Копилка знаний. История ювелирное дело


Ювелирное дело в России — Копилка знаний

Композиция "Вьюнок", 170 мм, алмазы, нефрит, золото, серебро. 1998 г. (АВК).

На территории России в скифских погребениях, отно­симых к началу нашей эры, встречались изумительные по исполнению ювелирные изделия мастеров греческих городов-колоний на побережье Чёрного моря. В период Киевской Руси златокузнецы при изготовлении украше­ний отдают предпочтение местному янтарю, речному жемчугу, эмалям и скани. В "Изборнике Святослава" (на­чало I в. н.э.) имеется описание известных к тому време­ни самоцветов (см. таблицу). Обработанные цветные камни начинают применяться в декоративной отделке интерьеров и церковной утвари. "Киевская летопись" отмечает, что построенная в Боголюбове каменная цер­ковь "Рождества Богородицы" (1175 г.) была украшена "...иконами многоценными, золотом и камнями драго­ценными, резными украшениями из яшмы, всякими драгоценностями". В Киеве в XI в. появились небольшие мастерские по производству бус, изделий из стекла, смальты для мозаик. После образования Русского госу­дарства для развития ювелирного дела приглашаются иноземные ювелиры, а для поиска месторождений цвет­ных камней и золота рудознатцы. Царь Иван IV Грозный (1530—1584 гг.) разрешил иностранным купцам торгов­лю драгоценными камнями на Руси. После присоедине­ния Казанского ханства к русскому государству для Ива­на Грозного была сделана "Казанская шапка". Этот царский венец, второй после "Шапки Мономаха", изготов­лен уже русскими мастерами. На фоне золотой чеканки венца красиво выделяются крупные кабошоны бирюзы, жемчуг и самоцветы. Парадная царская одежда была роскошно декорирована золотом цветными камнями и жемчугом. Даже пуговицы на ней сверкали чеканкой, сканными узорами и самоцветами. В начале XVII в. ино­странными мастерами были изготовлены государствен­ные регалии, так называемый "Большой наряд" для царя Михаила Романова (1596—1647). В него входили ски­петр, держава и венец, богато украшенные изумрудами, сапфирами, жемчугом, гранатами и др. самоцветами.

Изделия златокузнецов того времени свидетельствуют о высоком совершенстве их работ. Примером могут слу­жить панагии на трёхслойном ониксе — "Богоматерь-Оранта" и "Спас", а также оклад Евангелия (1678 г.), вы­полненный с применением сложных приёмов декори-ровки и украшенный самоцветами. У Рублёвской иконы "Троица" (1626 г.) в цатах (подвесках) огранённые сап­фиры индийской работы. В 1670 г. в подмосковном Из­майлово был построен стекольный завод для производ­ства бисера с помощью венецианских мастеров. С этого времени в России становится популярным цветной би­сер и стеклярус. Ранее под названием бисер фигуриро­вал только мелкий речной жемчуг, широко использовав­шийся для украшения боярской одежды вместе с янта­рём и аметистом. Русская торговая энциклопедия "Книжка описательная, како молодым людям торг вести и знати всему цену" (1575—1610 гг.) приводят перечень цветных камней того времени. В 1682 г. русскими масте­рами были изготовлены два царских венца — "Алмаз­ные шапки" для братьев-царей Петра и Ивана, а для бу­дущего Петра I, ещё и "Шапка Мономаха второго наря­да" со скипетром. Все царские регалии и троны хранятся ныне в Государственной Оружейной палате Московско­го Кремля.

Развитию ювелирного дела в России способ­ствовали реформы, осуществлённые в царствование Петра I (1682—1725 гг.). По его указу "О принадлежа­щих государству вещах" в сокровищнице Московского Кремля реставрируются царские венцы. В 1700 г. создан Приказ горных дел, а указом 1719 г. объявлена "горная свобода" для поиска драгоценных камней и металлов, В С.-Петербурге основан цех мастеров золотого и серебря­ного дела. В 1737 г. с помощью западных специалистов закончено строительство Петергофской шлифовальной мельницы, где вскоре освоили огранку самоцветов. К тому времени, на Урале были известны самоцветные копи Мурзинки и рудники с малахитом, в Карелии — мраморы, в Сибири — яшмы, горный хрусталь, сердоли­ки и агаты. В 1751 г., на Урале уже без помощи западных специалистов построена Екатеринбургская камнерезная фабрика, а в 1787 г. на Алтае — Колыванская фабрика. По результатам работ, созданной в 1765 г. "Экспедиции по розыску мрамора и специальных каменьев", были от­крыты новые месторождения золота и цветных камней. Царствование Екатерины II (1762—1796 гг.) называют веком моды на бриллианты и цветные камни. Тогда же, становится популярным горный хрусталь с включения­ми рутила в виде "стрел амура". "Большая император­ская корона" Екатерины II была украшена ярко-красной шпинелью массой 398,7 кар., 4936 бриллиантами и 75 крупными жемчужинами. В XVI и начале XVII столетия излюбленным цветным камнем русских ювелиров был бледно-голубой сапфир, сочетавшийся иногда с изумру­дами и рубинами. С середины XVII в. становятся модными рубины, с середины XVIII в. — нефрит и яшма. Яш­мой в 1786 г. были отделаны стены "Агатовых комнат" в Царском Селе. Её использовали также в отделке Таври­ческого дворца в С.-Петербурге. В конце XVIII в., наряду с увлечением малахитом, появляется мода на изумруд.

В конце XVII — начале XVIII в. изделия украшались боль­шим количеством алмазов с простой греческой огран­кой, которая к середине столетия сменится бриллианто­вой. Интерес к минералогии и цветным камням вызвал в 1807 г. публикацию В.М. Севергиным "Подробного словаря минералогического" и книги И.Н. Щеглова "О драгоценных камнях и способах распознавания оных" (1824 г.), где было описано 80 разновидностей цветных камней. В 1817 г. в С.-Петербурге создаётся Императорс­кое Минералогическое общество. В 1819—1855 гг. на Урале были открыты платина, алмазы, изумруды, хри­зобериллы, топазы, демантоиды. На Екатеринбургской, Колыванской и Петергофской фабриках изготовлено более 300 ваз, канделябров и даже колонн из цветного камня для убранства дворцов и храмов. Вершиной этого монументального творчества является гигантская "Ца­рица ваз" из ревнёвской яшмы высотой 2,6 м, с размером овальной чаши 5x3,5 м и массой около 10 т. Она была сделана на Алтае за 12 лет мастерами Колыванской шли­фовальной фабрики. Со второй половины XVIII в. и в течение всего XIX века в украшениях преобладают брил­лианты и крупный жемчуг. В это время ювелирные из­делия были довольно просты по оформлению с неслож­ным орнаментом в стиле классицизма. У женщин в моду входят античные камеи, броши, диадемы, колье, ожере­лья и серьги с крупными грушевидными бриллиантами и жемчугом, банты и букеты цветов из драгоценных камней. У мужчин в моде были золотые табакерки, часы с цепочками и брелоками, пряжки для башмаков, булав­ки для галстуков и пуговицы отделанные цветными камнями и эмалью. С середины XIX в. начинается рас­цвет моды на опалы в украшениях.

С развитием роман­тического стиля получают большее распространение и полудрагоценные камни — аквамарин, топаз, самоцветы группы кварца, кораллы и гранаты. На Тульском за­воде осваивается производство стальных украшений. Достигают своего апогея уникальные работы российс­ких камнерезов. На выставку в Лондон в 1851 г. фабрика Демидовых представила "Малахитовый кабинет". Он состоял из 86 предметов облицованных малахитом; в т.ч. двери размером 4,4x2 м, 5 столов, 2 кресла, 6 стульев, часы и другие вещи.

После отмены крепостного права в 1861 г. и падением жизненного уровня дворян в качестве недорогих украшений становятся популярными изде­лия из бисера.К концу XIX в. растет интерес к цветному камню, по­ощряются поиски и разработка его месторождений. Как следствие этого Н.И. Кокшаровым завершается публи­кация 11 томов "Материалов для минералогии России" (1853—1891 гг.). Книга М.И. Пыляева "Драгоценные камни" издаётся трижды в 1877—1897 гг. В С.-Петербур­ге в конце XIX начале XX в. завершается оформление ка­менного убранства храма "Воскресения Христова", ко­торый приобрёл значение музея каменной мозаики. В ювелирных изделиях используются изумруды, александ­риты, аметисты и др. цветные камни из российских месторождений. Этой моде следовали мастера фирмы Карла Фаберже, имевшего кроме Петербурга свои отде­ления в Москве, Одессе, Киеве и Лондоне. В историю ювелирного искусства К. Фаберже вошел букетами из самоцветов в вазочках из горного хрусталя и подароч­ными пасхальными яйцами из цветных камней. Пас­хальные яйца К. Фаберже поставлял по заказам царского двора с 1884 г. до 1917 гг.

Наряду с этим, фирмой выпус­кались традиционные украшения, а также изделия ути­литарного назначения из цветных камней — тюбики для помады, флаконы для духов, ручки для зонтов и тро­стей, портсигары, рамки для фотографий. При этом ма­стерами использовалась широкая цветовая гамма золо­та за счёт применения сплавов с различными металла­ми и эмалей по гильошированой поверхности изделий. В 1900 г. на выставку в Париж Россия представила моза­ичную "Карту Франции" из уральских цветных камней размером 1 м2. В России в период первой мировой вой­ны оформилось патриотическое направление камнерез­ной пластики. Его основателями были мастера фирмы К. Фаберже и талантливый художник и камнерез А.К. Денисов-Уральский. Он представил в 1916 г. на выставке в Петрограде серию резных аллегорических фигур из цветного камня, посвященных воюющим державам. В числе работ, имеющих значение для геммологии, была монография А.Е. Ферсмана "Алмаз" (1911), написанная совместно с В.М. Гольдшмидтом. Она была посвящена кристаллографическому описанию 289 алмазов Брази­лии, Южной Африки, Австралии. Эта фундаменталь­ным работа, с оригинальными рисунками А.Е. Ферсмана и его материалами по изучению уникальных алмазов "Орлов" и "Шах", была издана в СССР в 1955 г. в серии "Классики науки". Таким образом, к началу XX в. геммо­логия в России по уровню своих достижений не отстава­ла от цивилизованных стран.

www.minsoc.ru Буканов В.В. Цветные камни: Энциклопедия

По этой теме читайте на сайте :

kopilca.ru

ВСЕ О ДРАГОЦЕННЫХ КАМНЯХ И МИНЕРАЛАХ: ИСТОРИЯ ЮВЕЛИРНОГО ДЕЛА

История украшений берет начало в истоках человеческой истории. Сначала самоцветы носили в том виде, в каком их находили в природе. Потом стали обрабатывать их для усиления блеска, красоты, вырезать на камне различные рисунки, тексты. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, и не только с точки зрения присущего ей стиля, но и в том, что касалось выбора материала, способа обработки, дизайна. В древности главным образом Египет, Греция, Рим, позднее Византия существенным образом определяли эволюцию украшений. Сохранившиеся до наших дней ювелирные изделия дают представление о традициях, вкусах и мастерстве ювелиров прошлого. В прошлом отделка ювелирных камней была крайне грубой, и той отделки и огранки камней, которая появилась в средневековье, раньше не было. Резьба по камню (глиптика) уже в VI в. до н. э. достигла своего расцвета в Греции; в Риме глиптика тоже была популярна (хотя берет свое начало еще в государствах Междуречья). В Европе глиптика появилась только в начале XIV в. Высочайшего совершенства достигло мастерство изготовления гемм — инталий (углубленное резное изображение) и камей (выступающее резное изображение). На них вырезались грациозные фигурки, женские головки, целые сцены, прославлявшие властителей древнего мира.

