LJ Magazine. История развития ювелирного дела в россии


Ювелирное дело в России — Копилка знаний

Композиция "Вьюнок", 170 мм, алмазы, нефрит, золото, серебро. 1998 г. (АВК).

На территории России в скифских погребениях, отно­симых к началу нашей эры, встречались изумительные по исполнению ювелирные изделия мастеров греческих городов-колоний на побережье Чёрного моря. В период Киевской Руси златокузнецы при изготовлении украше­ний отдают предпочтение местному янтарю, речному жемчугу, эмалям и скани. В "Изборнике Святослава" (на­чало I в. н.э.) имеется описание известных к тому време­ни самоцветов (см. таблицу). Обработанные цветные камни начинают применяться в декоративной отделке интерьеров и церковной утвари. "Киевская летопись" отмечает, что построенная в Боголюбове каменная цер­ковь "Рождества Богородицы" (1175 г.) была украшена "...иконами многоценными, золотом и камнями драго­ценными, резными украшениями из яшмы, всякими драгоценностями". В Киеве в XI в. появились небольшие мастерские по производству бус, изделий из стекла, смальты для мозаик. После образования Русского госу­дарства для развития ювелирного дела приглашаются иноземные ювелиры, а для поиска месторождений цвет­ных камней и золота рудознатцы. Царь Иван IV Грозный (1530—1584 гг.) разрешил иностранным купцам торгов­лю драгоценными камнями на Руси. После присоедине­ния Казанского ханства к русскому государству для Ива­на Грозного была сделана "Казанская шапка". Этот царский венец, второй после "Шапки Мономаха", изготов­лен уже русскими мастерами. На фоне золотой чеканки венца красиво выделяются крупные кабошоны бирюзы, жемчуг и самоцветы. Парадная царская одежда была роскошно декорирована золотом цветными камнями и жемчугом. Даже пуговицы на ней сверкали чеканкой, сканными узорами и самоцветами. В начале XVII в. ино­странными мастерами были изготовлены государствен­ные регалии, так называемый "Большой наряд" для царя Михаила Романова (1596—1647). В него входили ски­петр, держава и венец, богато украшенные изумрудами, сапфирами, жемчугом, гранатами и др. самоцветами.

Изделия златокузнецов того времени свидетельствуют о высоком совершенстве их работ. Примером могут слу­жить панагии на трёхслойном ониксе — "Богоматерь-Оранта" и "Спас", а также оклад Евангелия (1678 г.), вы­полненный с применением сложных приёмов декори-ровки и украшенный самоцветами. У Рублёвской иконы "Троица" (1626 г.) в цатах (подвесках) огранённые сап­фиры индийской работы. В 1670 г. в подмосковном Из­майлово был построен стекольный завод для производ­ства бисера с помощью венецианских мастеров. С этого времени в России становится популярным цветной би­сер и стеклярус. Ранее под названием бисер фигуриро­вал только мелкий речной жемчуг, широко использовав­шийся для украшения боярской одежды вместе с янта­рём и аметистом. Русская торговая энциклопедия "Книжка описательная, како молодым людям торг вести и знати всему цену" (1575—1610 гг.) приводят перечень цветных камней того времени. В 1682 г. русскими масте­рами были изготовлены два царских венца — "Алмаз­ные шапки" для братьев-царей Петра и Ивана, а для бу­дущего Петра I, ещё и "Шапка Мономаха второго наря­да" со скипетром. Все царские регалии и троны хранятся ныне в Государственной Оружейной палате Московско­го Кремля.

