенных временем форм выражения эстетического восприятия человеком мира.

Важной составляющей декоративно - прикладного искусства являются народно-художественные промыслы - форма организации художественного труда, основанного на коллективном творчестве, развивающем культурную местную традицию и ориентированном на продажу промысловых изделий.

 

Ключевая творческая идея традиционных промыслов - утверждение единства природного и человеческого мира.

 

Основными народными промыслами России являются:

- Резьба по дереву - Богородская, Абрамцево-кудринская; (иллюстрации 2-8)

- Роспись по дереву - Хохломская, Городецкая, Полхов-Майданская, Мезенская,

- Декорирование изделий из бересты - тиснение по бересте, роспись;

- Художественная обработка камня - обработка камня твердой и мягкой породы,

- Резьба по кости - Холмогорская, Тобольская. Хотьковская,

- Миниатюрная живопись на папье-маше - Федоскинская миниатюра, Палехская миниатюра, Мстерская миниатюра, Холуйская миниатюра,

- Художественная обработка металла - Великоустюжское черневое серебро, Ростовская финифть (роспись эмалью по металлу), Жостовская роспись по металлу,

- Народная керамика - Гжельская керамика, Скопинская керамика, Дымковская игрушка, Каргопольская игрушка,

- Кружевоплетение - Вологодское кружево, Михайловское кружево,

- Роспись по ткани - Павловские платки и шали,

- Вышивка - Владимирская, Цветная перевить, Золотошвейная вышивка.

 

В России насчитывается более 80 видов народного прикладного искусства, возрождённых и традиционно обоснованных. Это: художественная вышивка, русские художественные лаки, керамика, художественная роспись по ткани, глины, дерева и др. На сегодняшний день в России действует 12 учебных заведений, которые готовят студентов по самым сложным традиционным направлениям народной прикладной культуры, к ним относятся: Семёновская школа, Уральское училище искусств, Ломоносовская школа резьбы по кости, Торжокская школа золотого шитья, Мстёрское художественно-промышленное училище и др.

 

Декоративно-прикладное искусство. Народное искусство.

 

1. С древнейших времен свойственно человеку стремление к красоте в

окружающем его предметном (вещном) мире. С этой целью на простые ткани наносили вышитые узоры, керамику украшали орнаментом. Металлические изделия отливали в фигурных формах, покрывали чеканкой и насечкой. Узор, украшение как бы «прикладывался» к предмету, и он становился красивее, богаче, наряднее. Он сохранил свою утилитарную (практическую) первооснову, свою полезность, но им можно было теперь и просто любоваться, показывать его как достопримечательность. И ценился такой предмет уже не только за то, что был просто полезен, но и за свой узор, за мастерство украшения, благородство материала и тонкость Позднее,в 19в., эту область художественного освоения предметного мира определили как «прикладное искусство».

Прикладное искусствослужит практическим целям и одновременно

украшает наш быт, создает определенный эмоциональный настрой.

Декоративное искусство.Получило распространение в эпоху

рабовладения. Это желание людей украшать себя ожерельями, браслетами,

кольцами, подвесками, серьгами и т.п. Позднее появились и предметы

украшения одежды, а затем и украшения жилища, например ковры, на

которых уже не сидели и не возлежали, а вешали на стену для красоты, или напольные вазы – тоже не для цветов и не для воды или вина, а для

украшения парадных зал. Здесь уже на первом месте стояла красота. Их

«польза» была только в том, что они красивы. Это искусство в 18 -19вв.

назвали декоративным (от фр. слова «декор» - «украшение»). Изделия

декоративного искусство существуют только для украшения помещения,

одежды или человека. Если предметы дизайна выпускаются миллионными

тиражами, прикладного искусства – тысячами, то декоративные изделия –

десятками, а то и единицами. В них художник проявляет, прежде всего, свой

индивидуальный вкус. Самое важное в произведениях декоративного

искусства – общая художественная выразительность, красота вещи в целом. Прикладные и декоративные виды искусства демонстрируют вкус и фантазию художника, в них отражаются материальные и духовные интересы людей, национальные черты.

Прикладное и декоративное искусство во многих случаях дополняют друг

друга. В этом случае говорят о декоративно-прикладном искусстве.

Вывод.

Декоративное искусство – это один из видов пластических искусств.

Декоративное искусство – произведение, которое наряду с архитектурой

художественно формирует окружающую человека материальную среду и

вносит в нее эстетическое, идейно-образное начало.

Виды декоративного искусства: декоративно-прикладное искусство,

дизайн, театрально-декорационное, монументально-декоративное,

оформительское.

Народное искусство.

За этими словами стоит большое и важное явление: народная поэзия и

театр, музыка и танец, архитектура и изобразительное искусство. Народное искусство – фундамент, на котором выросло здание мировой художественной культуры.

Отличительные особенности народного искусства:

1. Произведения народного искусства отличаются красотой и пользой.

2. Навыки технического мастерства и найденные образы переходят из

поколения в поколение. В силу этого закрепляемая столетиями

традиция отбирает только наилучшие творческие достижения.

