Визитка проекта:Учебный проект "Стиль модерн". Стиль модерн в ювелирном искусстве


целая эпоха в одном в украшении — Jewellery Mag

Стилей в ювелирном искусстве, как и в моде и архитектуре, множество. Каждый из них родился в определенную эпоху и может многое рассказать о своем времени. Украшения, выполненные в том или ином стиле, имеют свои особенности и способны отразить индивидуальность своего обладателя.

Давайте рассмотрим подробнее наиболее популярные и известные стили, используемые в ювелирных украшениях, и детали, по которым можно узнать каждый из них.

Готический стиль

Серебряное колье от VaeNoxx (vaenoxx.deviantart.com)

Появившееся в Средние века готическое направление в архитектуре сразу же отразилось и на ювелирных украшениях. Изделия приобрели символизм, стали массивными, рельефными. Стала проявлять себя игра на контрастах — красные камни и черненое серебро, черные камни и золото.

Сегодня готический стиль имеет множество интерпретаций. Многие считают его сугубо молодежным, хотя это совершенно не так. Некоторые украшения действительно востребованы исключительно представителями субкультур — «вампирские» кольца, черепа с бриллиантами, кресты. Но есть и более «мягкие» направления: готический ренессанс, украшения в контрастном стиле.

Стиль барокко

Броши в стиле барокко от Pierre Bex

«Отцом» стиля барокко считается великий скульптор Микеланджело. Основные черты этого направления — обилие элементов, яркие цвета, линии, перетекающие друг в друга — нашли отражение и в украшениях.

Европа XVII–XVIII века переживала потрясения. Уставшие от напряженной ситуации граждане желали хоть как-то отвлечься. И вот ювелиры начинают изготавливать первые ажурные броши, пряжки с обилием жемчуга, который, кстати, использовали и в костюмах. В стиле барокко практически исчезли подвески, популярные ранее. На смену им пришли новые модели украшений — многоярусные браслеты, серьги «канделябры», перстни с «секретами».

Стиль рококо

Браслет из позолоченного серебра от Tom Binns

Стиль рококо господствовал во Франции в начале XVIII века. Он имеет схожие черты со стилем барокко, но украшения рококо более плавные и асимметричные. Появляются новые элементы — завитки, округлости. Само название стиля происходит от слова «rocaille» — орнамент, повторяющий завиток раковины.

К середине XVIII века стиль распространился по городам Европы. Дамам и кавалерам тех времен приглянулись утонченно-грациозные украшения, легкие, витиеватые. Ровные ленты в декоре стали закрученными, листья — тонкими и изогнутыми, лепестки в бутонах — пышными. Основной камень — бриллиант. Его не просто оправляют в металл, а крепят методом «паве» так, что создается впечатление, будто камни просто «сидят» на пальце или шее. Становятся популярными длинные серьги-подвески («бриолез»), гарнитуры из украшений в одном стиле.

Классический стиль (классицизм)

Диадема из золота с бриллиантами, жемчугом и эмалью, XVIII–XIX вв.

Стиль пришел на смену рококо. Роскошь и излишняя вычурность стала утомлять людей, они хотели более простых и понятных форм. Так, во второй половине XVIII века зародился классический стиль. Основные черты — античные орнаменты, четкость линий, геометрические узоры, полная симметрия.

Стиль просуществовал всего несколько десятилетий, но оставил видимый след в ювелирном деле. Сдержанный декор, целостность форм, простые линии — все это популярно и сегодня. Кольцо в классическом стиле было гладким либо с ненавязчивым растительным или геометричным узором, часто с одним крупным камнем. Уже к началу XIX века украшения стали утрачивать характерные классицизму черты и вновь стали более пышными и роскошными. Однако именно из украшений периода классицизма родились современные классические ювелирные изделия.