Развитию ювелирного дела в России способ­ствовали реформы, осуществлённые в царствование Петра I (1682—1725 гг.). По его указу "О принадлежа­щих государству вещах" в сокровищнице Московского Кремля реставрируются царские венцы. В 1700 г. создан Приказ горных дел, а указом 1719 г. объявлена "горная свобода" для поиска драгоценных камней и металлов, В С.-Петербурге основан цех мастеров золотого и серебря­ного дела. В 1737 г. с помощью западных специалистов закончено строительство Петергофской шлифовальной мельницы, где вскоре освоили огранку самоцветов. К тому времени, на Урале были известны самоцветные копи Мурзинки и рудники с малахитом, в Карелии — мраморы, в Сибири — яшмы, горный хрусталь, сердоли­ки и агаты. В 1751 г., на Урале уже без помощи западных специалистов построена Екатеринбургская камнерезная фабрика, а в 1787 г. на Алтае — Колыванская фабрика. По результатам работ, созданной в 1765 г. "Экспедиции по розыску мрамора и специальных каменьев", были от­крыты новые месторождения золота и цветных камней. Царствование Екатерины II (1762—1796 гг.) называют веком моды на бриллианты и цветные камни. Тогда же, становится популярным горный хрусталь с включения­ми рутила в виде "стрел амура". "Большая император­ская корона" Екатерины II была украшена ярко-красной шпинелью массой 398,7 кар., 4936 бриллиантами и 75 крупными жемчужинами. В XVI и начале XVII столетия излюбленным цветным камнем русских ювелиров был бледно-голубой сапфир, сочетавшийся иногда с изумру­дами и рубинами. С середины XVII в. становятся модными рубины, с середины XVIII в. — нефрит и яшма. Яш­мой в 1786 г. были отделаны стены "Агатовых комнат" в Царском Селе. Её использовали также в отделке Таври­ческого дворца в С.-Петербурге. В конце XVIII в., наряду с увлечением малахитом, появляется мода на изумруд.

В конце XVII — начале XVIII в. изделия украшались боль­шим количеством алмазов с простой греческой огран­кой, которая к середине столетия сменится бриллианто­вой. Интерес к минералогии и цветным камням вызвал в 1807 г. публикацию В.М. Севергиным "Подробного словаря минералогического" и книги И.Н. Щеглова "О драгоценных камнях и способах распознавания оных" (1824 г.), где было описано 80 разновидностей цветных камней. В 1817 г. в С.-Петербурге создаётся Императорс­кое Минералогическое общество. В 1819—1855 гг. на Урале были открыты платина, алмазы, изумруды, хри­зобериллы, топазы, демантоиды. На Екатеринбургской, Колыванской и Петергофской фабриках изготовлено более 300 ваз, канделябров и даже колонн из цветного камня для убранства дворцов и храмов. Вершиной этого монументального творчества является гигантская "Ца­рица ваз" из ревнёвской яшмы высотой 2,6 м, с размером овальной чаши 5x3,5 м и массой около 10 т. Она была сделана на Алтае за 12 лет мастерами Колыванской шли­фовальной фабрики. Со второй половины XVIII в. и в течение всего XIX века в украшениях преобладают брил­лианты и крупный жемчуг. В это время ювелирные из­делия были довольно просты по оформлению с неслож­ным орнаментом в стиле классицизма. У женщин в моду входят античные камеи, броши, диадемы, колье, ожере­лья и серьги с крупными грушевидными бриллиантами и жемчугом, банты и букеты цветов из драгоценных камней. У мужчин в моде были золотые табакерки, часы с цепочками и брелоками, пряжки для башмаков, булав­ки для галстуков и пуговицы отделанные цветными камнями и эмалью. С середины XIX в. начинается рас­цвет моды на опалы в украшениях.

С развитием роман­тического стиля получают большее распространение и полудрагоценные камни — аквамарин, топаз, самоцветы группы кварца, кораллы и гранаты. На Тульском за­воде осваивается производство стальных украшений. Достигают своего апогея уникальные работы российс­ких камнерезов. На выставку в Лондон в 1851 г. фабрика Демидовых представила "Малахитовый кабинет". Он состоял из 86 предметов облицованных малахитом; в т.ч. двери размером 4,4x2 м, 5 столов, 2 кресла, 6 стульев, часы и другие вещи.