«Живопись в камне» — так метко назвал один из археологов XIX в. рельефные многоцветные камеи, вырезавшиеся из сверхтвердых минералов. С давних пор вплоть до восточных походов Александра Македонского (вторая половина IV в. до н.э.) мастера предпочитали углубленную резьбу печатей, дававших на оттиске в глине и воске миниатюрные рельефы. Самые ранние камеи вырезались на одноцветном минерале: гранате,гиацинте, аметисте, но скоро резчики обратились к многослойнымминералам, позволявшим использовать более широкую гамму тонов и их переходов, учитывая тончайшие особенности камня. Первые камеи из многослойногоагата, по-видимому, начали вырезать в Александрии, при дворе Птолемеев (конец IV—III вв. до н. э.). Многие из них были очень крупными и не могли использоваться ни в качестве печати, ни в виде амулета. Это были редкие заказные работы, служившие царскими дарами в храмы или дополнявшие пышный головной убор владык. Агат твердостью превосходит сталь, поэтому резчик должен был использовать еще более твердые материалы в качестве абразива. Размельченныйкорунд или алмаз при быстром вращении врезался в поверхность камня, и таким образом вырезалось изображение. Труд резчика был настоящим подвигом. Крупные камни — это подлинные картины из агата, они требовали многолетней работы. Древние мастера чаще всего обращались или к арабскому сардониксу с его гаммой холодных серо-голубых тонов, или к сардониксу индийскому, в котором преобладали теплые коричнево-красные оттенки. Из арабского сардоникса была создана всемирно известная «Камея Гонзага», индийский был использован создателем камеи с головой Зевса для княгини Голицыной. В этих шедеврах, составляющих гордость коллекции Эрмитажа, безымянные александрийские резчики III в. до н.э. использовали все средства искусства, соединявшего в одно целое пластику и живопись, рельеф и цвет. Меняя полировку поверхности камня, они умели придать, например, шлему холодный блеск металла, а лицу — тепло живой плоти. Меняя толщину верхнего светлого слоя минерала, мастер, словно живописец, прибегающий к технике «лессировок», заставлял просвечивать сквозь него нижний, темный слой. Так создавалось впечатление игры света и тени, обогащалась цветовая гамма изначально двух- или трехслойного агата — сардоникса.

До нас не дошли имена александрийских резчиков, создавших крупные династические камеи эпохи ранних Птолемеев (III—II вв. до н. э.), но для эпохи позднего эллинизма (I в. до н. э.) мы имеем подписанные работы. Кроме александрийской школы, в это время процветают мастерские Малой Азии и Северного Причерноморья.

Античные камеи хранились в специальных галереях при святилищах, в самих храмах как ценнейшие дары божеству, в императорском Риме — во дворцах цезарей, в особняках и на виллах знати. Они были труднодоступны. Древние поэты с удивлением сообщают о людях, совершавших долгое морское путешествие, чтобы увидеть тот или иной шедевр. Вполне понятно их желание приобрести копию этого шедевра. Поэтому иногда одна и та же композиция доходит до нас в нескольких вариантах. Есть случаи, когда мы обладаем воспроизведением одной и той же картины одновременно на геммах, рельефах из мрамора и терракоты, в светильниках, на монетах и декоративных фресках.

Многоцветные камеи в ящичках дактилиотек античных коллекционеров, видимо, составляли своего рода портативные галереи миниатюрных репродукций живописи. Огромная твердость материала, из которого исполнялись камеи, превосходящего по своей твердости сталь, казалось, должна была навсегда предохранить их от разрушения. Однако произведения глиптики иногда вторично поступали на обработку резчиком. Особенно участились переработки древних камей с победой христианской идеологии, когда старому языческому содержанию стремились придать христианский смысл. Именно с такими переделками и переосмыслением связана вторая жизнь античных камней в средние века. Особенно усиленно стали перерабатывать древние камеи в XVI-XVIII вв., в эпоху расцвета глиптики нового времени. Иногда это была ретушь поверхности, частично разрушенной временем, иногда мастер отваживался вырезать на обороте собственноручное изображение, иногда добавлялись надписи. Порой же речь шла о полной радикальной переработке.

Основное ядро коллекции Эрмитажа было составлено во второй половине XVIII в. Камеи составляли предмет особых забот Екатерины II, свою страсть к их собиранию она шутливо называла «камейной болезнью», а свою большую коллекцию — бездной. К концу XVIII в. ее коллекция глиптики насчитывала 10 тысяч экземпляров. История Эрмитажного собрания может быть воссоздана с большой полнотой благодаря счетам, а также письмам и дневникам императрицы и ее ближайшего окружения. Самое значительное приобретение было сделано в 1787 г. Это собрание герцога Луи-Филиппа Орлеанского — одна из самых известных коллекций Европы. В 1795 г. Екатерина II с законной гордостью писала: «Все собрания Европы по сравнению с нашим представляют собой лишь детские затеи». Внук Екатерины II, Александр I, не только унаследовал любимую коллекцию бабки, но и приумножил ее. В России становится традицией для пополнения дактилиотеки Эрмитажа дарить или завещать в дар древние геммы, эти редкие создания античного искусства. После 1917 г. в результате национализации собраний петербургской знати в Эрмитаж попали камеи из бывших коллекций Строгановых, Юсуповых, Шуваловых, Нелидовых... Многие из камей, составивших эту уникальную коллекцию, по праву принадлежат к числу прекраснейших произведений искусства, когда-либо вышедших из рук человека.

Средневековье переняло это наследие античности, однако скоро вышло на свой собственный путь и стало использовать резные камни как в светской жизни, так и для украшения церковной утвари, церковных книг и облачений священнослужителей. Их носили высокородные женщины в виде застежек на одеяниях или в виде медальонов. Руку средневекового аристократа часто украшал перстень с печаткой с вырезанным в камне изображением. В эпоху Возрождения глиптика пережила новый расцвет, и многие известные мастера той поры создали в этой технике произведения искусства высочайшего уровня.

В венском Музее искусств можно увидеть брелоки, сделанные из эмалированного золота с вделанными рубинами ибриллиантами, в центре которых располагается агатовая головка. Это мавританские камеи, которые пользовались большим успехом в конце XVI в. В них видна естественная бороздчатость камня, изображение экзотической природы и, конечно же, изящная эмалировка в мавританском стиле. Коллекция античных и средневековых камей есть и в Парижской национальной библиотеке. В то время как искусство резания камней еще в античности достигло своего апогея, гранение развивалось медленнее и в античную эпоху намного отставало от глиптики. Наиболее простой и употреблявшейся еще в древние времена формой обработки камня является огранка кабошоном. В раннем и зрелом средневековье кабоширование было единственным способом обработки драгоценных камней. Сегодня же подобным образом отделываются, как правило, непрозрачные или полупрозрачные декоративные камни. В XIV и XV вв. распространяется шлифование таблицей, в XV и XVI вв. появляется фасетирование. То, что мелко растолченный алмаз является непревзойденным средством огранки — это первым открыл гранильщик Карла Смелого Бургундского Луи де Беркен из Брюгге, чем и обусловил взлет гранильного дела. Он наиболее полно выявил одно из важнейших свойств алмаза: способность преломлять свет, которой в такой мере не обладает ни один другой камень. После этого огранка начала свое подобное шествие и появилось множество ее видов. В XVII в. алмаз сделался основным украшением. Гранение алмазов привело к тому, что в XVIII в. искусные ювелиры вправляли в броши, султаны, кольца и др. украшения мерцающие бриллианты в виде цветов, ветвей и бантов. В Европе стали изготовлять целые гарнитуры драгоценностей, которые состояли из ожерелья, серег, броши, браслетов, а иногда и диадемы. Уже в древности существовалаимитация драгоценных камней. Редкие и драгоценные камни заменялись похожими, но более доступными и дешевыми суррогатами. Еще древние египетские мастера умели делать имитацию камней — цветные непрозрачные стекла, смальту. С помощью изготовления определенной оправы можно было преподнести и «обыграть» дефектный камень так, чтобы он казался безупречным по чистоте и дорогим экземпляром. С помощью отражающей свет фольги увеличивали сияние бесцветных и прозрачных алмазов. Ренессансный художник и златокузнец Бенвенуто Челлини прославился умением изготовлять превосходную фольгу, которая заметно увеличивала сверкание драгоценного камня. В других случаях посредством склеивания двух камней достигали обманчивого единства и видимости высокого качества. С помощью обжига цвет многих камней можно было изменить. Например, матово-голубой сапфир после обжига становился водянисто-светлым и служил для имитации алмаза. Во все времена стекло применялось в качестве дешевого заменителя благородных камней. Сорта стекла, которые отличаются повышенным оптическим преломлением и в огранке дают богатую цветовую игру, могут, во-первых — окрашенные окислами металлов — использоваться для имитации цветных драгоценных камней, во-вторых — в бесцветном состоянии — служить заменителями алмазов в дешевых украшениях. Основой современной имитации благородных камней посредством стекла служат стразы, бесцветная стеклянная масса из окиси железа, глинозема, извести и окиси натрия, сплав которой впервые в 1758 г. получил венский златокузнец Иосиф Штрассер. Это был особый сорт стекла, который в обработанном виде выглядит как бриллиант. Оно под названием «страз» проникло на мировой рынок. Псевдобриллианты по внешнему виду приближаются к подлинным, но специалисты достаточно легко различают их по твердости, не говоря уж о методах инструментальной диагностики. При долгом ношении этих украшений на них появляются следы износа и блеск их со временем слабеет.

Надо сказать, что огромное значение для драгоценного камня имеет и подходящая оправа. Как в древности, так и в настоящее время для оправы обработанных камней используют прежде всего благородные металлы и лишь изредка — неблагородные, которым посредством соответствующей обработки поверхности придавали должный вид (например, позолоченная медь). В принципе можно различить два вида оправы: ранняя, гнездовая оправа, известная еще в древности; и более поздняя, известная с конца X в., - ажурная, сквозная, которая не имеет донца и оставляет камень открытым с обеих сторон. Все минувшие столетия не смогли изменить основные виды оправы драгоценных камней, и до сих пор мы имеем дело все с теми же разновидностями первоначальных форм.

Центральное место в ювелирном деле средневековья занимают фибулы, которые с бронзового века использовались почти всеми европейскими народами. В ходе столетий они претерпели изменения от простой крепежной булавки для скрепления одеяний до роскошно отделанной вещицы.

В XIII в. появляются изящные аграфы — это застежка на шейном вырезе женского одеяния. Часто они были покрыты любовными надписями и девизами. Изготовлены из золота, серебра, драгоценных камней.