Стиль модерн или ар-нуво

Подвеска в стиле модерн от Luis Masriera

В 90-х годах 19 века стало популярным Art Nouveau (ар-нуво) — новое искусство, которое зародилось в России и Франции, а позже завоевало всю Европу. На первых порах украшения в этом стиле имели готические и японские черты или были изготовлены во флоральном ключе (использование цветочных и растительных орнаментов). Стиль быстро стал популярным из-за своей яркости, образности, обилия декора.

Модерн многие считают парадоксом ювелирного ремесла из-за смешения различных стилей: в России ар-нуво развивается вместе с национальными техниками, а французские мастера ориентируются на японские мотивы. Все это привело к тому, что украшения в стиле модерн были необычными и непривычными для тех времен. Создавались изделия в этом стиле сначала только для состоятельных людей в единичном экземпляре. Кроме растительной тематики, стали использовать изображения мифических персонажей, силуэты людей, птиц, зверей.

Стиль ар-деко

Кольцо в стиле ар-деко с бриллиантами и изумрудами. Фото: romanovrussia.com

Мастера начала XX века отходят от модерна, делая свои творения более простыми, четкими, геометричными. После Первой мировой войны людям требовался праздник, и ювелиры отразили его в своих творениях: украшения в стиле ар-деко приобрели яркость, блеск, на первое место вышел камень.

В 20-е годы стиль из Франции попал в США и многие страны Европы. Модницы полюбили новые модели украшений в стиле ар-деко: «брошь-кисть», длинные серьги, массивные браслеты, броши с замком-клипсой. Изделия имели четкие геометрические линии, крупные элементы, минимум завитков и мелкого декора, большие драгоценные или поделочные камни.

Авангардный стиль

Колье Licoroso от Sarah Angold

Во второй половине XX века появляется новый стиль — авангард. Основные характеристики украшений: гибкие конструкции, необычные сочетания материалов и смешение цветов, графизм, нестандартная огранка. Теперь популярными стали украшения самых неожиданных форм и цветов, и чем более броскими они были, тем лучше. Кожа и золото, металл и бриллианты – все это можно встретить в одном изделии в стиле авангард.

Стиль не потерял актуальности и сегодня: пользуются спросом браслеты из кожи, украшенные золотом и камнями, многоярусные ожерелья, декор из глины и эмали. Такой стиль дает полную свободу ювелиру — любые цвета, материалы, конструкции, формы он может применить в одном украшении без риска показаться немодным.

Стиль бохо

Украшения в стиле бохо. Фото: 7colorz.com

Стиль появился в 60-х годах XX века во времена хиппи с их свободным стилем жизни. Его черты: простота, натуральность материалов, многослойность, пастельные природные оттенки. В бохо-украшениях чаще используются поделочные камни, дерево и серебро. Самобытность, этничность видна в каждом изделии.

Приверженцы стиля бохо выбирают простые и доступные украшения. Существует несколько его подвидов: классический, эко-бохо, гламур, мужской. Все они востребованы и сегодня.

Стиль хай-тек

Кольца Etienne Perret из керамики с внешним слоем из золота, кобальта и хрома

Современный стиль хай-тек родился во второй половине XX века на основе глобальных изменений, произошедших с человечеством: ускорение ритма жизни, появление новых технологий. На первое место в украшениях выходит форма, а не материал изготовления и декор. Становятся популярными простые, четкие линии, никаких излишеств. Здесь сочетается несочетаемое: кожа и бриллианты, пластик и шелк, оргстекло и золото.

Несмотря на свою лаконичность, украшения в стиле хай-тек могут быть настолько оригинальными и неожиданными, что не каждый решится надеть их.

jewellerymag.ru

Визитка проекта:Учебный проект "Стиль модерн" — Iteach

Материал из ИнтеВики — обучающей площадкой для проведения тренингов программы Intel

Творческое название

Стиль модерн

История

Начиная с 1850-х годов в Англии возникает движение прерафаэлистов (Arts and Grafts) и активно творит художник Уильям Блэйк. К концу 19 века огромное количество художников горело желанием пересмотреть классические каноны искусства и создать новые направления, соответствующие невиданному размаху научно-технического прогресса в то время. Естественно, новый стиль коснулся абсолютно всех форм искусства: архитектуры, живописи, одежды. Он отразился на поведении и манерах людей.