После отмены крепостного права в 1861 г. и падением жизненного уровня дворян в качестве недорогих украшений становятся популярными изде­лия из бисера.К концу XIX в. растет интерес к цветному камню, по­ощряются поиски и разработка его месторождений. Как следствие этого Н.И. Кокшаровым завершается публи­кация 11 томов "Материалов для минералогии России" (1853—1891 гг.). Книга М.И. Пыляева "Драгоценные камни" издаётся трижды в 1877—1897 гг. В С.-Петербур­ге в конце XIX начале XX в. завершается оформление ка­менного убранства храма "Воскресения Христова", ко­торый приобрёл значение музея каменной мозаики. В ювелирных изделиях используются изумруды, александ­риты, аметисты и др. цветные камни из российских месторождений. Этой моде следовали мастера фирмы Карла Фаберже, имевшего кроме Петербурга свои отде­ления в Москве, Одессе, Киеве и Лондоне. В историю ювелирного искусства К. Фаберже вошел букетами из самоцветов в вазочках из горного хрусталя и подароч­ными пасхальными яйцами из цветных камней. Пас­хальные яйца К. Фаберже поставлял по заказам царского двора с 1884 г. до 1917 гг.

Наряду с этим, фирмой выпус­кались традиционные украшения, а также изделия ути­литарного назначения из цветных камней — тюбики для помады, флаконы для духов, ручки для зонтов и тро­стей, портсигары, рамки для фотографий. При этом ма­стерами использовалась широкая цветовая гамма золо­та за счёт применения сплавов с различными металла­ми и эмалей по гильошированой поверхности изделий. В 1900 г. на выставку в Париж Россия представила моза­ичную "Карту Франции" из уральских цветных камней размером 1 м2. В России в период первой мировой вой­ны оформилось патриотическое направление камнерез­ной пластики. Его основателями были мастера фирмы К. Фаберже и талантливый художник и камнерез А.К. Денисов-Уральский. Он представил в 1916 г. на выставке в Петрограде серию резных аллегорических фигур из цветного камня, посвященных воюющим державам. В числе работ, имеющих значение для геммологии, была монография А.Е. Ферсмана "Алмаз" (1911), написанная совместно с В.М. Гольдшмидтом. Она была посвящена кристаллографическому описанию 289 алмазов Брази­лии, Южной Африки, Австралии. Эта фундаменталь­ным работа, с оригинальными рисунками А.Е. Ферсмана и его материалами по изучению уникальных алмазов "Орлов" и "Шах", была издана в СССР в 1955 г. в серии "Классики науки". Таким образом, к началу XX в. геммо­логия в России по уровню своих достижений не отстава­ла от цивилизованных стран.

www.minsoc.ru Буканов В.В. Цветные камни: Энциклопедия

По этой теме читайте на сайте :

kopilca.ru

СЕГОДНЯ - ТОЛЬКО О ЮВЕЛИРНОМ. ЮВЕЛИРНОЕ ДЕЛО В РОССИИ.

Международный день ювелира отмечается сегодня во всем мире, и рассказываю я об этой профессии регулярно. А сейчас коротко об истории ювелирного дела в России – о самых ярких моментах его становления и развития.

Известно, что во времена Московского государства самыми востребованными ювелирами считались византийские мастера: в XV и XVI веках русские цари приглашали их для украшения Кремля.

Однако история русского ювелирного дела гораздо древнее и глубже: историки говорят, что она началась в Киевской Руси, а во времена Владимиро-Суздальского княжества, в X-XII веках, дело росло и развивалось. На самом деле удивительно талантливые ювелиры жили на территории Руси ещё тогда, когда славянские племена были разрознены, и мало кто знает, что раньше этим занимались женщины. Чаще всего они делали обереги и украшения, и не только для того, чтобы их носить, но и чтобы украшать ими своё жилище.

Женщины-ювелиры применяли метод литья по восковой модели: плели из провощенных верёвочек то, что им хотелось, покрывали изделия глиной, сушили и обжигали в печи, а потом заливали полученную формочку, из которой выгорал воск, расплавленным серебром или бронзой – золото использовалось редко.

После принятия христианства стало больше мужчин-ювелиров, а на изделиях появились гравировка и чеканка – тогда их стали называть золотых и серебряных дел мастерами. В ХІІ-ХІІІ веках искусство древнерусских ювелиров расцвело: применялось много разных техник – филигрань, зернь, а также эмали – некоторые виды эмалей того времени считаются сегодня уникальными и стоят очень дорого.

Развитие и стили мастерства

Время шло, и центрами ювелирного искусства попеременно становились разные регионы и города России.