Запонки для вельмож, которые великолепно изготавливались в Трансильвании, оттуда распространялись по всей Европе. Самым распространенным церковным украшением была скрепа завесы клироса.

К XVII веку фибулы, аграфы и пр. появились в виде брошей в модных украшениях того времени. В XVIII веке броши, усыпанные бриллиантами, стали последним криком моды. Предпочитались броши в форме лент, букетиков цветов. К концу XVIII в. появляются броши с миниатюрными портретами в золотой оправе с жемчужной каймой в форме круга или овала. Позже в брошах стали носить локоны друзей, портреты и т. д. Надо отметить еще одну немаловажную деталь туалета жителя средневековой Европы — это шляпные пряжки, пряжки на обуви и пряжки для штанов, часто драгоценные, со вставными бриллиантами. Были распространены и подвески. Древние европейские подвески (раннее средневековье) были круглыми и плоскими, украшенными эмалью, цветными драгоценными камнями илижемчугом и выражали прежде всего религиозные чувства носивших их людей. Лишь с XV в. подвески начинают встречаться чаще. Они отделаны слоновой костью и перламутром, на которых часто вырезали рельефные изображения Мадонны с младенцем или фигуру небесного покровителя. В эпоху Ренессанса подвески оставили далеко позади все родственные украшения. Ренессансные подвески украшались эмблемами, фигурами и сценами из религиозной жизни, сценами из истории античности. Часто встречаются подвески в виде зверей, сказочных персонажей. Среди прочего использовали необычной формы жемчужины и камни в виде частей тела человека или животного. В XVII в. исключительное пристрастие к подвескам было надолго оставлено, стали носить подвески в форме креста. Их лицевая сторона украшалась бриллиантами, оборотная, как правило, расписывалась эмалью. Надо сказать, что Италия, особенно Флоренция и Милан, были в период Ренессанса общепризнанными центрами ювелирного искусства. В частности, в XV—XVI вв. Милан был центром резьбы по хрусталю. Очень модным было делать голову животного из хрусталя (например, соболя), оправлять в эмалированноезолото (вделанные рубины служили глазами) и прикреплять ее к дорогостоящему меху. Такое одеяние носили на плечах. Вообще, XVI в. надо отметить особо. В это время было изобретено много новых ювелирных украшений. Например, на шее средневекового горожанина можно было увидеть брелок религиозного назначения. Это мог быть шарик из агата, оправленный в эмалированное золото, с вделанными рубинами и жемчугом. При раскрытии шарика появлялось изображение религиозного сюжета. Такие шарики делали также из древесины, самшита (в Англии, Голландии, Франции). Большие брелоки религиозного назначения с драгоценными камнями, часто с окошками для показа реликвий, пользовались немалым успехом в Испании в первой половине XVII в. Брелоки в форме животных в XVI в. особенно были популярны в Испании. Такое животное, как правило, «восседало на подушке». Чаще всего это был орел. Или на брелоке могло быть изображение святого Якова, который особо почитался в Испании. Большим успехом пользовались брелоки в форме кораблей, выполненные в технике филигранной эмали, отделанные чаще жемчугом. Особенно были распространены с XVI по XVIII в. в Италии, в районе Эгейского моря и в Центральном Европе (Венгрия). В XVI в. в Европе можно было увидеть среди украшений и брелоки-талисманы, например, в форме руки, сделанные из слоновой кости, оправленной в эмалированное золото, с вделанными жемчугом и бирюзой. Пальцы показывали кукиш. Еще с времен Римской империи этот жест у народов Средиземноморья означал «спугнуть дурной глаз». У испанского короля Филиппа II были такие брелоки из коралла. В Испании их чаще всего делали из слоновой кости и агата.

В Италии в это же время любили носить брелоки из декоративных камней с изображением обнаженного женского бюста.

Коллекционеры в XVI в. ценили не только ювелирные украшения, но и посуду из полудрагоценных камней вроде горного хрусталя, агата или лазурита. Богатая коллекция сосудов из лазурита, начиная с 1560 г., принадлежала представителям флорентийской династии Медичи, которые приглашали к себе во Флоренцию мастеров для своих гранильных мастерских. В южной Германии в XVI в. также было несколько знаменитых ювелирных центров: Нюрнберг и Аугсбург, где работали выдающиеся ювелиры того времени, как, например, Венцель Ямницер. Большой популярностью у горожан в то время пользовалась столовая посуда: кубки из позолоченного серебра с вделанными драгоценными камнями (гранатами, изумрудами, сапфирами, рубинами). Их часто изготовляли по заказу для свадебных подарков. Пивные кружки из позолоченного серебра, украшенные кораллами, рубинами, изумрудами, жемчугом, бриллиантами, и другая посуда, обычно очень массивная, что было присуще нюрнбергским ювелирам в период Ренессанса. В XVI в. модным было делать кубки в форме кокоса и других экзотических фруктов. Однако ничто не могло соперничать с женскими украшениями, мода на которые постоянно менялась. Так, в XVII в. начали встречаться жемчужные браслеты, носившиеся, как правило, попарно. Издревле большое значение среди предметов украшений имели серьги. Они носились не только женщинами, но и мужчинами, в частности воинами. С XVII в. серьги стали исключительно женским украшением. Сначала это были большие грушеобразные жемчужины, затем стали популярны нарядные серьги, которые с передней стороны отделывались драгоценными камнями, а с оборотной — эмалью. Стали встречаться слоновая кость, черепаха и декоративные породы дерева. Еще с XI в. до н. э. появилось упоминание о ношении колец (в индийском эпосе). Вначале, как уже упоминалось, кольцо было признаком власти, а не украшением. Это — перстни-печатки, кольца как знаки достоинства, и позже — кольцо как украшение, кольцо-талисман, кольцо-амулет. Кольца носили и служители церкви (поверх епископской перчатки на четвертом пальце правой руки). В XIV в. обыкновенно использовалась простая гладкая гнездовая оправа для камней, обработанных кабошоном, в то время как поздняя готика предпочитала кольца богатой выделки, украшенные эмалью и камнями. В XVII в. предпочитали в центральной части кольца большие граненые камни. Особенно большим вниманием в Европе в это время (в XVII—XVIII вв.) стал пользоваться красный карнеол и «моховой» агат, черно-белый и коричнево-белый оникс и многоцветные агаты. Резной камень до самого конца XIX в. оставался популярным украшением кольца, наряду с непрозрачными многоцветными камнями, которые часто использовались для изготовления камней. Своеобразное возрождение пережили также горный хрусталь, дымчатый топаз, аметист и розовый кварц, в которых часто вырезались инталии. Самым дорогим и самым красивым камнем для кольца на исходе XIX в. был «солитер» - большой бриллиант в платиновой основе. Кстати сказать, очень любопытно выглядели обручальные кольца в Европе в XVII в., например в Германии. Два кольца соединены вместе, сделаны из эмалированного золота со вставными бриллиантами и рубинами. Два обода при необходимости разнимаются. Вполне могла быть надпись на латинском, которая состояла из слов венчания — «что Бог сочетал, того человек да не разлучит». Такая двойная конструкция встречается, начиная с XIV в., а символ пожатых рук происходит от древних римских обручальных колец. Нельзя не сказать об украшениях для волос, которые достигли своего апогея в XVIII в. В основном это диадемы, султаны, обильно украшенные жемчугом, драгоценными камнями, кораллами. В XIX в. и до начала XX в. были моднычерепаховые гребни с высокой насадкой, украшенной драгоценными камнями, часто отделанные перламутром и жемчугом. К началу XVIII в. модным стало бриллиантовое колье, в среднюю часть которого вставляли смарагд или рубин. В виде медальонов стали носить геммы или камеи на черной бархатной ленточке. Драгоценными камнямиукрашались и предметы обихода — флакончики для духов, футляры для иголок, молитвенные принадлежности и пр. Даже часы на шее в виде подвесок на декоративной цепочке, и те были буквально усыпаны драгоценными камнями. Кстати, во Франции, например, в XVI в., флакончики для духов, пряностей, ароматических смол делали из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами. Если вернуться к временам античности, то тогда ароматные эссенции готовились строго на заказ, были невероятно дороги и хранились в амфорах из агата, порфира, алебастра. Флаконы, похожие на сегодняшние, как, собственно, и парфюмерная промышленность, — изобретение XVII в. Пузырьки из стекла цвета янтаря и кобальта украшались жемчугом и гирляндами листьев. Вскоре пришла мода на перламутровые инкрустации, эмаль, затем на матовое богемское стекло с золотой филигранью, наконец, на тонкий парижский фарфор.

Надо отметить, что в середине XVIII в. в моду вошел восточный лак. Была изобретена техника пике, имитирующая лак. На самом деле работы выполнялись с черным перламутром пике, который имитировал лакировку.

В это время предметы домашнего обихода украшали с помощью этого технического приема, например, табакерки. Много было табакерок и из черепахового панциря, оправленного в золото.

В XVIII в. появилась техника настилания узорчатых плиток (пластинок) из полудрагоценного камня на предметы домашнего обихода. Например, на табакерках могли быть пластинки из красного железняка и круги из агата, вмонтированные взолото.

В первой половине XIX в. новые материалы, способы обработки, новые техники украшений и т. д. обогатили ювелирное дело. С конца XIX века искусство украшений приходит в упадок как с точки зрения ремесленного мастерства, так и во всех иных аспектах, и вместо тщательно и индивидуально изготовленных украшений появляются модные изделия серийного производства. Именно повышенный спрос на ювелирные изделия в первую очередь дал толчок в XX в. к развитию технологий массового выпуска ювелирной продукции. Развитие штамповки значительно снизило долю ручного труда в ювелирном производстве, а совершенство точного литья свело ручной труд к минимуму. Однако ручной труд не утратил своего значения окончательно, и лучшие образцы его по-прежнему ценятся очень высоко. В настоящее время помимо подражания лучшим образцам средневековья и другим произведениям ювелирного искусства прошлого наблюдается внедрение очень интересного современного ювелирного дизайна.

Нельзя не сказать несколько слов о ювелирном искусстве на Руси. Оно известно с первых веков христианства. Считается, что в это время Византия оказала большое влияние на русское ювелирное искусство, на искусство обработки благородных металлов. Это влияние прослеживается с XI—XII вв. и до XVI в. Особенно оно заметно в орнаментальных мотивах, присутствующих в ювелирных работах русских мастеров. На церковных украшениях этого периода можно было обнаружить византийские камеи. С XIV в. началась полоса расцвета ювелирного искусства в Великом Новгороде, Тотьме, Великом Устюге и других городах. С XVI в. появились сугубо русские, традиционные мотивы в произведениях русских ювелирных мастеров. К концу XVI в. в Москве, кроме русских и греков, стало появляться много других иностранных мастеров-ювелиров. Однако о целой отрасли, связанной с обработкой драгоценных камней (как и о горном деле), можно говоришь лишь с приходом на царство Петра I. По его указу в Петергофе была построена первая гранильная фабрика (в 1725 г.). Для обучения российских мастеров приглашались мастера из-за границы. При Петре I началось оформление ремесленников в цеховые организации. Появились ремесленные центры и при Московской патриархии, монастырях. До 1700 г. ювелирные произведения не клеймили нигде, кроме Москвы, тогда как в Византии клейма применялись с IV в. (из Византии этот обычай распространился по всей Европе). Широко начали применять клеймение драгоценных изделий в России в XVIII в. При Екатерине II ювелирное дело продвинулось вперед, ею было выстроено еще несколько шлифовальных фабрик. В XIX в. ремесленные цехи потеряли свое значение: их места заняли фабрики, торговые дома, артели. При фабриках стали появляться школы, где обучали ювелирному мастерству. На ювелирных изделиях стояли клейма с номером артели или торгового дома, иногда мог быть и именник мастера (но в основном имена российских мастеров можно было обнаружить в так называемых переписных книгах). Лучшие образцы российского ювелирного мастерства имеются в богатых собраниях Эрмитажа, Оружейной палаты.