В моде стало агрессивно-наступательное неприятие "старых" форм искусства и их носителей - художественных организаций и академиков. Новый стиль стали называть "модерн". В Мюнхене первые шаги в этом направлении осуществила группа молодых художников в 1892 г., издав Memorandum des Vereines bildender Kunstler (Secession) Munchens, воспринятую вначале прежде всего как декларацию морального возрождения. В 1898 г. было основано модернистское общество в Берлине, а в 1897 г. Густав Климт основал подобное общество в Вене и впервые соединил его назначение с понятием нового стиля. Название Jugendstil возникло в связи с названием мюнхенского литературно-художественного журнала «Jugend», вокруг которого объединялось молодое поколение. Понятие Jugendstil вначале относилось только к художественным ремеслам. Во Франции новое движение распространялось под названием Art Nouveau, которое оно получило по названию одного из магазинов художественных изделий; английский синоним этого названия — Modern Style. Ряд других названий, которые получил новый стиль — стиль Liberty, стиль Metro, или, по именам художников, стиль Орта, и, наконец, стиль Мухи— лишь подчеркивал его широкое распространение и популярность.

Характерные черты стиля модерн

Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники-ювелиры эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.

Сочетание в украшении гармонии классики и изысканности рафинированной культуры модерна, пропущенных сквозь призму современного видения, создает новый и поразительно красивый образ. Колье покоряет присущей подлинному произведению искусства удивительной магией, рожденной союзом таланта и мастерства.

Украшение, в котором ярко проявились высокая профессиональная культура и художественный вкус отпора, привлекает особой гармонией формы, изяществом рисунка и изысканностью цветовой гаммы, в которой можно уловить отдаленное эхо искусства модерна.

В этих восхитительных украшениях изысканная утонченность композиционного построения сочетается с изяществом ювелирной работы, что создает образ нежный и чувственный, рождающий лирические ощущения и романтические ассоциации.

В изысканном рисунке флорального мотива ощущается аромат модерна. Роскошь центрального элемента ожерелья в сочетании с красотой превосходного жемчуга создает впечатление поразительного великолепия.

Характерный для модерна волшебный, таинственный колорит драгоценных камней, а также поэтизация образов живой природы получили в украшении новую Яркую интерпретацию, доносящую до нас ауру «серебряного века».

Модерн в ювелирном искусстве

В ювелирных украшениях своеобразная изощренность флорального направления модерна проявлялась также в плавной текучести асимметричных форм с изысканными, закрученными очертаниями, в прихотливой изощренности композиционных построении и и почти мистическом колорите вещей, который возникал от сочетания мерцающих как старинные витражи, эмалей и зеленых, лиловых, голубых, белых, красных камней. В украшениях много жемчуга, опалов, рубинов, демантоидов, аметистов, алмазов, хризопразов, перламутра, при этом выбор камней определялся не их стоимостью, а декоративными качествами и цветом.

Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.

Рене Лалик

Лучшим среди ювелиров уже в то время был признан французский художник Рене Лалик, которого считают одним из создателей стиля модерн. Окончив Парижскую национальную школу декоративного искусства и проработав пару лет в Англии, Лалик начал свою деятельность в Париже в качестве рисовальщика. Затем он расписывал ткани, веера, обои, занимался акварелью, офортами и скульптурой, но особое удовлетворение приносила ему работа в крупнейших ювелирных мастерских Парижа, включая ювелирные дома Картье и Бушерона. В возрасте двадцати пяти лет Лалик возглавил собственную ювелирную мастерскую, где от выполнения рисунков перешел к изготовлению авторских вещей. Украшения, созданные молодым ювелиром для великой Сары Бернар, сделали его знаменитым. В них он впервые использовал мотив обнаженной женской фигуры, который затем неоднократно повторял в своих произведениях, вырезая фигурку либо лицо женщины из хризопраза или халцедона и украшая изделие витражной эмалью и драгоценными камнями.