Костромские ювелиры начинали с малого, но в XVI веке об их работах уже знали в других городах. Село Красное, расположенное в том же районе, на Волге, получило известность в середине XIX века: изделия тамошних ювелиров знала вся страна - серебряные подстаканники и солонки, цепи и браслеты, медальоны, недорогие броши и др.

Сегодня Кострома и Красное село известны, как центры ювелирного дела, но в своё время их мастера учились у ювелиров Нижнего Новгорода. В этом городе, основанном в XIII веке, работало много чеканщиков и резчиков: в XVI-XVII веках они изготавливали изделия для церкви - обычно при монастырях. Постепенно ювелирное дело там развилось настолько, что появилось много мастеров с узкой специализацией, и им всем хватало работы: они работали с чернью, эмалью, сканью (то же, что филигрань), литьём, резали и чеканили, украшали изделия из тонкого листового металла способом ручного тиснения. Именно в Нижнем Новгороде начали делать серебряные и золотые ковши и чарки – сегодня эти изделия считаются гордостью многих российских музеев.

Ювелиры Пскова также много работали в монастырях: самыми известными их работами считаются церковные дискосы – специальные плоские блюда для богослужений, на которые священники клали просфору, и ещё много другой церковной утвари.

В XVIII веке стал известен Великий Устюг: особенно славились тамошние эмали, а также финифть и чернь. Первое – это роспись разноцветными красками по белой эмали – после обжига эти краски сплавлялись, придавая изделию удивительную выразительность и красоту; второе – вплавление серебряных украшений в эмаль, при этом серебро покрывалось гравировкой и чернью – выгравированные узоры заполняли особой чёрной краской, а потом прокаливали на огне.

В Вологде славились чеканщики: обычно они работали, изготавливая церковную утварь, в том числе и богатые оклады для икон. С XVII века центром ювелирного дела России стал Ярославль: мастера известны своей чеканкой и резкой по серебру. Кроме церковных предметов, сохранилось и множество обычных бытовых вещей – роскошные подносы и соусники, блюда, сахарницы, кофейники и чайники, и т.д.

Петербург – столица ювелирной моды

О Петербурге надо писать отдельно: разумеется, Пётр I не мог не использовать опыт европейских ювелиров – их приглашали из Западной Европы, и ещё в Петербург перевели мастеров Москвы и других крупных городов России.

Иностранцы работали в своих мастерских, и с ними было множество русских – ученики в том числе, и постепенно стали появляться богатейшие и невиданные вещи: высокохудожественные сервизы из сотен предметов, предметы интерьера, письменные принадлежности, различные туалетные приборы и приспособления.

Технологии развивались и менялись: появлялось что-то новое, а что-то выходило из моды. Чернение стало не таким популярным, зато эмаль переживала бурный расцвет: способом эмалирования делались шкатулки, табакерки, браслеты, броши, кольца, другие предметы и украшения. Тогда же из золота и серебра стали делать орденские знаки, и украшать их эмалью, изумрудами и бриллиантами.

При Екатерине II ювелирными изделиями украшали одежду и обувь, а её Большая корона была сделана из серебра и отделана жемчугом и бриллиантами. Впрочем, уже корона Анны Иоанновны была искусно украшена петербургскими ювелирами: крупных камней в ней около 20, а бриллиантов более 2,5 тысяч.

Фаберже – совершенство ювелирного искусства

В XIX веке ювелирное искусство России достигло наивысшего расцвета. Описать все стили, приёмы, и даже коротко упомянуть известных мастеров здесь невозможно, но есть имя, которое нельзя не назвать, говоря о ювелирах – это Петер Карл Фаберже. Родился он в России – его отец тоже был ювелиром, и имел французские корни, хотя считался прибалтийским немцем, - и в 1872 году возглавил семейную фирму, основанную отцом в Петербурге. Имя Фаберже чаще всего ассоциируется у нас с уникальными ювелирными пасхальными яйцами – первое из них появилось в 1885 году, и после этого императорская семья каждый год получала новое яйцо в подарок. До этого Карл Фаберже уже получил звание ювелира Его Императорского Величества и Императорского Эрмитажа. Украшенные пасхальные яйца русские ювелиры делали и раньше, но только Фаберже и его ученики сумели сделать их непревзойдёнными произведениями искусства – каждое из них было уникально, и даже сам Фаберже не всегда знал, каким получится следующий шедевр, однако членам императорской семьи подарки нравились всегда.