3. Коллективность творчества. Все в работе продиктовано

многовековой традицией: выбор материала и приемы его обработки,

характер и содержание декоративного убранства.

Удивительная жизнерадостность народного искусства – от сознания

собственной силы, ведь за каждой вещью талант, труд и единодушие многихлюдей, в идеале целого народа. Красота – тоже от этого источника. И конечно от родной природы, у которой мастер учится.

Народное искусство может быть и источником идей и вдохновения

профессиональных художников.

 

3. Орнамент

Большое значение в народном искусстве отводится орнаменту, который

украшает предмет или является его структурным элементом.

Орнамент (от латинского «орнаментум» - «украшение») – узор,

построенный на ритмическом чередовании и сочетании геометрических или

изобразительных элементов. Основное назначение орнамента – украсить

поверхность предмета, подчеркнуть его форму.

Виды орнамента: геометрический, природный, анималистический.

 

Прикладное искусство Декоративное искусство
Предметы быта Украшения человека (ожерелья, браслеты, кольца и т.п.), украшения жилища, одежды.
Имеет чисто практическое значение.   Существует только для украшения(от фр. Слова «декор» -«украшение»).  
Выпускается тысячами Выпускается десятками, единиц Художник проявляет свой индивидуальный вкус.

 

В произведениях декоративно-прикладного искусства проявляются

материальные и духовные интересы людей, национальные черты.

 

 

poisk-ru.ru

Между прошлым и будущим. Современное ювелирное, декоративно-прикладное и православное искусство - Творческий союз художников

Посвящается 170-летию со дня рождения Карла Фаберже

 

С 14 декабря 2016 года по 22 января 2017 года во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства (ул. Делегатская, 3) проходит показ художественных изделий художников декоративно-прикладного, ювелирного и православного искусства.Выставку открыли директор Музея ДПИ Титова Е.В., директор  ТСХ ДПИ Коломийцев С.Е. Руководитель ГОХРАНА РФ Юрин А.В.эксперт Музея и ТСХ ДПИ Гилодо А.А.

Грандиозное событие в мире Российской и мировой культуры состоялось. Лучшие из лучших выставили свои коллекции 2016г. Сияющие шедевры представили художники-ювелиры: Дмитрий Саморуков, Ильгиз Фазулзянов, Людмила Копырина, Дмитрий Климов, Коломийцев Сергей, Михаил Фон Эхт, Алла Козлова, Вагайцевы А. и Н. (г.Нижний Новгород), Елена Михайлова (г.Подольск), Николай Чижов, Алексей Бородин, Милютин Михаил, Евгений Алехин (Камбоджа), Сергей Мельников, камнерезы "Каменный Цветок", Татьяна Туманова, Сергей Фалькин (г.Санкт-Петербург), Виктор Васильев (г. Нижний Тагил), Олег Сенькин (Алтай), Дмитрий Мертвецов (г.Новосибирск), Валерий Морозов, Дамир Девятов (г. Сибай-Татарстан), Либман Константин (г.Лос-Анжелес), Ирина Нигматулина, эмальеры: Донцов Алексей (г.Санкт-Петербург), ООО «Хризолит», Виктор Поляков, Лазарев Вечеслав, Удальцов Олег (все г.Ростов), Лариса Махова, Козловская Татьяна, Рожкова Марина, Джангир Татьяна,костерезы Сидоров Александр,семья Соколовых,оружейники-Жариков Валерий (г.Лондон) Борзов Александр (г. Тула) Воробьёв Василий, художники-ДПИ: Армо Балаян, Сергей Погорелый, Лев Плоткин, православные мастерские "Ковчег", Мануиловых, художники фарфора; мастерская Перовых, Наталья Кутнова. Экспонаты участвовавшие только в закрытых мероприятиях, в основном за границей, впервые будут показаны благородной публике. 2016 год - год 170-летия со дня рождения Карла Фаберже. В связи с этим центральное место в экспозиции займут произведения мастеров, продолжающих традиции ювелирного дома, основанного великим мастером. 

Посетители увидят работы выдающихся современных художников. Всего свои работы представят более семидесяти мастеров. Это грандиозное событие можно сравнить только с выставкой 2012г. в Большом Манеже  «Православная Русь — к Дню народного единства».

(Экспозиции, подготовленные в Год российской истории к 1150-летию зарождения российской государственности и 200-летию победы в Отечественной войне 1812 года, тогда посещало около 10 000 человек в день) Тогда участвовало 26 художников нашего Союза, а сейчас... и свободно до 22 января.

Выставка произведений декоративно-прикладного искусства, это особое событие, она преподносит зрителю рукотворное художественные произведения, в которых материализована творческая энергия художника. В эпоху, когда виртуальная реальность, заполняет информационное пространство, выставка становится уникальной средой непосредственного общения и сопереживания художника и зрителя. Высокое искусство перед вами.

tshdpi.ru


Смотрите также