Лалик покорил Париж небывалыми до той поры украшениями, в которых был запечатлен красочный мир природы - царство цветов и растений, насекомых и рептилий, фруктов и нимф, мир, в котором реальное смешивалось с фантастическим. Новаторским для того времени явилось использование художником, казалось бы, второстепенных для ювелирного дела материалов: рога, перламутра, стекла, слоновой кости, которые он искусно соединял с эмалью, жемчугом, драгоценными и поделочными камнями. Лалик виртуозно владел разнообразными приемами художественной обработки металлов, и в частности техниками эмали. Не случайно современники называли его «ювелиром-поэтом» и «парижским Челлини». Не меньшую славу снискал Рене Лалик как художник по стеклу, которым он увлекся в конце 1900-х годов.

Мотивы модерна в ювелирных украшениях

Характерный для модерна волшебный, таинственный колорит драгоценных камней, а также поэтизация образов живой природы получили в украшении новую Яркую интерпретацию, доносящую до нас ауру «серебряного века».

В очаровательной броши дана новая трактовка изобразительного мотива, которая, возможно, навеяна произведениями стиля модерн. Трогательный юмор и фантазия, отличающие трактовку изобразительного мотива, переданы с величайшим мастерством, благодаря блестящему искусству ювелиров и эмальеров.

И моделировке формы украшений нашла отражение трактовка изобразительного мотива, характерная для искусства 1990-х годов, отличающаяся лаконизмом и предельной стилизацией предмета изображения, но вместе с тем в ней ощутимы и отзвуки модерна.

Колье и серьги отличает тонкая прорисовка каждой детали и гармония цветовой гаммы. Высокая профессиональная культура автора и исполнителей украшений позволила им эффектно и по-новому развить художественные принципы геометрического направления позднего модерна.

Главный декоративный мотив колье, выполненного с блестящим мастерством, - подвеска с чудесным аквамарином, оформленном на редкость поэтично и образно. В декоративном решении украшения ощущается некоторое влияние позднего модерна.

Пленительная красота жемчуга и бриллиантов получила в украшениях, выполненных с удивительным чувством меры и гармонии, совершенное воплощение. В отдельных мотивах, а также в легкости и изяществе насыщенных деталями изделий можно услышать отзвук искусства рококо.

Сведения об авторе проекта

Данилова Вера Дмитриевна

Медиа:Стиль модерн.doc

wiki.iteach.ru

Арт - Нуво - стиль самой жизни. - Ювелирные статьи, способы огранки, ювелирный мир, ювелирная мода | Jevel.ru

 

Долгое время ювелирные украшения могли позволить себе приобрести только богатые и знатные слои населения, однако XIX век сделал многие драгоценные изделия более доступными и для других слоев населения. Технический прогресс позволил разработать методики, создававшие ювелирные изделия более дешевые, но при этом и менее качественные. Казалось бы, появление не дорогих украшений и дешевого, низкопробного золота в условиях дефицита драгоценностей должно было быть только на руку ювелирам, однако, как  ни странно, многие ювелирные бренды стали разоряться.

 

Оказалось, что люди не оценили возможность покупать некачественные и некрасивые украшения, пускай и дешевые. Многие не видели смысла в том, чтобы тратить деньги и не получать удовольствия от покупки. Своеобразный ювелирный кризис способствовал созданию нового течения в ювелирном мире, без шика исторических стилей, но при этом из-под рук мастеров – ювелиров выходили изящные, стильные и красивые вещицы. Новый стиль получил название Арт – Нуво, и стал вызовом устоявшимся традициям и правилам игры ювелирной моды.