Современность – в будущее с надеждой

О современном российском ювелирном деле специалисты говорят, что оно переживает депрессию: законы не на стороне ювелиров, и многие мастера просто уезжают за границу – там работается лучше. К тому же импортные изделия, по качеству уступающие российским, в последние десятилетия наводнили рынок – говорят, что в других странах администрирование ювелирной отрасли более мудрое и правильное, поэтому и бизнес развивается легче.

Остаётся пожелать нашим ювелирам терпения и любви к своему делу, здоровья и долголетия – оно им понадобится точно, чтобы дождаться позитивных изменений и реформ.

А мы не устаем восхищаться их волшебным талантом, и желаем, чтобы их работа всегда приносила им огромную радость и великое счастье.

m-musy23.livejournal.com

Этапы развития ювелирного дела - Этапы развития ювелирного дела - Из истории ювелирного дела - Каталог статей

 

Своими корнями ювелирное дело уходит в глубь веков. Как заметил историк ювелирного дела Р. Фон Нойман «развитие и использование ювелирных изделий за последние несколько десятилетий подтверждает старую истину, которой уже много тысяч лет, о том, что человек нуждается в персональном украшении. После изобретения средств защиты, создания орудий добычи и производства пищи, древнейший человек направлял свои способности на создание предметов украшений».

В эволюции персональных украшений можно выделить несколько этапов. Первый из них относится к периоду, когда в качестве украшений древний человек использовал подручные материалы в виде отполированных природой камней, ракушек, зерен плодов, зубов и костей животных, а также перьев птиц и т.п. Этот период продолжался примерно до VIII - III тысячелетия до н.э., когда от простого собирательства человек перешел к производящему ведению хозяйства, созданию первых ремесел. В тот период камни, на которые человек обратил внимание благодаря их красоте, редкости и износостойкости, стали не просто собирать с поверхности земли, а приступили к их целенаправленной добыче. Тогда же началась и первая примитивная обработка некоторых минералов.

Второй этап связан с открытием золота. Замечательные свойства и легкость его обработки наряду с длительной сохранностью первоначального вида изготовленного из золота изделия обусловили широкое применение металла для создания ювелирных украшений. Некоторые исследователи полагают, что в качестве элементов украшения одежды, деталей ювелирных изделий и декоративной отделки оружия золото использовалось еще 8 тыс. лет назад. Тогда же стали использовать в качестве элементов украшений некоторые камни, хотя их обработки в нашем сегодняшнем понимании в тот период еще не было, да и сам камень больше служил предметом религиозного преклонения, чем украшением. Возможно, именно тогда и появились первые золотых дел мастера.

Историки ювелирного искусства не без оснований считают, что для создания украшений серебро применялось еще за 1000 лет до того, как в этих целях стали использовать золото, но именно золото дало толчок развитию ювелирного дела. Второй этап по времени частично совпал с первым, но выделен в самостоятельный в связи с началом использования золота в предметах и деталях украшений. Он продолжался практически до раннего средневековья.

Третий этап следует отнести к средним векам, когда стали активно развиваться многочисленные ремесла, торговля, наука и искусство. Успехи горного дела, химии, физики, металлургии, открытие новых способов обработки металлов и минералов не могли не сказаться на развитии ювелирного дела. До наших дней сохранились отдельные уникальные изделия, созданные в те далекие времена и давшие начало новым направлениям в ювелирном искусстве.

Направление или стиль в ювелирном искусстве, как и стиль в искусстве в целом, - это общность образной системы, средств художественной выразительности, творческих приемов, обусловленных единством идейно-художественного содержания. В нем находят отражение главные особенности эпохи и общества, в том числе характер национальных традиций, достижения в экономическом, научном и техническом развитии стран.

Считается, что основы декоративного искусства в части личных украшений сформировались в античные времена в древней Греции. В последующем направления менялись таким образом, чтобы лучше отразить эпоху с точки зрения развития экономики, науки и ремесел, а также подчеркнуть положение отдельных слоев общества.