До 1917 года несметные ювелирные сокровища хранились также в монастырях, церквях: на иконах, облачениях священнослужителей, церковной утвари и т. д.

Со второй половины XIX — начала XX в. крупные московские и петербургские ювелирные фирмы постепенно завоевывали русский рынок, вытесняя продукцию иностранных мастеров. Они были оснащены новым механическим оборудованием, имели возможность нанимать мастеров-виртуозов и пользоваться услугами лучших художников. Ведущую роль в русском и европейском ювелирном искусстве конца XIX — начала XX в. играла фирма Фаберже, имевшая отделения в нескольких городах России и за рубежом. И до сих пор остается только поражаться совершенству исполнения и удивительной фантазии ее мастеров. Карл Фаберже имел звание придворного ювелира русского императорского двора (в 1885 г.) и придворного ювелира Швеции и Норвегии (с 1897 г.). Он начал управление фирмой в 1870 г., его услуги очень ценили при дворе. Фирма производила реставрацию древних произведений, хранившихся в императорском Эрмитаже, и ювелирных изделий из галереи драгоценностей в Зимнем дворце. Изделия фирмы Фаберже были элегантны, имели высочайшую технику исполнения и рассчитаны были на близкое рассматривание. Это был неоклассический стиль, который выгодно отличался от произведений других ведущих ювелирных фирм того времени (П.Сазикова, П.Овчинникова, И.Хлебникова, братьев Грачевых), которые часто подражали кремлевским мастерам XVII в., демонстрировавшим показную роскошь, чьи ювелирные произведения были усыпаны крупными камнями и бриллиантами.

С конца XIX в. фирма начинает выпускать необычайные декоративные предметы — пасхальные яйца с сюрпризами. К началу XX столетия в мастерских Фаберже работало уже около 500 специалистов самых различных национальностей (М.Перхин, Г.Вигстрем и др.). Работам фирмы Фаберже было присуще удивительное понимание камня, использование цвета и игры драгоценных камней, широкое использование их в произведениях ювелирного искусства, что характерно как для европейских, так и для древнерусских златокузнецов. Фирма изготовляла предметы различного назначения: серебряные и золотые столовые сервизы, канделябры, подсвечники, письменные приборы из серебра и бронзы, где удачно сочетался металл с камнем:малахит с бронзой, лазурит с золотом, родонит с серебром. Очень популярна была скульптура малых форм, а также табакерки, ароматические коробочки, пудреницы, колокольчики, бинокли, лорнеты, оправы для вееров, записных книжек, броши, кулоны, булавки, серьги, драгоценные рамки для фотографий и прочее. С начала XX в. Фаберже стали называть северным Челлини (именем виртуозного итальянского мастера эпохи Возрождения), а его работы сравнивать с лучшими ювелирными изделиями средневековья. В собрании Оружейной палаты хранится около 300 изделий работы мастеров фирмы Фаберже. Самую интересную часть коллекции составляют пасхальные сюрпризы, созданные для подарков членам императорской семьи, и резные фигурки из камня. Иногда небольшие украшения из золота, серебра, драгоценных камней, выполненные в форме яйца, модные дамы носили в виде ожерелий или на цепочках. В коллекции Оружейной палаты хранятся 10 пасхальных сюрпризов, изготовленных по заказам императорской семьи. Самым ранним является яйцо 1891 г. Оно выполнено из гладко отполированного темно-зеленого с красными вкраплениями гелиотропа с накладными завитками, усыпанными бриллиантами. Сюрприз заключается в том, что, когда яйцо открывается, выдвигается нежно-голубая аквамариновая пластинка, имитирующая воду, с миниатюрным золотым кораблем — точной моделью крейсера «Память Азова». Выполнил эту работу Михаил Перхин — один из талантливейших мастеров фирмы. Поражают часы, сделанные в виде яйца. Золото, оникс, бриллианты, эмаль по гильошированному (резному) фону (Перхин, 1899 г.). Часовые механизмы для изделий фирмы Фаберже, как правило, выполняли лучшие швейцарские мастера: Павел Буре и Генри Мозер. После смерти талантливого ювелира М.Перхина (1903 г.) во главе мастерской стал ювелир Генрик Вигстрем (Финляндия), который руководил работой многих мастеров, поэтому его клеймом помечены разные изделия той поры. Изделия эти отличаются легкостью и элегантностью, свойственной европейским стилям конца XVIII — начала XIX в. Особенная заслуга Карла Фаберже состоит в том, что он впервые широко использовал в своих изделиях удивительной красоты самоцветы Сибири, Урала, Кавказа. Большой знаток минералов и признанный авторитет в этой области, К. Фаберже был оценщиком драгоценных камней при императорском дворе. Коллекция минералов самого К. Фаберже имела большую известность, часть ее и сегодня хранится в Минералогическом музее имени А.Е. Ферсмана в Москве.Горный хрусталь и халцедон, сердолик и разнообразные агаты, аквамарин и опал, всевозможные яшмы, обсидиан, нефрит, родонит и другие камни подбирались мастерами с большим вкусом. Кроме того, они умели изменять естественный цвет минерала и получать нужные им оттенки и тона. Фирма приобрела собственную камнерезную мастерскую в Петербурге. Созданные здесь миниатюрные фигурки зверей, искусно резанные и тщательно отшлифованные, чаще всего передавали в мастерскую Г.Вигстрема, где их оправляли золотом и украшали драгоценными камнями. Как правило, глаза животных делались из осколков бриллиантов или рубинов, что придавало им особую живость. Помимо резных фигурок камнерезы выполняли всевозможные коробочки, портсигары, рамки, календари, шахматы, подставки для часов, рукояти для сабель и кинжалов, преимущественно декорированные в восточной манере, многочисленные ручки для зонтиков и тростей. Большое место среди изделий фирмы занимают резные фигурки людей из камня. Чаще всего это народные типы, сделанные в стиле фарфоровой скульптуры, выпускавшейся заводом Гарднера (XIX в.). Для передачи лиц, костюмов, атрибутов использовались камни различных пород и оттенков.

Еще одной стороной деятельности фирмы Фаберже, принесшей ей мировую известность, было изготовление цветов из драгоценных камней и благородных металлов в миниатюрных вазочках. Гранильщики искусно обрабатывали куски горного хрусталя, создавая впечатление, что вазы наполнены настоящей водой. Выполняя цветы из золота, драгоценных и полудрагоценных камней, мастера достигали максимального приближения к природе, но главным для них все-таки оставался декоративный эффект. Чаще всего на цветах, фигурках зверушек и скульптурах мы не встречаем клейма с указанием имени мастера, но близкое знакомство с произведениями фирмы позволяет специалистам отличать их от изделий других мастеров и от подделок.

Со второй половины XIX — начала XX в. возникло художественное течение, в котором прослеживается обращение к формам и элементам декора различных стилистических направлений более ранних эпох. Оно получило название «историзм» и было типично и для произведений, создаваемых фирмой Фаберже. Ювелиры, работавшие в московском отделении фирмы, чаще, чем петербургские, обращались к произведениям древнерусского прикладного искусства. Например, размещение орнамента и полудрагоценных камней на серебряном ковше, созданном в начале XX в., характерно для этого вида древнерусской посуды; в нем сочетаются элементы, присущие как стилю модерн, так и русскому искусству XVII столетия. Ковш — традиционный русский сосуд — служил частью сервиза для питья меда. Металлические ковши, происходящие от деревянных прототипов, встречаются начиная с XIV в., и их производство продолжалось до середины XIX в. Аналогичный прием использован и в оформлении полей серебряного сальмандинами и опалами оклада иконы «Богоматерь Казанская». Оно выдержано в полном соответствии со старыми русскими традициями, но при этом мастер использует декоративные мотивы, соответствующие вкусам его времени. Изделия фирмы Фаберже — значительное явление в декоративно-прикладном искусстве XIX-XX вв. Это произведения своей эпохи, со всеми пристрастиями века, однако изысканность ювелирной работы, стройность композиции, тонкое чувство материала ставят их в первый ряд мирового ювелирного искусства.

mir-kamnej.ru

okamnyah.blogspot.ru

Этапы развития ювелирного дела - Этапы развития ювелирного дела - Из истории ювелирного дела - Каталог статей

 

Своими корнями ювелирное дело уходит в глубь веков. Как заметил историк ювелирного дела Р. Фон Нойман «развитие и использование ювелирных изделий за последние несколько десятилетий подтверждает старую истину, которой уже много тысяч лет, о том, что человек нуждается в персональном украшении. После изобретения средств защиты, создания орудий добычи и производства пищи, древнейший человек направлял свои способности на создание предметов украшений».

В эволюции персональных украшений можно выделить несколько этапов. Первый из них относится к периоду, когда в качестве украшений древний человек использовал подручные материалы в виде отполированных природой камней, ракушек, зерен плодов, зубов и костей животных, а также перьев птиц и т.п. Этот период продолжался примерно до VIII - III тысячелетия до н.э., когда от простого собирательства человек перешел к производящему ведению хозяйства, созданию первых ремесел. В тот период камни, на которые человек обратил внимание благодаря их красоте, редкости и износостойкости, стали не просто собирать с поверхности земли, а приступили к их целенаправленной добыче. Тогда же началась и первая примитивная обработка некоторых минералов.

Второй этап связан с открытием золота. Замечательные свойства и легкость его обработки наряду с длительной сохранностью первоначального вида изготовленного из золота изделия обусловили широкое применение металла для создания ювелирных украшений. Некоторые исследователи полагают, что в качестве элементов украшения одежды, деталей ювелирных изделий и декоративной отделки оружия золото использовалось еще 8 тыс. лет назад. Тогда же стали использовать в качестве элементов украшений некоторые камни, хотя их обработки в нашем сегодняшнем понимании в тот период еще не было, да и сам камень больше служил предметом религиозного преклонения, чем украшением. Возможно, именно тогда и появились первые золотых дел мастера.

Историки ювелирного искусства не без оснований считают, что для создания украшений серебро применялось еще за 1000 лет до того, как в этих целях стали использовать золото, но именно золото дало толчок развитию ювелирного дела. Второй этап по времени частично совпал с первым, но выделен в самостоятельный в связи с началом использования золота в предметах и деталях украшений. Он продолжался практически до раннего средневековья.

Третий этап следует отнести к средним векам, когда стали активно развиваться многочисленные ремесла, торговля, наука и искусство. Успехи горного дела, химии, физики, металлургии, открытие новых способов обработки металлов и минералов не могли не сказаться на развитии ювелирного дела. До наших дней сохранились отдельные уникальные изделия, созданные в те далекие времена и давшие начало новым направлениям в ювелирном искусстве.