 

Практически в каждой стране мира стиль Арт – Нуво родился в одно и тоже время, только названия получил разные: в Германии – «югендстиль», в Италии – «стиль Либерти», в Австрии – «стиль Сесисиона», в Испании – «модернизм», а в России – «Модерн». Этот стиль имел прямо противоположное отношение к используемому ювелирному материалу. Ранее подразумевалось, что для драгоценных изделий брали только самое лучшее: золото высшей пробы, драгоценные камни первой категории: бриллианты, изумруды, рубины и сапфиры, так же довольно часто использовали жемчуг.

Стиль Арт – Нуво полностью «взорвал» ювелирный мир: украшения перестали быть статусными, но при том получились более индивидуальными, позволяли выражать вкус и дизайнерские замыслы, стали более утонченными, чувственными. Ювелиры оценили прелести других материалов, формализм бриллиантов заменили яркие краски опалов, турмалина, халцедона, лунного камня, аквамарина, зеленых гранатов. Бриллианты стали использовать только в качестве подсвечивающего фона, как обертку для понятия красоты прочих камней.

Излюбленной техникой нового стиля стала эмаль, для которой изобретались новые возможности и возрождались старые традиции. Основой стиля Арт – Нуво стала не стоимость ювелирных украшений, а художественный вкус. Рассвет этого стиля пришелся на рассвет одновременно и в других областях искусства: литературы, живописи, театрального мастерства. В это время появились такие мастера как Васнецов, Врубель, начался «Серебряный век»  Русской литературы. Поэтому не удивительно, что в настоящее время ювелирные изделия в стиле Арт - Нуво иногда ценятся намного дороже, чем стиль Ампир.

 

Если обратить внимание на мотивы стиля Арт – Нуво, то несомненно ювелиры стали более откровенными: главным направлением стало женское тело, плавные линии которого символизировали возбуждение, желание и провокацию. Появление женского тела в ювелирном искусстве стало наиболее значимой инновацией данного стиля. До этого времени женские мотивы встречались только в камеях и инталиях. Ювелиры прошлых столетий долго держались за то, что женщина просто не захочет носить ювелирные украшения, которые бы изображали другую, чувственную, соблазнительную и желанную красавицу. Однако успех стиля Арт – Нуво полностью опроверг эти страхи.

 

Другой темой данного стиля стали флористические и животные мотивы: цветы, змеи, животные, насекомые, природа. Ранее также использовались подобные мотивы, однако в стиле Арт -  Нуво они получили новый размах: полные, свободные, детальные создания, настоящий символ жизни, сексуальности и вечности. Те же растения изображались не только в качестве распустившихся цветков, но и бутонов, зачатков, увядающих соцветий: именно это и есть жизнь, которую, наконец, признали ювелиры XIX века.

 

Самое известное имя в стиля Арт – Нуво – это имя Рене Лалик, ювелир, работы которого продавали такие известные бренды как Boucheron и Cartier. Его коллекция произвела фурор в 1895 году на выставке Французского Художественного общества, гости события были потрясены изяществом и откровенностью натуралистического стиля украшений. Плавные женские формы, нежные изгибы бабочек, гибкое изящество цветов и растений – все это как нельзя более точно отражает направление стиля Арт – Нуво.

 

В качестве итога подведем черту под основными характеристиками стиля. Идея: не стоимость украшения, а его художественная ценность. Материал: полудрагоценные камни ценятся наравне с кристаллами первой категории. Мотивы – натуралистические темы. Форма: удлиненные линии, плавные изгибы.

www.jevel.ru

Ар Нуво, стиль модерн - История искусства

Начиная с 1880 года вплоть до Первой Мировой Войны, Западная Европа и США становятся свидетелями развития стиля модерн ("Новое Искусство"). Черпая вдохновение из непослушных аспектов естественной природы, Ар Нуво оказывает влияние на искусство и архитектуру, особенно прикладное искусство, художественную графику и книжную иллюстрацию. Извилистые кривые - характерная особенность стиля - были получены, в частности, из ботанических исследований и исследований глубоководных форм жизни таких ученых, как немецкий биолог Эрнст Генрих Геккель (1834-1919), написавшего в 1899 году труд "Kunstformen der Natur" ("Художественные формы в Природе"). Другие публикации, в том числе "Флористический Орнамент" (1849) Готического Возрождения Августуса Уэлби Нортмор Паджин (1812-1852) и "Грамматика Орнамента" (1856) британского архитектора и теоретика Оуэна Джонса (1809-1874), предвосхищали Природу как основной источник вдохновения для целого поколения художников, стремящихся вырваться из оков "старых" стилей. В такой интерпретации стиль модерн с его переплетающимися ажурными линиями может быть понят как метафора свободы и освобождения.