Лучшие образцы римского ювелирного искусства представляли собой копии с греческих подлинников. Это способствовало не только усвоению римлянами греческой культуры, но и появлению новых традиций и обычаев, оказавших заметное влияние на их образ жизни, особенно правящей верхушки. Одним из таких обычаев стала нарочитая демонстрация ювелирных украшений, которые делались громоздкими и тяжеловесными. Подобное «бахвальство роскошью» началось с возвращением в Рим армии после завоевания Греции и Малой Азии. Легионеры обогатились большим количеством драгоценностей и без стыда выставляли напоказ награбленную добычу. От мужчин не отставали и женщины. Чтобы умерить их пыл в 214 г. до н.э. был принят закон, запрещающий женщинам носить ювелирные украшения весом более половины унции (около 13 грамм). Однако вскоре этот запрет был забыт - женщины не позволили ограничить себя в использовании украшений.

Вместе с легионерами из Греции в Рим прибыли золотых и серебряных дел мастера, резчики и гравировщики, которые стали изготавливать украшения для римской знати. И если греческие украшения славились натуралистическими декоративными мотивами, заимствованными из природы, то римские отличались округлыми, гладкими формами с выявлением фактуры золота и использованием различных камней, особенно красных и зеленых. Камни становились неотъемлемой принадлежностью украшений.

Уже в тот период среди ювелиров существовало деление на специальности. Каждое сложное изделие делали несколько мастеров во главе с самым опытным, или же каждый из ювелиров специализировался на каком-то одном виде изделий. Среди украшений самыми часто носимыми были кольца и браслеты. Постепенно популярность завоевывали серьги, подвески, кулоны, ожерелья и цепи, в том числе и для украшения бедер. Волосы украшали тонкими золотыми проволочками или тонкими сетками и лентами из золотых нитей.

Входили в моду ювелирные изделия с красивыми камнями, которые называли драгоценными. Римский император Аврелий первым украсил ими свою золотую корону, жена Калигулы на торжественные приемы надевала драгоценностей на сумму около 40 млн. сестерций.

Огромное значение для развития мирового ювелирного искусства имели работы мастеров Древнего Египта, Индии и Китая. Однако направления ювелирного искусства тех стран заметно отличались от европейских, которые нам ближе.

В Средневековье главенствующее положение среди других драгоценных камней завоевал алмаз, и все больше средств уходило на его приобретение. Деньги стали уплывать из Европы, что не могло не вызвать озабоченность монархов, стремящихся к усилению экономической мощи своих стран. Еще в 1283 г. в Англии, а позднее во Франции и Испании были изданы законы, разрешавшие носить алмазы только высшей знати и особам благородного происхождения. Эти законы ограничивали ввоз в страну драгоценных камней. Еще более строгий закон, запрещающий носить алмазы и иные драгоценные камни даже благородным рыцарям, был издан королем Англии Эдуардом III в 1363 г. В Испании, где инквизиция не церемонилась с ослушниками, подобный закон разрешал ношение драгоценных камней только членам королевской семьи. Однако подобное положение просуществовало недолго, ибо вечное стремление человека окружать себя красивыми вещами победило все запрещающие законы. Вместе с тем, такого рода законы положили начало созданию уникальных фамильных украшений, в которых использовались камни новой доселе невиданной огранки. Был дан толчок к поиску новых видов обработки камней и, в первую очередь, алмазов, основные характеристики которых были уже хорошо известны.

Европейские мастера быстро поняли, что круглая форма алмаза более привлекательна своей особой красотой, и научились сначала сглаживать острые углы кристаллов, а затем и придавать все большую округлость всему камню. Но времени на это уходило очень много, сама работа была крайне трудоемкой, а наказание за испорченные алмазы даже по тем временам было весьма строгим.

Каждый этап развития той или иной страны оставляет отпечаток на направлении или стиле ювелирного творчества. Были периоды, которые сейчас мы назвали бы периодами застоя, когда ювелирные изделия делались по принципу абсолютного единообразия. Мало кто из ювелиров того времени осмеливался вносить что-то новое, боясь нарушить установленные каноны.