Направление или стиль в ювелирном искусстве, как и стиль в искусстве в целом, - это общность образной системы, средств художественной выразительности, творческих приемов, обусловленных единством идейно-художественного содержания. В нем находят отражение главные особенности эпохи и общества, в том числе характер национальных традиций, достижения в экономическом, научном и техническом развитии стран.

Считается, что основы декоративного искусства в части личных украшений сформировались в античные времена в древней Греции. В последующем направления менялись таким образом, чтобы лучше отразить эпоху с точки зрения развития экономики, науки и ремесел, а также подчеркнуть положение отдельных слоев общества.

Лучшие образцы римского ювелирного искусства представляли собой копии с греческих подлинников. Это способствовало не только усвоению римлянами греческой культуры, но и появлению новых традиций и обычаев, оказавших заметное влияние на их образ жизни, особенно правящей верхушки. Одним из таких обычаев стала нарочитая демонстрация ювелирных украшений, которые делались громоздкими и тяжеловесными. Подобное «бахвальство роскошью» началось с возвращением в Рим армии после завоевания Греции и Малой Азии. Легионеры обогатились большим количеством драгоценностей и без стыда выставляли напоказ награбленную добычу. От мужчин не отставали и женщины. Чтобы умерить их пыл в 214 г. до н.э. был принят закон, запрещающий женщинам носить ювелирные украшения весом более половины унции (около 13 грамм). Однако вскоре этот запрет был забыт - женщины не позволили ограничить себя в использовании украшений.

Вместе с легионерами из Греции в Рим прибыли золотых и серебряных дел мастера, резчики и гравировщики, которые стали изготавливать украшения для римской знати. И если греческие украшения славились натуралистическими декоративными мотивами, заимствованными из природы, то римские отличались округлыми, гладкими формами с выявлением фактуры золота и использованием различных камней, особенно красных и зеленых. Камни становились неотъемлемой принадлежностью украшений.

Уже в тот период среди ювелиров существовало деление на специальности. Каждое сложное изделие делали несколько мастеров во главе с самым опытным, или же каждый из ювелиров специализировался на каком-то одном виде изделий. Среди украшений самыми часто носимыми были кольца и браслеты. Постепенно популярность завоевывали серьги, подвески, кулоны, ожерелья и цепи, в том числе и для украшения бедер. Волосы украшали тонкими золотыми проволочками или тонкими сетками и лентами из золотых нитей.

Входили в моду ювелирные изделия с красивыми камнями, которые называли драгоценными. Римский император Аврелий первым украсил ими свою золотую корону, жена Калигулы на торжественные приемы надевала драгоценностей на сумму около 40 млн. сестерций.

Огромное значение для развития мирового ювелирного искусства имели работы мастеров Древнего Египта, Индии и Китая. Однако направления ювелирного искусства тех стран заметно отличались от европейских, которые нам ближе.

В Средневековье главенствующее положение среди других драгоценных камней завоевал алмаз, и все больше средств уходило на его приобретение. Деньги стали уплывать из Европы, что не могло не вызвать озабоченность монархов, стремящихся к усилению экономической мощи своих стран. Еще в 1283 г. в Англии, а позднее во Франции и Испании были изданы законы, разрешавшие носить алмазы только высшей знати и особам благородного происхождения. Эти законы ограничивали ввоз в страну драгоценных камней. Еще более строгий закон, запрещающий носить алмазы и иные драгоценные камни даже благородным рыцарям, был издан королем Англии Эдуардом III в 1363 г. В Испании, где инквизиция не церемонилась с ослушниками, подобный закон разрешал ношение драгоценных камней только членам королевской семьи. Однако подобное положение просуществовало недолго, ибо вечное стремление человека окружать себя красивыми вещами победило все запрещающие законы. Вместе с тем, такого рода законы положили начало созданию уникальных фамильных украшений, в которых использовались камни новой доселе невиданной огранки. Был дан толчок к поиску новых видов обработки камней и, в первую очередь, алмазов, основные характеристики которых были уже хорошо известны.

Европейские мастера быстро поняли, что круглая форма алмаза более привлекательна своей особой красотой, и научились сначала сглаживать острые углы кристаллов, а затем и придавать все большую округлость всему камню. Но времени на это уходило очень много, сама работа была крайне трудоемкой, а наказание за испорченные алмазы даже по тем временам было весьма строгим.

Каждый этап развития той или иной страны оставляет отпечаток на направлении или стиле ювелирного творчества. Были периоды, которые сейчас мы назвали бы периодами застоя, когда ювелирные изделия делались по принципу абсолютного единообразия. Мало кто из ювелиров того времени осмеливался вносить что-то новое, боясь нарушить установленные каноны.

Так, в странах Западной Европы в XIV-XVI вв., называемых эпохой Возрождения (Ренессанса), в ювелирном деле преобладало направление, отражающее власть, богатство и происхождение, а также положение в обществе. Размеры и количество носимых ювелирных украшений были призваны подчеркнуть ранг и благосостояние их владельцев. На более высоком уровне тогда были возрождены забытые приемы античного ювелирного искусства.

С конца XVI и до середины XVIII в. доминировал стиль Барокко. В ювелирном деле он проявлялся в создании причудливых и порой странных украшений, обычно сложных криволинейных форм, символизирующих стремление к величию и помпезности.

В первой половине XVIII в. в европейском декоративном искусстве возобладал стиль Рококо. Носимые ювелирные украшения того времени отличались грациозностью и изысканностью, но в то же время и подчеркнутой асимметричностью и орнаментальностью.

В начале XIX в., примерно в течение трех десятилетий, в декоративном искусстве Франции и некоторых других стран Европы главенствовал стиль Ампир. В ювелирном искусстве он не нашел заметного отражения, за исключением создания богато украшенных эмблем, регалий и знаков отличия, в том числе и орденских.

Наибольший вклад в развитие ювелирного искусства внесла эпоха Классицизма (XVIII-XIX вв.). При создании украшений стали придерживаться строгой элегантности, соответствия изделий костюму и образу жизни. Отношение к ювелирным украшениям заметно изменилось в конце XVIII- начале XIX вв. Мужчины полностью уступили первенство женщинам, оставив для себя перстень, булавку для галстука и цепочку для часов. Женщины стали витриной благосостояния семьи. Получив свободу, они старались перещеголять друг друга в богатстве и помпезности украшений. Украшения стали носить в комплекте или в парюре. Парюра могла включать несколько изделий, например, кольцо, серьги, брошь, браслет, ожерелье, кулон, шпильки для волос и т.д. Во всех изделиях парюры старались придерживаться единого дизайна, хотя это условие не считалось обязательным, но везде присутствовали камни, цвет которых подбирался к туалету или характеру владелицы. Для парадных и вечерних украшений главным камнем стал бриллиант. Многие, созданные в то время образцы ювелирных украшений, стали называть классическими, хотя к ним можно также отнести изделия античных времен.

В конце XVII в. уже умели гранить алмазы на пятьдесят восемь граней. За необычное мерцание при свете свечей ограненный таким образом алмаз стали называть бриллиантом. Как только алмаз заиграл, в Европе резко возрос спрос на бриллианты. На время вышли из моды другие ювелирные камни, а также широко распространенная тогда эмаль. Дворянство стало соревноваться друг с другом в размерах и количестве имеющихся у них бриллиантов.

В разных странах высшая власть по-разному относилась к моде на бриллианты. В Англии во времена правления Кромвеля, являвшегося лордом-генералом, ношение бриллиантов стало считаться дурным тоном, а фактически бриллианты находились под запретом. Постепенно многие камни, принадлежавшие английской знати, перекочевали в карманы самого Кромвеля или в его казначейство.

Во Франции дело обстояло иначе. «Король-Солнце» Людовик XIV, большой любитель драгоценных камней, сам ввел моду на ювелирные украшения с бриллиантами. По его же инициативе появились украшения с алмазами и бриллиантами в виде цветов, листочков и целых букетов. Именно тогда был придуман для дам глубокий вырез на платье, названный декольте, с тем, чтобы лучше были видны их ожерелья и подвески. Дабы подчеркнуть блеск бриллиантов, в Версале стали устраивать балы при свечах, на которые придворные надевали все имеющиеся у них драгоценности. Но всем им было далеко до самого короля, у которого только на камзоле вместо пуговиц сверкал ровно 171 бриллиант, не считая камней на других аксессуарах одежды.

После смерти Людовика XIV мода на бриллианты во Франции приняла характер эпидемии. Украшенные огромными алмазами щеголяли не только королева Мария-Терезия и мадам Помпадур, но и все, кто разбогател на бесконечных войнах. Правда, действовал негласный закон, разрешающий их ношение только лицам благородного происхождения, но в те времена титулы и родословная легко приобретались за деньги. Те же, кому не хватало средств на настоящие бриллианты, охотно пользовались подделками. В историю вошел французский ювелир Жорж Фредерик Страз, который изобрел способ производства ювелирных камней из свинцового стекла, получивших название «бриллиантов Страза». Они быстро вошли в моду, и их носила даже королева. Сейчас эти и другие имитаторы камней называют просто стразами.

Во второй четверти XIX в. помпезность в ношении ювелирных украшений уступила место элегантности, что не могло не сказаться на развитии ювелирного дела. Больше внимания стали уделять цветным камням, особенно изумрудам, рубинам, сапфирам, хотя главным по-прежнему оставался бриллиант, ради которого ювелиры придумывали все новые и новые рисунки для традиционных видов украшений.

Стиль Модерн (ХIХ-начало XX вв.) - характерен не только использованием нового дизайна, но и новых материалов и технологий. Изделия того периода, которые надолго приобрели популярность, стали классическими.

Современный этап в развитии ювелирного дела охватывает период с конца XIX в. до настоящего времени. Он отмечен бурным ростом науки, техники и технологий, открытием новых материалов и сплавов, изобретением способов искусственного выращивания кристаллов, являющихся аналогами природных ювелирных камней. Были также выращены кристаллы, которых не существуют в природе, но которые с успехом могут имитировать природные камни. Компьютерный дизайн, открывающий новые возможности для разработки украшений в сочетании с новыми технологиями, снижающими себестоимость производства, позволили формировать моду на ювелирные украшения для различных групп покупателей. Ломаются старые традиции, а новшества вводятся так быстро, что часто проявляется стремление к созданию «новшества ради новшества». Многие нововведения этого периода прижились, другие не выдержали испытание временем, но общий принцип создания ювелирного изделия - поражать и радовать глаз новизной, необычным рисунком и красотой остается на все времена.

Из современных стилей можно отметить «Ар Деко» (начало XX в.), отличающийся сочетанием геометрических форм в изделии. Основоположником этого стиля считается Луи Картье.

Ювелирные изделия различного назначения из символов власти, богатства или особого положения превратились в большей степени в символ любви и внимания, предметы, подчеркивающие индивидуальность и художественный вкус владельцев. Кроме того, ювелирные изделия, особенно эксклюзивные, стали играть заметную роль в качестве средства накопления и защиты от инфляции.