Ар Нуво, стиль модерн, был следствием нескольких происходивших в 19-м веке культурных событий, Дизайн-реформы, как реакция на засилие классического художественного образования и развитие массового производства, стали лейтмотивом "Эстетического Движения", пропагандирующего возвращение к ручному труду и традиционным технологиям. Отсюда выработалось кредо последователей Ар Нуво: "искусство ради искусства". Это кредо послужило основой неповествовательных картин, например, "Ноктюрнов" Вислера. Стиль модерн обратился также к элементам традиционного японского искусства ("японизмы"), которые заполонили западные рынки, в основном в виде ксилографических оттисков. Японизмы оказались ценным подспорьем для европейского художника в двух аспектах: двухмерная перспектива японской графики и минималистская концепция декоративно прикладного искусства в сочетании с богатой декорацией. Действительно, спектр художественных тенденций перед началом первой Мировой Войны, в том числе в живописи и раннем дизайне, могут быть отнесены к легкой руке Ар Нуво.

Термин "модерн", впервые упомянут в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne, описывающем работы Les Vingt - двадцати художников и скульпторов, стремившихся к реформам через искусство. Les Vingt, как и большинство художественных сообществ по всей Европе и Америке, отметили ведущие теоретики 19-го, такие, как французский неоготический архитектор Эжен-эммануэль Виоллет-ле-Дюк (1814-1879) и британский арт-критик Джон Рескин (1819-1900). Они выступали за единство всех искусств, возражая против сегрегации между изобразительным искусством, живописью и скульптурой и декоративно-прикладным искусством. Под мощным влиянием социальных реалий, дизайнеры стремились достичь синтеза искусств и ремесел. Успешное объединение изобразительного и прикладного искусства было достигнуто такими известными дизайнерами, как Виктор Орта и Генри Ван де Вельде, Чарльз Ренни Макинтош и Маргарет Макдональд, Йозеф Хоффманн и Густав Климт.

Стили живописи, такие, как постимпрессионизм и символизм, имели общие тесные связи с направлениями модерна. Каждый практикующий дизайнер считал свои долгом адаптировать их для прикладного искусства, архитектуры, дизайна интерьеров, мебели и архитектуры.

В декабре 1895 года, уроженец Германии, парижский арт-дилер Зигфрид Бинг, открыл галерею под названием L'Art Nouveau. Хотя галерее приписывают популяризацию движения и связывают его с именем Бинга, стиль модерн достиг международной аудитории главным образом и посредством тиражной графики (издания "Савой", La Plume, Jugend, Dekorative Kunst, "Желтые страницы" и "The Studio"). Например "The Studio" впервые публикует линеарные символические рисунки Обри Бердслея (1872-1898), созданные как иллюстрации к произведению Оскара Уайльда "Саломея" (1894). Эти ллюстрации, выполненные с блестящим заимствованием чисто японский двухмерной пространственной композиции, могут рассматриваться как изюминка "Эстетического движения" и первого проявление вкусов Ар Нуво в Англии. Работы других влиятельных художников-графиков, включая Альфонса Муху, Жюля Чере, и Анри де Тулуз-Лотрека, чье яркое искусство плаката часто превозносит роль женщины, согласно принципу сообщества Бель-Эпок (belle époque society) - "femme nouvelle" ("новая женщина", отвергающая традиционные идеалы женственности, семьи и подчинения). Женские фигуры часто включаются в художественные композиции в качестве фей или сирен, как, например, в ювелирном искусстве Рене Лалик, Жоржа Фуке, и Филиппа Уолферса.