Так, в странах Западной Европы в XIV-XVI вв., называемых эпохой Возрождения (Ренессанса), в ювелирном деле преобладало направление, отражающее власть, богатство и происхождение, а также положение в обществе. Размеры и количество носимых ювелирных украшений были призваны подчеркнуть ранг и благосостояние их владельцев. На более высоком уровне тогда были возрождены забытые приемы античного ювелирного искусства.

С конца XVI и до середины XVIII в. доминировал стиль Барокко. В ювелирном деле он проявлялся в создании причудливых и порой странных украшений, обычно сложных криволинейных форм, символизирующих стремление к величию и помпезности.

В первой половине XVIII в. в европейском декоративном искусстве возобладал стиль Рококо. Носимые ювелирные украшения того времени отличались грациозностью и изысканностью, но в то же время и подчеркнутой асимметричностью и орнаментальностью.

В начале XIX в., примерно в течение трех десятилетий, в декоративном искусстве Франции и некоторых других стран Европы главенствовал стиль Ампир. В ювелирном искусстве он не нашел заметного отражения, за исключением создания богато украшенных эмблем, регалий и знаков отличия, в том числе и орденских.

Наибольший вклад в развитие ювелирного искусства внесла эпоха Классицизма (XVIII-XIX вв.). При создании украшений стали придерживаться строгой элегантности, соответствия изделий костюму и образу жизни. Отношение к ювелирным украшениям заметно изменилось в конце XVIII- начале XIX вв. Мужчины полностью уступили первенство женщинам, оставив для себя перстень, булавку для галстука и цепочку для часов. Женщины стали витриной благосостояния семьи. Получив свободу, они старались перещеголять друг друга в богатстве и помпезности украшений. Украшения стали носить в комплекте или в парюре. Парюра могла включать несколько изделий, например, кольцо, серьги, брошь, браслет, ожерелье, кулон, шпильки для волос и т.д. Во всех изделиях парюры старались придерживаться единого дизайна, хотя это условие не считалось обязательным, но везде присутствовали камни, цвет которых подбирался к туалету или характеру владелицы. Для парадных и вечерних украшений главным камнем стал бриллиант. Многие, созданные в то время образцы ювелирных украшений, стали называть классическими, хотя к ним можно также отнести изделия античных времен.

В конце XVII в. уже умели гранить алмазы на пятьдесят восемь граней. За необычное мерцание при свете свечей ограненный таким образом алмаз стали называть бриллиантом. Как только алмаз заиграл, в Европе резко возрос спрос на бриллианты. На время вышли из моды другие ювелирные камни, а также широко распространенная тогда эмаль. Дворянство стало соревноваться друг с другом в размерах и количестве имеющихся у них бриллиантов.

В разных странах высшая власть по-разному относилась к моде на бриллианты. В Англии во времена правления Кромвеля, являвшегося лордом-генералом, ношение бриллиантов стало считаться дурным тоном, а фактически бриллианты находились под запретом. Постепенно многие камни, принадлежавшие английской знати, перекочевали в карманы самого Кромвеля или в его казначейство.

Во Франции дело обстояло иначе. «Король-Солнце» Людовик XIV, большой любитель драгоценных камней, сам ввел моду на ювелирные украшения с бриллиантами. По его же инициативе появились украшения с алмазами и бриллиантами в виде цветов, листочков и целых букетов. Именно тогда был придуман для дам глубокий вырез на платье, названный декольте, с тем, чтобы лучше были видны их ожерелья и подвески. Дабы подчеркнуть блеск бриллиантов, в Версале стали устраивать балы при свечах, на которые придворные надевали все имеющиеся у них драгоценности. Но всем им было далеко до самого короля, у которого только на камзоле вместо пуговиц сверкал ровно 171 бриллиант, не считая камней на других аксессуарах одежды.

После смерти Людовика XIV мода на бриллианты во Франции приняла характер эпидемии. Украшенные огромными алмазами щеголяли не только королева Мария-Терезия и мадам Помпадур, но и все, кто разбогател на бесконечных войнах. Правда, действовал негласный закон, разрешающий их ношение только лицам благородного происхождения, но в те времена титулы и родословная легко приобретались за деньги. Те же, кому не хватало средств на настоящие бриллианты, охотно пользовались подделками. В историю вошел французский ювелир Жорж Фредерик Страз, который изобрел способ производства ювелирных камней из свинцового стекла, получивших название «бриллиантов Страза». Они быстро вошли в моду, и их носила даже королева. Сейчас эти и другие имитаторы камней называют просто стразами.