Следует отметить, что ювелирное искусство не ограничивалось созданием только носимых или личных украшений. Древние военные доспехи и оружие, украшенное золотом и драгоценными камнями, государственные регалии, такие как, например, российские «Большой наряд» (венец, скипетр и держава) и «Большая императорская корона», троны правителя Индии Великого Могола, макет дворца китайского императора длиной 5 м и шириной 3,6 м, выполненный из золота, столешницы, вазы, чаши и многое другое по праву относятся к лучшим образцам ювелирного творчества.

В XVII-XVIII вв. в различных странах стали формироваться школы ювелирного искусства. С одной стороны - это было собрание единомышленников и последователей своего учителя, продолжающих и развивающих созданное им направление. Таковой, например, была Петербургская школа Фаберже. С другой стороны - это некое учебное заведение, которое готовит специалистов различного профиля в данной предметной области на основе сложившихся годами традиций и современных достижений в различных областях науки и техники, смежных с ювелирным делом.

Хорошо известны европейские школы ювелирного искусства, некоторые из которых, созданные еще в XVIII в., существуют по настоящее время. Например, в Германии наряду с большим количеством частных курсов ювелиров-дизайнеров имеется около 20 государственных школ и высших учебных заведений, специализирующихся на обучении дизайну и производству ювелирных украшений. Много подобных школ и в Италии, но в отличие от немецких, их основное внимание сосредоточено исключительно на дизайне. Все учебные заведения, как правило, расположены в центрах ювелирной промышленности.

Среди азиатских стран в этом плане заметно выделяется Индия, где центрами ювелирного производства являются целые города. В Индии всегда существовало свое направление в развитии ювелирного искусства, отражающее национальные традиции и особенности, и свои школы, в которых учат не только дизайну, но и работе с инструментом и использованию современных технологий.

 

mirkamney.moy.su

ИСТОРИЯ ЮВЕЛИРНОГО ДЕЛА | Не любо

История украшений берет начало в истоках человеческой истории. Сначала самоцветы носили в том виде, в каком их находили в природе. Потом стали обрабатывать их для усиления блеска, красоты, вырезать на камне различные рисунки, тексты. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, и не только с точки зрения присущего ей стиля, но и в том, что касалось выбора материала, способа обработки, дизайна. В древности главным образом Египет, Греция, Рим, позднее Византия существенным образом определяли эволюцию украшений. Сохранившиеся до наших дней ювелирные изделия дают представление о традициях, вкусах и мастерстве ювелиров прошлого. В прошлом отделка ювелирных камней была крайне грубой, и той отделки и огранки камней, которая появилась в средневековье, раньше не было. Резьба по камню (глиптика) уже в VI в. до н. э. достигла своего расцвета в Греции; в Риме глиптика тоже была популярна (хотя берет свое начало еще в государствах Междуречья). В Европе глиптика появилась только в начале XIV в. Высочайшего совершенства достигло мастерство изготовления гемм — инталий (углубленное резное изображение) и камей (выступающее резное изображение). На них вырезались грациозные фигурки, женские головки, целые сцены, прославлявшие властителей древнего мира.

«Живопись в камне» — так метко назвал один из археологов XIX в. рельефные многоцветные камеи, вырезавшиеся из сверхтвердых минералов. С давних пор вплоть до восточных походов Александра Македонского (вторая половина IV в. до н.э.) мастера предпочитали углубленную резьбу печатей, дававших на оттиске в глине и воске миниатюрные рельефы. Самые ранние камеи вырезались на одноцветном минерале: гранате, гиацинте, аметисте, но скоро резчики обратились к многослойным минералам, позволявшим использовать более широкую гамму тонов и их переходов, учитывая тончайшие особенности камня. Первые камеи из многослойного агата, по-видимому, начали вырезать в Александрии, при дворе Птолемеев (конец IV—III вв. до н. э.). Многие из них были очень крупными и не могли использоваться ни в качестве печати, ни в виде амулета. Это были редкие заказные работы, служившие царскими дарами в храмы или дополнявшие пышный головной убор владык. Агат твердостью превосходит сталь, поэтому резчик должен был использовать еще более твердые материалы в качестве абразива. Размельченный корунд или алмаз при быстром вращении врезался в поверхность камня, и таким образом вырезалось изображение. Труд резчика был настоящим подвигом. Крупные камни — это подлинные картины из агата, они требовали многолетней работы. Древние мастера чаще всего обращались или к арабскому сардониксу с его гаммой холодных серо-голубых тонов, или к сардониксу индийскому, в котором преобладали теплые коричнево-красные оттенки. Из арабского сардоникса была создана всемирно известная «Камея Гонзага», индийский был использован создателем камеи с головой Зевса для княгини Голицыной. В этих шедеврах, составляющих гордость коллекции Эрмитажа, безымянные александрийские резчики III в. до н.э. использовали все средства искусства, соединявшего в одно целое пластику и живопись, рельеф и цвет. Меняя полировку поверхности камня, они умели придать, например, шлему холодный блеск металла, а лицу — тепло живой плоти. Меняя толщину верхнего светлого слоя минерала, мастер, словно живописец, прибегающий к технике «лессировок», заставлял просвечивать сквозь него нижний, темный слой. Так создавалось впечатление игры света и тени, обогащалась цветовая гамма изначально двух- или трехслойного агата — сардоникса.

До нас не дошли имена александрийских резчиков, создавших крупные династические камеи эпохи ранних Птолемеев (III—II вв. до н. э.), но для эпохи позднего эллинизма (I в. до н. э.) мы имеем подписанные работы. Кроме александрийской школы, в это время процветают мастерские Малой Азии и Северного Причерноморья.

Античные камеи хранились в специальных галереях при святилищах, в самих храмах как ценнейшие дары божеству, в императорском Риме — во дворцах цезарей, в особняках и на виллах знати. Они были труднодоступны. Древние поэты с удивлением сообщают о людях, совершавших долгое морское путешествие, чтобы увидеть тот или иной шедевр. Вполне понятно их желание приобрести копию этого шедевра. Поэтому иногда одна и та же композиция доходит до нас в нескольких вариантах. Есть случаи, когда мы обладаем воспроизведением одной и той же картины одновременно на геммах, рельефах из мрамора и терракоты, в светильниках, на монетах и декоративных фресках.

Многоцветные камеи в ящичках дактилиотек античных коллекционеров, видимо, составляли своего рода портативные галереи миниатюрных репродукций живописи. Огромная твердость материала, из которого исполнялись камеи, превосходящего по своей твердости сталь, казалось, должна была навсегда предохранить их от разрушения. Однако произведения глиптики иногда вторично поступали на обработку резчиком. Особенно участились переработки древних камей с победой христианской идеологии, когда старому языческому содержанию стремились придать христианский смысл. Именно с такими переделками и переосмыслением связана вторая жизнь античных камней в средние века. Особенно усиленно стали перерабатывать древние камеи в XVI-XVIII вв., в эпоху расцвета глиптики нового времени. Иногда это была ретушь поверхности, частично разрушенной временем, иногда мастер отваживался вырезать на обороте собственноручное изображение, иногда добавлялись надписи. Порой же речь шла о полной радикальной переработке.

Основное ядро коллекции Эрмитажа было составлено во второй половине XVIII в. Камеи составляли предмет особых забот Екатерины II, свою страсть к их собиранию она шутливо называла «камейной болезнью», а свою большую коллекцию — бездной. К концу XVIII в. ее коллекция глиптики насчитывала 10 тысяч экземпляров. История Эрмитажного собрания может быть воссоздана с большой полнотой благодаря счетам, а также письмам и дневникам императрицы и ее ближайшего окружения. Самое значительное приобретение было сделано в 1787 г. Это собрание герцога Луи-Филиппа Орлеанского — одна из самых известных коллекций Европы. В 1795 г. Екатерина II с законной гордостью писала: «Все собрания Европы по сравнению с нашим представляют собой лишь детские затеи». Внук Екатерины II, Александр I, не только унаследовал любимую коллекцию бабки, но и приумножил ее. В России становится традицией для пополнения дактилиотеки Эрмитажа дарить или завещать в дар древние геммы, эти редкие создания античного искусства. После 1917 г. в результате национализации собраний петербургской знати в Эрмитаж попали камеи из бывших коллекций Строгановых, Юсуповых, Шуваловых, Нелидовых... Многие из камей, составивших эту уникальную коллекцию, по праву принадлежат к числу прекраснейших произведений искусства, когда-либо вышедших из рук человека.

Средневековье переняло это наследие античности, однако скоро вышло на свой собственный путь и стало использовать резные камни как в светской жизни, так и для украшения церковной утвари, церковных книг и облачений священнослужителей. Их носили высокородные женщины в виде застежек на одеяниях или в виде медальонов. Руку средневекового аристократа часто украшал перстень с печаткой с вырезанным в камне изображением. В эпоху Возрождения глиптика пережила новый расцвет, и многие известные мастера той поры создали в этой технике произведения искусства высочайшего уровня.

В венском Музее искусств можно увидеть брелоки, сделанные из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами, в центре которых располагается агатовая головка. Это мавританские камеи, которые пользовались большим успехом в конце XVI в. В них видна естественная бороздчатость камня, изображение экзотической природы и, конечно же, изящная эмалировка в мавританском стиле. Коллекция античных и средневековых камей есть и в Парижской национальной библиотеке.

В то время как искусство резания камней еще в античности достигло своего апогея, гранение развивалось медленнее и в античную эпоху намного отставало от глиптики. Наиболее простой и употреблявшейся еще в древние времена формой обработки камня является огранка кабошоном. В раннем и зрелом средневековье кабоширование было единственным способом обработки драгоценных камней. Сегодня же подобным образом отделываются, как правило, непрозрачные или полупрозрачные декоративные камни. В XIV и XV вв. распространяется шлифование таблицей, в XV и XVI вв. появляется фасетирование. То, что мелко растолченный алмаз является непревзойденным средством огранки — это первым открыл гранильщик Карла Смелого Бургундского Луи де Беркен из Брюгге, чем и обусловил взлет гранильного дела. Он наиболее полно выявил одно из важнейших свойств алмаза: способность преломлять свет, которой в такой мере не обладает ни один другой камень. После этого огранка начала свое подобное шествие и появилось множество ее видов. В XVII в. алмаз сделался основным украшением. Гранение алмазов привело к тому, что в XVIII в. искусные ювелиры вправляли в броши, султаны, кольца и др. украшения мерцающие бриллианты в виде цветов, ветвей и бантов. В Европе стали изготовлять целые гарнитуры драгоценностей, которые состояли из ожерелья, серег, броши, браслетов, а иногда и диадемы.