Стиль Ар Нуво исторически связан с Францией. Здесь его называли по-разному: "стиль Жюля верна", "Le Style Métro" (после того, как Гектор Гимара сделал из железа и стекла входы в метро), "Art belle Epoque", и "Искусство fin de siècle" (конца века). Однако Ар Нуво захватил воображение публики всего мира на экспозиции Всемирной Выставки в Париже в 1900, организуемой каждые одиннадцать лет начиная с 1798 года. Различные мануфактуры и предприятия продемонстрировали образцы инновационного направления. Впервые демонстрируются уникальные проекты, включая Porte Monumentale entrance - продуманная инженерная конструкция полихромного купола с электрической подсветкой, спроектированная Рене Бине (1866-1911). Также Pavillon Bleu - ресторан рядом с Pont d'Iena у подножия Эйфелевой Башни работы Гюстава Бови (1858-1910). Арт Нуво Бинг представил серию из шести интерьеров, вдохновленных искусством символистов. Павильон Union Centrale des Arts Décoratifs (Объединения декоративно-пригладного искусства) отражал стремления к возрождению и модернизации декоративного искусства в качестве экономического стимула и выражения национальной самобытности. Широкое заимствование декоративных элементов французского рококо в сочетании со стилизованными природными мотивами, фантазия и японское искусство, нашли художественное выражение в образцах мебели, представленных на выставке, как произведения нового вкуса и увековечивавших традиции французских мастеров. Роскошная мебель с инкрустацией позолоченными литыми вставками представлена ведущими краснодеревщиками Жорж-де-Фье (1868-1943), Луи Мажорелем (1859-1926), Эдуардом Колонна (1862-1948) и Эженом Гайар (1862-1933).

После Всемирной Выставки последовали еще две экспозиции, где были представлены работы многих корифеев Европейского модерна. Это были Международная Выставка в Глазго в 1901 году, где среди всего прочего экспонировались проекты павильонов российского инженера Федора Шехтеля (1859-1926), и экспозиция Международной Выставки декоративно-прикладного и современного искусства в Турине в 1902 году.

Подобно Франции, "новое искусство" по-разному именуется в разных странах и культурных центрах Европы. В Бельгии он назывался "Стиль Нуиль" или "Стиль куп де фйе". В Германии это был "Югендштиль" ("молодежный стиль" с легкой руки популярного журнала Die Jugend). В Испании он был "Модерниста" в честь модернистского движения в Барселоне и его главного сторонника архитектора Антонио Гауди (1852-1926). В Италии - Arte nuova, Stile floreale, или La Stile Liberty в честь лондонской фирмы Liberty & Co. Фирма поставляла восточную керамику и текстиль эстетствующей лондонской знати в 1870 году и производила в английской версии модерна серебряные изделия на основе так называемого Кельтского Возрождения "Кимрик" и "Тутрик" (серебро Арчибальда Нокса, 1864-1933). Еще один крупный центр дислоцировался в Австрии и Венгрии, где назывался Сезессионстил. В России он назывался "Стиль модерн". В США - "Стиль Тиффани" в честь легендарного "Favrile glass" художника Луиса Комфорта Тиффани.

Хотя в отношении международного размаха век Ар Нуво был недолгим, его накал был предвестником модернизма, который полностью отверг "лишние" украшательства, предпочитал функциональность изяществу, а на использования орнаментации просто наложил табу. Хотя реакция на пересмотр исторических стилей была негативна, модернизм положил конец викторианским излишествам. Вместе с тем влияние Ар Нуво распространилось на многие годы вперед, что особенно заметно в дизайне мебели Ар Деко, где совершенно гладкие поверхности обогащены шпоном экзотических пород дерева и декоративными вставками. Драматизм стиля модерн снова обрел силу в искусстве художественной графики, ставшей популярной в социальных и политических кругах 1960-х годов среди нового поколения, ставящего под сомнение традиционные вкусы и идей.