Во второй четверти XIX в. помпезность в ношении ювелирных украшений уступила место элегантности, что не могло не сказаться на развитии ювелирного дела. Больше внимания стали уделять цветным камням, особенно изумрудам, рубинам, сапфирам, хотя главным по-прежнему оставался бриллиант, ради которого ювелиры придумывали все новые и новые рисунки для традиционных видов украшений.

Стиль Модерн (ХIХ-начало XX вв.) - характерен не только использованием нового дизайна, но и новых материалов и технологий. Изделия того периода, которые надолго приобрели популярность, стали классическими.

Современный этап в развитии ювелирного дела охватывает период с конца XIX в. до настоящего времени. Он отмечен бурным ростом науки, техники и технологий, открытием новых материалов и сплавов, изобретением способов искусственного выращивания кристаллов, являющихся аналогами природных ювелирных камней. Были также выращены кристаллы, которых не существуют в природе, но которые с успехом могут имитировать природные камни. Компьютерный дизайн, открывающий новые возможности для разработки украшений в сочетании с новыми технологиями, снижающими себестоимость производства, позволили формировать моду на ювелирные украшения для различных групп покупателей. Ломаются старые традиции, а новшества вводятся так быстро, что часто проявляется стремление к созданию «новшества ради новшества». Многие нововведения этого периода прижились, другие не выдержали испытание временем, но общий принцип создания ювелирного изделия - поражать и радовать глаз новизной, необычным рисунком и красотой остается на все времена.

Из современных стилей можно отметить «Ар Деко» (начало XX в.), отличающийся сочетанием геометрических форм в изделии. Основоположником этого стиля считается Луи Картье.

Ювелирные изделия различного назначения из символов власти, богатства или особого положения превратились в большей степени в символ любви и внимания, предметы, подчеркивающие индивидуальность и художественный вкус владельцев. Кроме того, ювелирные изделия, особенно эксклюзивные, стали играть заметную роль в качестве средства накопления и защиты от инфляции.

Следует отметить, что ювелирное искусство не ограничивалось созданием только носимых или личных украшений. Древние военные доспехи и оружие, украшенное золотом и драгоценными камнями, государственные регалии, такие как, например, российские «Большой наряд» (венец, скипетр и держава) и «Большая императорская корона», троны правителя Индии Великого Могола, макет дворца китайского императора длиной 5 м и шириной 3,6 м, выполненный из золота, столешницы, вазы, чаши и многое другое по праву относятся к лучшим образцам ювелирного творчества.

В XVII-XVIII вв. в различных странах стали формироваться школы ювелирного искусства. С одной стороны - это было собрание единомышленников и последователей своего учителя, продолжающих и развивающих созданное им направление. Таковой, например, была Петербургская школа Фаберже. С другой стороны - это некое учебное заведение, которое готовит специалистов различного профиля в данной предметной области на основе сложившихся годами традиций и современных достижений в различных областях науки и техники, смежных с ювелирным делом.

Хорошо известны европейские школы ювелирного искусства, некоторые из которых, созданные еще в XVIII в., существуют по настоящее время. Например, в Германии наряду с большим количеством частных курсов ювелиров-дизайнеров имеется около 20 государственных школ и высших учебных заведений, специализирующихся на обучении дизайну и производству ювелирных украшений. Много подобных школ и в Италии, но в отличие от немецких, их основное внимание сосредоточено исключительно на дизайне. Все учебные заведения, как правило, расположены в центрах ювелирной промышленности.

Среди азиатских стран в этом плане заметно выделяется Индия, где центрами ювелирного производства являются целые города. В Индии всегда существовало свое направление в развитии ювелирного искусства, отражающее национальные традиции и особенности, и свои школы, в которых учат не только дизайну, но и работе с инструментом и использованию современных технологий.

 

mirkamney.moy.su


Смотрите также