Уже в древности существовала имитация драгоценных камней. Редкие и драгоценные камни заменялись похожими, но более доступными и дешевыми суррогатами. Еще древние египетские мастера умели делать имитацию камней — цветные непрозрачные стекла, смальту. С помощью изготовления определенной оправы можно было преподнести и «обыграть» дефектный камень так, чтобы он казался безупречным по чистоте и дорогим экземпляром. С помощью отражающей свет фольги увеличивали сияние бесцветных и прозрачных алмазов. Ренессансный художник и златокузнец Бенвенуто Челлини прославился умением изготовлять превосходную фольгу, которая заметно увеличивала сверкание драгоценного камня. В других случаях посредством склеивания двух камней достигали обманчивого единства и видимости высокого качества. С помощью обжига цвет многих камней можно было изменить. Например, матово-голубой сапфир после обжига становился водянисто-светлым и служил для имитации алмаза. Во все времена стекло применялось в качестве дешевого заменителя благородных камней. Сорта стекла, которые отличаются повышенным оптическим преломлением и в огранке дают богатую цветовую игру, могут, во-первых — окрашенные окислами металлов — использоваться для имитации цветных драгоценных камней, во-вторых — в бесцветном состоянии — служить заменителями алмазов в дешевых украшениях. Основой современной имитации благородных камней посредством стекла служат стразы, бесцветная стеклянная масса из окиси железа, глинозема, извести и окиси натрия, сплав которой впервые в 1758 г. получил венский златокузнец Иосиф Штрассер. Это был особый сорт стекла, который в обработанном виде выглядит как бриллиант. Оно под названием «страз» проникло на мировой рынок. Псевдобриллианты по внешнему виду приближаются к подлинным, но специалисты достаточно легко различают их по твердости, не говоря уж о методах инструментальной диагностики. При долгом ношении этих украшений на них появляются следы износа и блеск их со временем слабеет.

Надо сказать, что огромное значение для драгоценного камня имеет и подходящая оправа. Как в древности, так и в настоящее время для оправы обработанных камней используют прежде всего благородные металлы и лишь изредка - неблагородные, которым посредством соответствующей обработки поверхности придавали должный вид (например, позолоченная медь). В принципе можно различить два вида оправы: ранняя, гнездовая оправа, известная еще в древности; и более поздняя, известная с конца X в., - ажурная, сквозная, которая не имеет донца и оставляет камень открытым с обеих сторон. Все минувшие столетия не смогли изменить основные виды оправы драгоценных камней, и до сих пор мы имеем дело все с теми же разновидностями первоначальных форм.

Центральное место в ювелирном деле средневековья занимают фибулы, которые с бронзового века использовались почти всеми европейскими народами. В ходе столетий они претерпели изменения от простой крепежной булавки для скрепления одеяний до роскошно отделанной вещицы.

В XIII в. появляются изящные аграфы — это застежка на шейном вырезе женского одеяния. Часто они были покрыты любовными надписями и девизами. Изготовлены из золота, серебра, драгоценных камней.

Запонки для вельмож, которые великолепно изготавливались в Трансильвании, оттуда распространялись по всей Европе. Самым распространенным церковным украшением была скрепа завесы клироса.

К XVII веку фибулы, аграфы и пр. появились в виде брошей в модных украшениях того времени. В XVIII веке броши, усыпанные бриллиантами, стали последним криком моды. Предпочитались броши в форме лент, букетиков цветов. К концу XVIII в. появляются броши с миниатюрными портретами в золотой оправе с жемчужной каймой в форме круга или овала. Позже в брошах стали носить локоны друзей, портреты и т. д. Надо отметить еще одну немаловажную деталь туалета жителя средневековой Европы — это шляпные пряжки, пряжки на обуви и пряжки для штанов, часто драгоценные, со вставными бриллиантами. Были распространены и подвески. Древние европейские подвески (раннее средневековье) были круглыми и плоскими, украшенными эмалью, цветными драгоценными камнями или жемчугом и выражали прежде всего религиозные чувства носивших их людей. Лишь с XV в. подвески начинают встречаться чаще. Они отделаны слоновой костью и перламутром, на которых часто вырезали рельефные изображения Мадонны с младенцем или фигуру небесного покровителя. В эпоху Ренессанса подвески оставили далеко позади все родственные украшения. Ренессансные подвески украшались эмблемами, фигурами и сценами из религиозной жизни, сценами из истории античности. Часто встречаются подвески в виде зверей, сказочных персонажей. Среди прочего использовали необычной формы жемчужины и камни в виде частей тела человека или животного. В XVII в. исключительное пристрастие к подвескам было надолго оставлено, стали носить подвески в форме креста. Их лицевая сторона украшалась бриллиантами, оборотная, как правило, расписывалась эмалью.

Надо сказать, что Италия, особенно Флоренция и Милан, были в период Ренессанса общепризнанными центрами ювелирного искусства. В частности, в XV—XVI вв. Милан был центром резьбы по хрусталю. Очень модным было делать голову животного из хрусталя (например, соболя), оправлять в эмалированное золото (вделанные  рубины служили глазами) и прикреплять ее к дорогостоящему меху. Такое одеяние носили на плечах.

Вообще, XVI в. надо отметить особо. В это время было изобретено много новых ювелирных украшений. Например, на шее средневекового горожанина можно было увидеть брелок религиозного назначения. Это мог быть шарик из агата, оправленный в эмалированное золото, с вделанными рубинами и жемчугом. При раскрытии шарика появлялось изображение религиозного сюжета. Такие шарики делали также из древесины, самшита (в Англии, Голландии, Франции). Большие брелоки религиозного назначения с драгоценными камнями, часто с окошками для показа реликвий, пользовались немалым успехом в Испании в первой половине XVII в.

Брелоки в форме животных в XVI в. особенно были популярны в Испании. Такое животное, как правило, «восседало на подушке». Чаще всего это был орел. Или на брелоке могло быть изображение святого Якова, который особо почитался в Испании. Большим успехом пользовались брелоки в форме кораблей, выполненные в технике филигранной эмали, отделанные чаще жемчугом. Особенно были распространены с XVI по XVIII в. в Италии, в районе Эгейского моря и в Центральном Европе (Венгрия).

В XVI в. в Европе можно было увидеть среди украшений и брелоки-талисманы, например, в форме руки, сделанные из слоновой кости, оправленной в эмалированное золото, с вделанными жемчугом и бирюзой. Пальцы показывали кукиш. Еще с времен Римской империи этот жест у народов Средиземноморья означал «спугнуть дурной глаз». У испанского короля Филиппа II были такие брелоки из коралла. В Испании их чаще всего делали из слоновой кости и агата.

В Италии в это же время любили носить брелоки из декоративных камней с изображением обнаженного женского бюста.

Коллекционеры в XVI в. ценили не только ювелирные украшения, но и посуду из полудрагоценных камней вроде горного хрусталя, агата или лазурита. Богатая коллекция сосудов из лазурита, начиная с 1560 г., принадлежала представителям флорентийской династии Медичи, которые приглашали к себе во Флоренцию мастеров для своих гранильных мастерских.

В южной Германии в XVI в. также было несколько знаменитых ювелирных центров: Нюрнберг и Аугсбург, где работали выдающиеся ювелиры того времени, как, например, Венцель Ямницер. Большой популярностью у горожан в то время пользовалась столовая посуда: кубки из позолоченного серебра с вделанными драгоценными камнями (гранатами, изумрудами, сапфирами, рубинами). Их часто изготовляли по заказу для свадебных подарков. Пивные кружки из позолоченного серебра, украшенные кораллами, рубинами, изумрудами, жемчугом, бриллиантами, и другая посуда, обычно очень массивная, что было присуще нюрнбергским ювелирам в период Ренессанса. В XVI в. модным было делать кубки в форме кокоса и других экзотических фруктов.

Однако ничто не могло соперничать с женскими украшениями, мода на которые постоянно менялась. Так, в XVII в. начали встречаться жемчужные браслеты, носившиеся, как правило, попарно. Издревле большое значение среди предметов украшений имели серьги. Они носились не только женщинами, но и мужчинами, в частности воинами. С XVII в. серьги стали исключительно женским украшением. Сначала это были большие грушеобразные жемчужины, затем стали популярны нарядные серьги, которые с передней стороны отделывались драгоценными камнями, а с оборотной — эмалью. Стали встречаться слоновая кость, черепаха и декоративные породы дерева. Еще с XI в. до н. э. появилось упоминание о ношении колец (в индийском эпосе). Вначале, как уже упоминалось, кольцо было признаком власти, а не украшением. Это — перстни-печатки, кольца как знаки достоинства, и позже — кольцо как украшение, кольцо-талисман, кольцо-амулет. Кольца носили и служители церкви (поверх епископской перчатки на четвертом пальце правой руки). В XIV в. обыкновенно использовалась простая гладкая гнездовая оправа для камней, обработанных кабошоном, в то время как поздняя готика предпочитала кольца богатой выделки, украшенные эмалью и камнями. В XVII в. предпочитали в центральной части кольца большие граненые камни. Особенно большим вниманием в Европе в это время (в XVII—XVIII вв.) стал пользоваться красный карнеол и «моховой» агат, черно-белый и коричнево-белый оникс и многоцветные агаты. Резной камень до самого конца XIX в. оставался популярным украшением кольца, наряду с непрозрачными многоцветными камнями, которые часто использовались для изготовления камней. Своеобразное возрождение пережили также горный хрусталь, дымчатый топаз, аметист и розовый кварц, в которых часто вырезались инталии. Самым дорогим и самым красивым камнем для кольца на исходе XIX в. был «солитер» - большой бриллиант в платиновой основе. Кстати сказать, очень любопытно выглядели обручальные кольца в Европе в XVII в., например в Германии. Два кольца соединены вместе, сделаны из эмалированного золота со вставными бриллиантами и рубинами. Два обода при необходимости разнимаются. Вполне могла быть надпись на латинском, которая состояла из слов венчания — «что Бог сочетал, того человек да не разлучит». Такая двойная конструкция встречается, начиная с XIV в., а символ пожатых рук происходит от древних римских обручальных колец.

Нельзя не сказать об украшениях для волос, которые достигли своего апогея в XVIII в. В основном это диадемы, султаны, обильно украшенные жемчугом, драгоценными камнями, кораллами. В XIX в. и до начала XX в. были модны черепаховые гребни с высокой насадкой, украшенной драгоценными камнями, часто отделанные  перламутром и жемчугом. К началу XVIII в. модным стало бриллиантовое колье, в среднюю часть которого вставляли смарагд или рубин. В виде медальонов стали носить геммы или камеи на черной бархатной ленточке.

Драгоценными камнями украшались и предметы обихода - флакончики для духов, футляры для иголок, молитвенные принадлежности и пр. Даже часы на шее в виде подвесок на декоративной цепочке, и те были буквально усыпаны драгоценными камнями. Кстати, во Франции, например, в XVI в., флакончики для духов, пряностей, ароматических смол делали из эмалированного золота с вделанными рубинами и бриллиантами. Если вернуться к временам античности, то тогда ароматные эссенции готовились строго на заказ, были невероятно дороги и хранились в амфорах из агата, порфира, алебастра. Флаконы, похожие на сегодняшние, как, собственно, и парфюмерная промышленность, — изобретение XVII в. Пузырьки из стекла цвета янтаря и кобальта украшались жемчугом и гирляндами листьев. Вскоре пришла мода на перламутровые инкрустации, эмаль, затем на матовое богемское стекло с золотой филигранью, наконец, на тонкий парижский фарфор.

Надо отметить, что в середине XVIII в. в моду вошел восточный лак. Была изобретена техника пике, имитирующая лак. На самом деле работы выполнялись с черным перламутром пике, который имитировал лакировку.

В это время предметы домашнего обихода украшали с помощью этого технического приема, например, табакерки. Много было табакерок и из черепахового панциря, оправленного в золото.