Ваза. Оливье де Сорра. Керамика. 1885.

Арт Нуво Поттер Оливье де Сорра известно тонкостенной керамикой и кристаллической глазурью. Ваза, формованная в виде стилизованных листьев, покрытая глазурью в оттенках синего неба, представляет технические достижения девятнадцатого века в керамике.

Кувшин. Едуард Колонна. Серебро и железо. 1889.

Это металлический кувшин с витиеватой серебряной ручкой. Изначально глазурирован, что заметно по остаткам синего фона внизу изделия.

Стул. Едуард Колонна. Полиссандр и дамасская обивка. 1889.

Крик. Эдвард Мунк. Литография. 1895.

Знакомство с работами Мунка немного шокирует и их непросто понять. Созданные немногим более 100 лет назад, работы Мунка представляют эмоциональный ряд, в основном негативный: страх, одиночество. Литография "Крик" олицетворяет экзистенциальный ужас, что подкрепляется подписью к работе самого художника:

"Я прогуливался с двумя друзьями. Солнце утонуло за горизонтом. Внезапно небо стало красным, как кровь. Мои друзья ушли далеко вперед, и я остался стоять на мосту один. Я почувствовал, будто вся природа была наполнена одним бесконечным визгом".

Брошь. Производитель Жорж Фуке по дизайну Альфонса Мухи. Золото, эмаль, перламутр, опал, изумруд, цветные камни, золото краска. 1900.

Брошь является отличительной чертой трехлетнего партнерства французского ювелира Жоржа Фуке и чешского художника Альфонса Мухи, чьи работы лучше всего отражают дух декоративных излишеств стиля модерн. Упор сделан на обилие драгоценных камней, но подчеркивается, что красота драгоценного камня зависит от его художественной концепции.

Декоративная панель. Гектор Гимара. Шелк и роспись по шелку. 1900.

Проекты Гектора Гимара представляют собой уникальное видение в стиле модерн, который сложился в Европе как реакция противодействия механистическому миру, порожденному промышленной революцией. Ар Нуво возвращал к естественным органическим формам, включающим чувственные кривые линии. Гимара проектирует интерьеры и декорации к ним как совокупность, в рамках которой внутреннее пространство, включая декор и мебель, соответствует внешней структуре здания.

Кулон. Рене Жюль Лалик. Золото, эмаль, опал, жемчуг, бриллианты. 1901.

Французский Ар Нуво ювелир Рене Жюль Лалик, представлял, возможно, наиболее новаторские и тонкие комбинации эмали и драгоценных камней. Кулон выполнен в форме двух павлинов, стоящих клюв к клюву на треугольном кабошоне опала. Формы павлинов формируются тонкой перегородчатой эмалью в оттенках темно-синего и белого. Перья и хвосты "закручены" ажурными линиями и стилизованы вкраплениями алмазов и синей эмали.

Мэда Примавеси. Густав Климт. Холст, масло. 1912.

Мэда Примавеси - дочь банкира и промышленника Отто Примавеси.

Чайный сервиз. Йозеф Хоффманн. Серебро, эбеновое дерево, аметисты, сердолик. 1910.

До 1900 года Йозеф Хоффманн, как и другие яркие представители модерна, экспериментировал с криволинейными органическими мотивами. Однако, начиная с 1900 года, он внезапно бросает свои эксперименты и обращается к новому революционному течению, основанному на геометрии. И этот чайный сервиз является самым выдающимся примером геометрического направления. Сервиз почти ручной работы, однако, бескомпромиссная экономия Хоффманна наделила изделие совершенно прямыми гранями, выпуклыми крышечками и квадратными ручками. Единственное украшение, за исключением врезных драгоценностей, - тонкая горизонтальная линия выпуклых точек в нижней части каждого предмета.

Тэг:

zen-designer.ru


Смотрите также