В XVIII в. появилась техника настилания узорчатых плиток (пластинок) из полудрагоценного камня на предметы домашнего обихода. Например, на табакерках могли быть пластинки из красного железняка и круги из агата, вмонтированные в золото.

В первой половине XIX в. новые материалы, способы обработки, новые техники украшений и т. д. обогатили ювелирное дело. С конца XIX века искусство украшений приходит в упадок как с точки зрения ремесленного мастерства, так и во всех иных аспектах, и вместо тщательно и индивидуально изготовленных украшений появляются модные изделия серийного производства. Именно повышенный спрос на ювелирные изделия в первую очередь дал толчок в XX в. к развитию технологий массового выпуска ювелирной продукции. Развитие штамповки значительно снизило долю ручного труда в ювелирном производстве, а совершенство точного литья свело ручной труд к минимуму. Однако ручной труд не утратил своего значения окончательно, и лучшие образцы его по-прежнему ценятся очень высоко. В настоящее время помимо подражания лучшим образцам средневековья и другим произведениям ювелирного искусства прошлого наблюдается внедрение очень интересного современного ювелирного дизайна.

Нельзя не сказать несколько слов о ювелирном искусстве на Руси. Оно известно с первых веков христианства. Считается, что в это время Византия оказала большое влияние на русское ювелирное искусство, на искусство обработки благородных металлов. Это влияние прослеживается с XI - XII вв. и до XVI в. Особенно оно заметно в орнаментальных мотивах, присутствующих в ювелирных работах русских мастеров. На церковных украшениях этого периода можно было обнаружить византийские камеи. С XIV в. началась полоса расцвета ювелирного искусства в Великом Новгороде, Тотьме, Великом Устюге и других городах. С XVI в. появились сугубо русские, традиционные мотивы в произведениях русских ювелирных мастеров. К концу XVI в. в Москве, кроме русских и греков, стало появляться много других иностранных мастеров-ювелиров. Однако о целой отрасли, связанной с обработкой драгоценных камней (как и о горном деле), можно говоришь лишь с приходом на царство Петра I. По его указу в Петергофе была построена первая гранильная фабрика (в 1725 г.). Для обучения российских мастеров приглашались мастера из-за границы. При Петре I началось оформление ремесленников в цеховые организации. Появились ремесленные центры и при Московской патриархии, монастырях. До 1700 г. ювелирные произведения не клеймили нигде, кроме Москвы, тогда как в Византии клейма применялись с IV в. (из Византии этот обычай распространился по всей Европе). Широко начали применять клеймение драгоценных изделий в России в XVIII в. При Екатерине II ювелирное дело продвинулось вперед, ею было выстроено еще несколько шлифовальных фабрик. В XIX в. ремесленные цехи потеряли свое значение: их места заняли фабрики, торговые дома, артели. При фабриках стали появляться школы, где обучали ювелирному мастерству. На ювелирных изделиях стояли клейма с номером артели или торгового дома, иногда мог быть и именник мастера (но в основном имена российских мастеров можно было обнаружить в так называемых переписных книгах). Лучшие образцы российского ювелирного мастерства имеются в богатых собраниях Эрмитажа, Оружейной палаты.

До 1917 года несметные ювелирные сокровища хранились также в монастырях, церквях: на иконах, облачениях священнослужителей, церковной утвари и т. д.

Со второй половины XIX - начала XX в. крупные московские и петербургские ювелирные фирмы постепенно завоевывали русский рынок, вытесняя продукцию иностранных мастеров. Они были оснащены новым механическим оборудованием, имели возможность нанимать мастеров-виртуозов и пользоваться услугами лучших художников. Ведущую роль в русском и европейском ювелирном искусстве конца XIX - начала XX в. играла фирма Фаберже, имевшая отделения в нескольких городах России и за рубежом. И до сих пор остается только поражаться совершенству исполнения и удивительной фантазии ее мастеров. Карл Фаберже имел звание придворного ювелира русского императорского двора (в 1885 г.) и придворного ювелира Швеции и Норвегии (с 1897 г.). Он начал управление фирмой в 1870 г., его услуги очень ценили при дворе. Фирма производила реставрацию древних произведений, хранившихся в императорском Эрмитаже, и ювелирных изделий из галереи драгоценностей в Зимнем дворце. Изделия фирмы Фаберже были элегантны, имели высочайшую технику исполнения и рассчитаны были на близкое рассматривание. Это был неоклассический стиль, который выгодно отличался от произведений других ведущих ювелирных фирм того времени (П.Сазикова, П.Овчинникова, И.Хлебникова, братьев Грачевых), которые часто подражали кремлевским мастерам XVII в., демонстрировавшим показную роскошь, чьи ювелирные произведения были усыпаны крупными камнями и бриллиантами.

С конца XIX в. фирма начинает выпускать необычайные декоративные предметы — пасхальные яйца с сюрпризами. К началу XX столетия в мастерских Фаберже работало уже около 500 специалистов самых различных национальностей (М.Перхин, Г.Вигстрем и др.). Работам фирмы Фаберже было присуще удивительное понимание камня, использование цвета и игры драгоценных камней, широкое использование их в произведениях ювелирного искусства, что характерно как для европейских, так и для древнерусских златокузнецов. Фирма изготовляла предметы различного назначения: серебряные и золотые столовые сервизы, канделябры, подсвечники, письменные приборы из серебра и бронзы, где удачно сочетался металл с камнем: малахит с бронзой,  лазурит с золотом, родонит с серебром. Очень популярна была скульптура малых форм, а также табакерки, ароматические коробочки, пудреницы, колокольчики, бинокли, лорнеты, оправы для вееров, записных книжек, броши, кулоны, булавки, серьги, драгоценные рамки для фотографий и прочее. С начала XX в. Фаберже стали называть северным Челлини (именем виртуозного итальянского мастера эпохи Возрождения), а его работы сравнивать с лучшими ювелирными изделиями средневековья. В собрании Оружейной палаты хранится около 300 изделий работы мастеров фирмы Фаберже. Самую интересную часть коллекции составляют пасхальные сюрпризы, созданные для подарков членам императорской семьи, и резные фигурки из камня. Иногда небольшие украшения из золота, серебра, драгоценных камней, выполненные в форме яйца, модные дамы носили в виде ожерелий или на цепочках. В коллекции Оружейной палаты хранятся 10 пасхальных сюрпризов, изготовленных по заказам императорской семьи. Самым ранним является яйцо 1891 г. Оно выполнено из гладко отполированного темно-зеленого с красными вкраплениями гелиотропа с накладными завитками, усыпанными бриллиантами. Сюрприз заключается в том, что, когда яйцо открывается, выдвигается нежно-голубая аквамариновая пластинка, имитирующая воду, с миниатюрным золотым кораблем — точной моделью крейсера «Память Азова». Выполнил эту работу Михаил Перхин — один из талантливейших мастеров фирмы. Поражают часы, сделанные в виде яйца. Золото, оникс, бриллианты, эмаль по гильошированному (резному) фону (Перхин, 1899 г.). Часовые механизмы для изделий фирмы Фаберже, как правило, выполняли лучшие швейцарские мастера: Павел Буре и Генри Мозер. После смерти талантливого ювелира М.Перхина (1903 г.) во главе мастерской стал ювелир Генрик Вигстрем (Финляндия), который руководил работой многих мастеров, поэтому его клеймом помечены разные изделия той поры. Изделия эти отличаются легкостью и элегантностью, свойственной европейским стилям конца XVIII - начала XIX в.

Особенная заслуга Карла Фаберже состоит в том, что он впервые широко использовал в своих изделиях удивительной красоты самоцветы Сибири, Урала, Кавказа. Большой знаток минералов и признанный авторитет в этой области, К. Фаберже был оценщиком драгоценных камней при императорском дворе. Коллекция минералов самого К. Фаберже имела большую известность, часть ее и сегодня хранится в Минералогическом музее имени А.Е. Ферсмана в Москве. Горный хрусталь и халцедон, сердолик и разнообразные агаты, аквамарин и опал, всевозможные яшмы, обсидиан, нефрит, родонит и другие камни подбирались мастерами с большим вкусом. Кроме того, они умели изменять естественный цвет минерала и получать нужные им оттенки и тона. Фирма приобрела собственную камнерезную мастерскую в Петербурге. Созданные здесь миниатюрные фигурки зверей, искусно резанные и тщательно отшлифованные, чаще всего передавали в мастерскую Г.Вигстрема, где их оправляли золотом и украшали драгоценными камнями. Как правило, глаза животных делались из осколков бриллиантов или рубинов, что придавало им особую живость. Помимо резных фигурок камнерезы выполняли всевозможные коробочки, портсигары, рамки, календари, шахматы, подставки для часов, рукояти для сабель и кинжалов, преимущественно декорированные в восточной манере, многочисленные ручки для зонтиков и тростей. Большое место среди изделий фирмы занимают резные фигурки людей из камня. Чаще всего это народные типы, сделанные в стиле фарфоровой скульптуры, выпускавшейся заводом Гарднера (XIX в.). Для передачи лиц, костюмов, атрибутов использовались камни различных пород и оттенков.

Еще одной стороной деятельности фирмы Фаберже, принесшей ей мировую известность, было изготовление цветов из драгоценных камней и благородных металлов в миниатюрных вазочках. Гранильщики искусно обрабатывали куски горного хрусталя, создавая впечатление, что вазы наполнены настоящей водой. Выполняя цветы из золота, драгоценных и полудрагоценных камней, мастера достигали максимального приближения к природе, но главным для них все-таки оставался декоративный эффект. Чаще всего на цветах, фигурках зверушек и скульптурах мы не встречаем клейма с указанием имени мастера, но близкое знакомство с произведениями фирмы позволяет специалистам отличать их от изделий других мастеров и от подделок.

Со второй половины XIX - начала XX в. возникло художественное течение, в котором прослеживается обращение к формам и элементам декора различных стилистических направлений более ранних эпох. Оно получило название «историзм» и было типично и для произведений, создаваемых фирмой Фаберже. Ювелиры, работавшие в московском отделении фирмы, чаще, чем петербургские, обращались к произведениям древнерусского прикладного искусства. Например, размещение орнамента и полудрагоценных камней на серебряном ковше, созданном в начале XX в., характерно для этого вида древнерусской посуды; в нем сочетаются элементы, присущие как стилю модерн, так и русскому искусству XVII столетия. Ковш — традиционный русский сосуд — служил частью сервиза для питья меда. Металлические ковши, происходящие от деревянных прототипов, встречаются начиная с XIV в., и их производство продолжалось до середины XIX в. Аналогичный прием использован и в оформлении полей серебряного сальмандинами и опалами оклада иконы «Богоматерь Казанская». Оно выдержано в полном соответствии со старыми русскими традициями, но при этом мастер использует декоративные мотивы, соответствующие вкусам его времени.

Изделия фирмы Фаберже - значительное явление в декоративно-прикладном искусстве XIX-XX вв. Это произведения своей эпохи, со всеми пристрастиями века, однако изысканность ювелирной работы, стройность композиции, тонкое чувство материала ставят их в первый ряд мирового ювелирного искусства.

mir-kamnej.ru

maxpark.com


Смотрите также